Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí está ubicado en el palacio del Marqués de Dos Aguas, sito en la ciudad de Valencia Es producto de una radical reforma llevada a cabo sobre la antigua casa solariega de los Rabassa de Perellós, titulares del marquesado de Dos Aguas, en la década de 1740 en un acusado estilo rococó. De planta cuadrangular irregular, organizado en torno a un patio y con torres en las esquinas, sus fachadas se alzan con planta baja y dos alturas,
Vista general del Palacio
Portada: En un lateral se abre la puerta principal, realizada en alabastro por Ignacio Vergara sobre diseño de Hipólito Rovira.Presidida por la imagen de la Virgen, desde ella descienden dos caudales de agua en alusión al título de los marqueses: Dos Aguas simbolizados por dos atlantes.
Atlante de la portada
VISITA AL MUSEO
La visita a este piso está estructurada para recorrer lo que eran las habitaciones particulares de los marqueses de Dos Aguas, todas decoradas con estucos y pinturas murales, se encuentran amuebladas con parte del mobiliario original como es la Sala de baile, la Sala roja, la Salita oriental, la llamada de la Porcelana con el mobiliario original realizado en Dresde con placas de cerámica incrustadas, así como son de porcelana de Meissen la lámpara y apliques junto con algunas figuras. En el dormitorio se encuentra una gran bañera de mármol blanco de Carrara
Salón de Baile
En su interior aún podemos observar los salones decimonónicos con su decoración original, recientemente restaurada, mientras que la segunda planta acoge el Museo Nacional de Cerámica González Martí, con una importante colección de piezas desde la Antigüedad a los más modernos diseños. y una colección de carrozas del siglo XVIII
Sala Roja
La visita a este piso está estructurada para recorrer lo que eran las habitaciones particulares de los marqueses de Dos Aguas, todas decoradas con estucos y pinturas murales, se encuentran amuebladas con parte del mobiliario original como es la Sala de baile o la Sala Roja
La llamada Sala de la Porcelana con el mobiliario original realizado en Dresde con placas de cerámica incrustadas, así como son de porcelana de Meissen la lámpara y apliques junto con algunas figuras
Alcoba de los Marqueses En el dormitorio se encuentra una gran bañera de mármol blanco de Carrara y el techo está decorado con pinturas de Plácido Francés y Pascual realizadas en 1862.
Comedor
Comedor
COCINA La sala muestra una recreación de la cocina valenciana tal y como fué concebida por el fundador del museo Manuel González Martí. El montaie se ha respetado para evocar la museografia de su tiempo. Tiene azulejería de los siglos XVIII y XIX con escenas del S.XIX , acompañadas de mobiliario popular y utensilios de ceràmica y cobre
Otros detalles de la cocina
La decoración de esta pieza se complementa con vasijas de cerámica y objetos de cobre populares de esta misma época
Vista de la cantarera, el pozo, la pila y el fogón.Personajes populares de la épocaCartela que explica las labores de los personajes representados
Uno de los paneles cerámicos expuestos es el que representa las Santas Justa y Rufina datado entre 1780-1790 y realizado con doce azulejos, aunque iconográficamente a estas santas se las representa siempre con la torre de la Giralda, en este caso la torre diseñada está inspirada en el campanario de la catedral de Valencia, y las piezas de cerámica que se encuentran depositadas en el suelo son claro ejemplo de la loza de Manises
Vigas del artesonado renacentista del palacio de Marqués de Dos Aguas
Escalera que sube al piso superior donde se encuentran las salas del museo
Una de las Salas. Estas exponen las piezas por siglos o tipos cerámicos
Ánfora griega S.IV aC .
Vasija griega de figuras negras Corinto S.V aC
Jarra griega de figuras negras taller de Atenas S.V aC
Jarra de Etrúria, S.V aC.
Píxide, Àtica S.V aC
Figurilla ibèrica S.II aC.
Lámpara de aceite romana de pico con grabados S.I dC
lámpara de aceite naviforme S.V dC
Ànfora para vino romana, S.I dC.
Placa de techo S.V a VII DC
Cangilón o arcaduz de noria. Yacimiento de Jovades. (Oliva, la Safor), s. XI-XIV
Atados a la noria, servían para sacar agua
Lámpara S.XI
Jofaina de estilo Madīnat al Zahrā, S.X
Jofaina, palangana o lavamanos : recipiente ancho y bajo, utilizado para lavarse-
Cuenco de estilo Madīnat al-Zahrā S.X
Loseta de forma estrellada de Kaixan (Iran), S.XII
Cuenco Rey (Irán) con reflejos dorados S.XIII
La loza dorada, los vasos nazaríes o de la Alhambra constituyen la máxima expresión de la cerámica de reflejos metálicos. Se conoce la exportación clara al menos a Egipto y Siria.
Se fabricaron desde el S XIII al XV. Se elaboraron también grandes azulejos con esta técnica, para decoración arquitectónica.
Fuente medieval de azulejería, datada en el siglo XIII
SALA DE CERÁMICA DE LOS S.XIV Y XV PATERNA
Elaborada en la población de Paterna en la comunidad Valenciana, tuvo grandes épocas de esplendor en su producción, entre las que destaca la cerámica tipo mudéjar, también llamada hispano morisca que se fabricó entre los siglos XIII al XVI
Cántaro de Paterna S.XIV
Cántaro morisco S.XIV
Lámpara de aceite de Barcelona S,XIV,
Barniz plumbífero Recibe tal nombre por el plomo que forma parte de su composición, junto con sal y arena molidos y mezclados con agua
jarro de Paterna S. XIV
La cerámica de Paterna, elaborada en la población de Paterna en la comunidad Valenciana, tuvo grandes épocas de esplendor en su producción, entre las que destaca la cerámica tipo mudéjar, también llamada hispano morisca que se fabricó entre los siglos XIII al XVI. De entre los diversos tipos sobresale la cerámica verde y manganeso (óxidos de cobre y manganeso) sobre fondo blanco vidriado, la de reflejos metálicos también llamada loza dorada y la de la serie azul
Escudilla Paterna S.XIV, De entre los diversos tipos sobresale la cerámica verde y manganeso (óxidos de cobre y manganeso
Plato de Paterna en negro y verde S.XIV
Especiero en verde y negro
Plato de loza de Paterna
Cuenco de Paterna o Manises S.XV
Escudilla de loza con reflejos dorados de Manises S.XV
Alfardón con la leyenda «aquel de aquella» S.XV
Pavimento de losetas con decoración de huesos S.XIV
Placa de entrevigas procedente del Palacio de los Señores de Patraix
Fragmentos de pavimento del S.XV
Fragmento del pavimento de la iglesia del Monasterio de Llutxent S.XV detalle
Fragmento del pavimento de la iglesia del Monasterio de Llutxent S.XV
Alfardón con el emblema Cabdells
El alfardón es un azulejo hexagonal y alargado, usado en pavimentos y fachadas de origen mudejar
Alfardón con la divisa «Desir»
Pavimento de losetas
SALA DE CERÁMICA DEL S.XV Y MANISES
Jarra de loza azul de Manises
La cerámica de Manises, en la Comunidad Valenciana (España), está representada por la variada fábrica de este importante foco de la alfarería, que de una cacharrería y loza, tradicionales desde el siglo XIV, ha evolucionado hacia la producción de diversos tipos de pastas cerámicas (loza fina, mayólica, porcelana, gres) y barnices.
Especiero de loza de Manises
El barniz plumbífero o plúmbeo (con el que se bañan las piezas en crudo y antes de la cochura) produce un vidriado brillante y trasparente que permite conservar los colores originales del barro o del engobe
Plato de Manises de loza con reflejos dorados S.XV
Además de la histórica vajilla hispano-morisca de reflejo metálico, Manises a producido alfarería plumbífera con el típico vidriado amarillo con manchas verdes, muy popular en toda España. También ha sido habitual en los alfares manisienses la cacharrería rojiza vidriada basta u ordinaria, conocida como obra «aspra» para diferenciarla de la loza polícroma.
Plato de Manises de loza con reflejos dorados S.XVI,
Plato brasero de Manises,S.XV
Plato brasero con el emblema del Reino de Valencia Manises S.XV,
Plato de Manises de loza con reflejos dorados S.XV
Platillo del extremo superior de un candelero de Manises, S.XV
Plato de Talavera,sèrie tricolor S.XVI
Bote de loza azul de Manises, S.XV
Socarrat de artesonado, Paterna S.XV
Socarrat, detalle
Otras piezas empleadas para la arquitectura son los socarrats, cuyo formato mayor se destinaba al entrevigado de techos interiores, mientras los de menor tamaño se utilizaron componiendo frisos en terrazas, escaleras u otros lugares
Socarrats de alero con inscripciones cúficas y geométricas S.XV
Loseta con la heráldica de la familia Borja S.XV
La azulejería para pavimentos con divisas o escudos heráldicos eran encargos realizados por instituciones para sus sedes o por la nobleza. Se encuentran visibles fragmentos procedentes de diversos palacios valencianos.
Loseta con la heráldica de la familia Cruïlles S XV
Loseta con la heráldica de Jeroni de Cotalba S.XV
Loseta con la heráldica de la familia Boils S.XV
Losetas con la divisa de Alfonso el Magnánimo, S XV
Loseta con la divisa de Alfonso el Magnánimo S.XV
Loseta con la divisa -Las mills de Alfonso el Magnánimo S.XV
Loseta con el emblema del gremio de sombrereros S XV
Loseta con el emblema del gremio de sastres,S.XV
Losetas del pavimento del Obispo Hernando de Arenós y Boïl S.XV
SALA DE CERÁMICA DE LOS S, XVI, XVII y XVIII
Escudilla del Abad Porta de Poblet, S.XVI
Escudilla con el escudo abacial de Poblet S.XVI
Plato de loza de Manises con reflejos dorados S.XVII
los investigadores coinciden en aceptar que los alfareros de la zona comenzaron a producir loza dorada en el primer cuarto del siglo XIV.3 Fruto de aquella alfarería gótico-mudejar, serían los excelentes ejemplares de cerámica decorada en azul y/o reflejo metálico dorado hallados en excavaciones arqueológicas en el subsuelo de Manises.
Plato agallonado en loza con reflejos metálicos S.XVI
Plato agallonado en loza con reflejos metálicos S.XVI
Plato en loza con refleios metálicos S.XVI
Plato de loza de Manises con reflejos dorados S.XVII
Cuenco de Manises de la serie clavellines,S.XVIII
Loseta policromada atribuida a Niculoso Pisano,S.XVI
Francesco o Francisco Niculoso, llamado Niculoso Pisano (¿Pisa?, Italia, mediados del siglo XV – Sevilla, España, 1529), fue un ceramista y azulejero italiano. Su formación artística tuvo lugar en Italia, Alrededor de 1498 se trasladó a Sevilla, donde se estableció en el barrio de Triana. Las obras artísticas que realizó y que se han conservado se encuentran principalmente en Sevilla y en el Monasterio de Tentudía de Calera de León (Badajoz), y están realizadas en el periodo comprendido entre 1503 y 1526
, Loseta policromada atribuida a Niculoso Pisano,S.XVI
Virgen con Niño, atribuido a los talleres de Benedetto Buglioni
En la época del renacimiento, Florencia fue productora, a través de la familia Della Robbia, de una cerámica policromada vidriada de carácter devocional, que por medio de su comercio continental llegó también a la península Ibérica.
Plato de porcelana china S.XVI
Taza de porcelana china del S XVII
Albarelo de cerámica de Nápoles S XVII,
Plato portugués de loza sinolusitana, S.XVII
Benditera de Talavera de la Reina S.XVIII
Cornucòpia con la representación del fuego, loza de Alcora, 1750 -1780
Trompeteros S.XVIII
Plato de loza de Manises sèrie pardalot
Plato de loza de Manises S.XVIII
SALA DE PORCELANA DE ALCORA
En el señorío de Alcalatén, situado en la villa de Alcora y perteneciente al IX conde Aranda, partiendode la antigua tradición alfarera de la villa y con el beneplácito del reino de los Borbones y su corte francesa, fundó dicho conde una fábrica de cerámica, abandonándose la producción propia de la zona en favor de un producto a imitación de lo francés.
Destacan en Alcora tres épocas, pero no es hasta la segunda época de la fábrica, entre 1742 y 1798, cuando la fábrica alcanza su plenitud de producción y resultados.
Busto de anciano,de Alcora, 1770 – 1810.
Busto de anciana,de Alcora, 1770 – 1810.
Bacía de barbero de cerámica de Alcora S.XVIII Se trataron de conseguir materiales más finos, frente a la rudeza popular de la cerámica española
Plato de cerámica de Alcora, S.XVIII
Custodia de Manises 1876
Chimeneacon aplicación de cerámica de Manises S.XIX
Plato de Manises sèrie de boda S.XIX
Plato con decoración de englobe S.XIX
Se entiende por engobe una arcilla coloreada o no, que se aplica sobre una pasta soporte a modo de esmalte para modificar su aspecto externo, aportando una textura terrosa no vítrea. Puede ser aplicado sobre la pieza en estado de cuero, seca, o bien bizcochada previamente
Plato con el Duque de la Victoria jurando la Constitución S.XIX
Bacía de barbero de Alcora S.XIXEscribanía de Manises S. XIXAzucarero de Alcora S.XIX
Centro innovador de la porcelana valenciana en el siglo XVIII fue la producción de la Real Fábrica de Alcora que se encargó de imitar el gusto del barroco francés y la decoración rocaille en piezas destinadas a vajillas y objetos de ornato.Piezas del S. XIX
Busto femeníno de Bohèmia S XX
Banco de jardín de 1920, patio cubierto del MuseoPlaca de porcelana,de Ernst Wahliss S.XXSalsera en forma de corderoLagarto de loza con reflejos metálicosJarra de leche La Cartuja de Sevilla, S.XX
Antonio López es un pintor y escultor español. Nació en Ciudad Real, meses antes del inicio de la Guerra Civil. Es el mayor de cuatro hermanos, sus padres eran labradores acomodados del importante núcleo manchego que era Tomelloso. Su temprana vocación por el dibujo, así como la influencia de su tío, el pintor Antonio López Torres, conformaron su decisión de dedicarse a la pintura. En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, coincidiendo allí con diversos artistas, con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela madrileña. Permaneció en la academia entre 1950 y 1955.
Era la luz del amanecer la que inspiraba a Antonio López cuando pintó La Gran Vía durante cinco veranos, a partir de 1975.López inmortalizó la calle de sus primeros años en la capital.Entre 1975 y 1980, cada verano, Antonio López ,se levantaba al amanecer, cogía el metro en Plaza de Castilla, la estación más próxima a la colonia de casas bajas en la que ya vivía entonces y salía en la estación de Banco de España. Caminando por la acera del Ministerio del Ejército, entraba en la cercana sucursal del Banco de Vizcaya y recogía el caballete y las pinturas que diariamente le guardaban los vigilantes de la entidad. Cargaba los bártulos y se instalaba en la isleta del paso peatonal que aún hoy separa Gran Vía de Alcalá. Durante 30 o 40 minutos se entregaba a la captura de esa primera luz de la mañana.
Gran Via (1974-1981. Óleo sobre tabla. 93,5 x 90,5 cm (Colección privada). Más que de un paisaje urbano se trata del retrato de un lugar familiar, inconfundible, pero bajo unas circunstancias insólitas. La hora en el reloj preside, como en las piazze de De Chirico, un asfalto insólitamente desierto, como si el aire de Madrid se hubiera vuelto tóxico y todos sus habitantes se hubieran refugiado en sus casas.
Otra vista de la Gran Via
Gran Vía, 1 de agosto, 7:30 horas, 2009-2011. Óleo sobre lienzo. 130 x 130 cm. (Colección del artista). A diferencia de su clásica precursora, las nuevas granvías están pintadas desde un punto de vista elevado. La serie de las granvías actuales, todavía en proceso, pretende plasmar, en horas sucesivas desde el amanecer al atardecer, el vuelo de una criatura (insecto o pájaro, ángel o demonio) que se va posando en distintos edificios de la avenida, desde su nacimiento hasta su final en la Plaza de España.
Vista de la Gran Via desde un balcón
Antonio Lopez pintando el anterior cuadro
Y aqui en unos de sus ultimos trabajos en la Puerta del Sol
Madrid desde Torres Blancas, 1974-1982. Óleo sobre tabla. 156,8 x 244,9 cm. Marlborough International Fine Art
El edificio Metrópolis
Vista de la calle Capitán Haya
Terraza de Lucio, 1962-1990. Óleo sobre tabla. 172 x 207 cm (Colección privada). Fue iniciada hacia 1962 en el ático donde entonces vivían Lucio Muñoz y Amalia Avia, para celebrar la felicidad de aquella joven pareja, pero terminó siendo algo muy distinto. «El protagonista -dice Antonio- es ahora la mordedura del tiempo en las paredes, la grieta de la calle oscura, el muro de la terraza de cemento granulado que se viene encima hacia la izquierda, hasta poderlo tocar».
El Campo del Moro, 1990-1994. Óleo sobre lienzo adherido a tabla. 190 x 245 cm. Col•lecció Jaume Roures.
En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comenzó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocía, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Velázquez. En 1965. Desde este último año y hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de preparatorio de colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.En 1985 se le concedió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
Frederic Marès convirtió la escultura en algo más que su vocación artística. A lo largo de su vida reunió una extensa colección de escultura hispánica que abarca desde la época antigua hasta el siglo XIX, en la que predomina la talla policromada religiosa. Esta colección constituye la sección más homogénea del museo y ocupa las plantas baja y primera, así como parte de la planta subterránea del edificio. Marès también dio una parte de su propia obra escultórica, que se exhibe en su Estudio-biblioteca. El Gabinete del coleccionista ocupa la segunda y la tercera planta del edificio. Es prácticamente un museo dentro del museo, y permite apreciar hasta qué punto llegaba la pasión de Marès por el coleccionismo. Decenas de miles de piezas documentan formas de vida y costumbres del pasado, fundamentalmente del siglo XIX, como abanicos, pipas, relojes, fotografías, juguetes, llaves, botes de farmacia y relicarios: todos ellos son entrañables e insólitos, y aquí se presentan en una atmósfera intimista que evoca el particular universo de Marès. Este artículo esta orientado y dedicado solo a la escultura medieval, tanto en piedra como en talla, que abarca los siglos XII y XIII. He intentado identificar, localizar y datar cada una de las piezas, pero hay muy poca información en la red y tampoco figuran esos datos en el Catálogo del Museo Marés, de 1979 que es el que tengo, así que la publicación puede quedar un poco incompleta. Os animo a que lo visiteis, porque es realmente bonito, tanto el edificio como su contenido.
Clave de arquivolta con la representación del Agnus Dei realizado por el taller del Maestro de Cabestany, procedente de Sant Pere de Rodes En este Museo se muestra en un recorrido cronológico que reúne principalmente piezas artísticas de toda España, sobre todo de Castilla-León, desde la época prerromana hasta el siglo XX, e incluye elementos de la mayor parte de las escuelas escultóricas españolas destacando tanto las de la Edad Media y las tallas policromadas religiosas,
Un relieve románico procedente del monasterio de San Pedro de Roda
y que representa La Aparición de Jesús a sus discípulos en el lago de Tiberíades, atribuido al Maestro de Cabestany. Esta obra es la más importante del museo y fue ejecutada por un artista anónimo conocido como el Maestro de Cabestany. Escultor de gran calidad, activo a lo largo de la segundo mitad del siglo XII, El Maestro de Cabestany trabajó en la Toscana, Languedoc, Cataluña y Navarra. Este relieve formó parte de la portalada occidental del monasterio benedictino de Sant Pere de Rodes, en Girona, y está considerada una de las obras más notables de dicho artista y su taller.
fue un escultor formado en la academia de Bellas Artes de Sant Jordi trabajos desde época temprana como el Primer Premio en el Concurso Nacional de Escultura de 1924, las restauraciones en las tumbas reales del Monasterio de Poblet en 1944, o la importante obra de la tumba de Martín el Humano junto a la capilla de San Benito de Poblet. En 1982 se le concede la Creu de Sant Jordi de la Generalidad de Cataluña y en 1983 le concedieron el Premio Nacional de Bellas Artes.
Palacio Real Mayor Los orígenes del Palacio Real Mayor hay que ir a buscarlos en edificaciones levantadas sobre restos paleocristianos y que Jaime I amplió en el siglo XIII apoyándolas sobre la muralla romana. El edificio donde está ubicado hoy el Museo Marès ocupa un espacio que fue completamente remodelado por Jaime II. En 1487 se convirtió en sede de la Inquisición
El Museo Frederic Marès
Es un singular museo de coleccionista que se encuentra en el centro de la ciudad de Barcelona En pleno barrio gótico de Barcelona encontramos este museo ubicado en el medieval Palacio Real Mayor de los Condes de Barcelona, en el Carrer dels Comtes de Barcelona, 8, al lado de la catedral
El edificio del Museo se ubica en el Palacio Real Mayor, sede barcelonesa de los monarcas de la Corona catalano-aragonesa en la época medieval, un conjunto de inmuebles que se encuentran en la plaza del Rey y que actualmente acogen varios museos entre los que se encuentra el Marés.
Vista de un rincón del patio renacentista
Patio renacentista del Museo
Es el vergel del museo, antiguo huerto-jardín del Palacio Real Mayor.
En el semisótano del museo se conservan también piezas arquitectónicas de edificios derribados con la apertura de la Vía Laietana, así como de otros lugares y ciudades.
De hecho, el patio renacentista del interior del museo formaba parte de una casa datada de 1567 situada en el número 1 de la calle de los Templers, al que se añadieron elementos de otros edificios derribados de la ciudad. El museo fue inaugurado de forma oficial en 1948 e inicialmente constaba sólo de cuatro salas. Marès no abandonó su pasión por coleccionar y el edificio fue ampliándose con nuevas salas hasta 1970
A partir de la sala 2 iniciamos el recorrido por la escultura románica del museo, representada, por un lado, por la escultura vinculada a la arquitectura monumental, que tiene el mejor ejemplo en el relevo del Maestro de Cabestany, y, por otro, por la escultura mobiliaria que embellecía el interior de las iglesias, fundamentalmente tallas de la Virgen con el Niño, Cristo crucificado y calvarios, que se situaban en lugares destacados, como el altar.
Arco del siglo XII de una iglesia de Segovia
Los cuatro canecillos (siglo XII) proceden de la iglesia de San Miguel de Tubilla del Agua (Burgos). El arco (siglo XII) procede de una iglesia de Segovia. La puerta mudéjar procede del monasterio de Santa María de Carrizo (León).
Portada de la iglesia de Castillo de Anzano (Huesca) . En la Cripta se sitúan la mayoría de piezas en piedra, y ahí puede verse una de las grandes obras del románico, la Portada de Anzano La Sotonera, Aragón
Portada de La Sotonera Castillo de Anzano (Aragón) detalle de las arquivoltas.
Ventana románica de principios del siglo XIII
procedente de la iglesia de Nanclares de Gamboa (Álava).
Ventana geminada románica.
Detalle de los capiteles. Datada en la segunda mitad del siglo XII, procede de la torre de la iglesia de San Miguel de Tubilla del Agua (Burgos).
Canecillo
Siglo XII de la iglesia de San Miguel de Tubilla del Agua Burgos
Piezas pertenecientes a un tímpano del Monasterio de San Lorenzo de Carboeiro Silleda (Pontevedra)
Piezas pertenecientes a un tímpano del Monasterio de San Lorenzo de Carboeiro
Del siglo XII destaca un Pantocrátor con mandorla y rodeado de los símbolos de los evangelistas, procedente de Rocamador (Palencia)
Flagelación Santa Maria de Cornellà de Conflent
Relieve del Mestre Martinus S.XIII Tubilla del Agua (Burgos)
Bajorrelieve S.XIII
Colección de capiteles S.XII y XIII
Colección de capiteles S.XII y XIII
Capiteles islámicos
Capitel S.XI
Capitel S.XI
Capitel S.XII
Capitel S.XIII
Capiteles S.XII
Capitel de Palencia S.XIII
Pila benditera. Cataluña. Siglo XIII.
Tapa de sepulcro S..XIII
Tapa de sepulcro S.XIII
Sala de escultura románica Crucificados La planta baja exhibe la escultura antigua y medieval hasta el siglo XIV, en que destaca el relieve románico de la Aparición de Jesús a sus discípulos en el mar, atribuido al Maestro de Cabestany y procedente del monasterio benedictino de Sant Pere de Rodes.
Descendimiento S.XIII (Fragmento) Existe una extensa colección de vírgenes y crucificados de estilo Románico, Gótico y de transición entre los dos estilos
Descendimiento S.XII. También hay impresionantes crucificados policromados del S.XII
Crucificado S. XII
Crucificado S. XIII
Crucificado S. XII
Crucificado S. XII
Crucificado S. XI
Crucificado S. XII Alt Aneu
Calvario S.XIV
Este calvario de mediados del siglo XIV se salvó de los cambios realizados en la iglesia burgalesa de San Pedro de Tejada al ser colocado posteriormente en la parte alta del retablo mayor tardo gótico.
Calvario S.XIII La colección de tallas de Cristos románicos y góticos es magnífica, lástima que no aparezcan en la cartela su procedencia. El Sr. Marés reunió una gran colección, pero la falta de datos de las piezas, es su mayor defecto.
Calvario S.XIII El Museo incluye elementos de la mayor parte de las escuelas escultóricas españolas destacando las de la Edad Media
Fragmento de Calvario San Juan S.XIII
Sala de imagenería románica Vírgenes, cuya colección es inmensa, pero que tambien carece de datos de su procedencia
Sala de imagenería románica Vírgenes
Virgen de San Millán de Puentedura (Burgos) S..XII Esta talla de la Virgen con el Niño, procedente de Puentedura (Burgos), puede ser considerada una de las mejores obras de la colección de vírgenes románicas del museo. Representa a María como Sedes Sapientiae («trono de la sabiduría») encarnándose en el Niño divino. Su extraordinaria calidad y su estilo han motivado que se la relacionase con las piezas ejecutadas en los talleres de la Isla de Francia durante la segunda mitad del siglo XII.
Virgen románica del siglo XII, en madera policromada. Procede de Plondogau, Lleida
Mare de Déu amb el Nen SXII
Mare de Déu amb el Nen SXIII
Virgen SXII Alta Ribagorza
Niño Jesús S.XIII
me llamó la atención esta imagen, por ser muy poco usual su representación
Virgen con Niño S.XIII
Virgen con Niño procedente de la provincia de Burgos S.XIII
Virgen con Niño S.XIII
Virgen S.XIII
Virgen con Niño S.XII
Dormición de la Virgen. Retablo gòtico de la Catedral de Burgo de Osma. detalle
Se entiende por ermitaño a aquella persona que adopta la vida devota y solitaria y sus sinónimos pueden ser: eremita, asceta, anacoreta, santón, y a veces cenobita. Los anacoretas conocidos ya en tiempo de los judíos comenzaron a extenderse desde los principios del cristianismo y se multiplicaron durante los siglos II y III a causa de las persecuciones, refugiándose gran número de ellos en la Tebaida (Egipto). Cuando hablamos de eremitas, monjes y cenobitas tendemos a confundir los términos utilizándolos bien como sinónimos, bien de manera errónea llamándo cenobios a los más antiguos y monasterios a los más recientes.
Teodor Axentowicz: Anacoreta (Museo Nacional de Varsovia, Polonia)
Los cenobitas estaban en contacto con otras gentes mientras que los eremíticos no eran muy sociables, sólo se unían para orar ocasionalmente.
Monasterio de Simonos Petra Monte Athos, Grecia
Así, el movimiento cenobítico es una tradición monástica iniciada desde los tiempos más remotos del cristianismo, que enfatiza la vida en común. Se caracterizaba por el comunitarismo monacal, que preservaba el aislamiento de los monjes del común de la sociedad.
El Monte Athos
Es el marco geográfico de veinte monasterios ortodoxos (griegos, rumanos, rusos, búlgaros, serbios y georgianos) que conforman un territorio autónomo bajo soberanía griega
Al movimiento eremítico, los estudiosos cristianos lo consideran como originalmente inspirado en la Biblia, pero otros han advertido la impronta griega y oriental en aquel. No se puede descartar la influencia del maniqueísmo, ni del gnosticismo, así como tampoco la de los ambientes judíos (esenios de Qumrán y terapeutas de Alejandria)… El modelo inicial de eremitismo, propio de los anacoretas orientales del siglo III, tendría más tarde imitadores -aunque con reservas- en la vida monástica occidental. En Occidente, cada comunidad pertenecía a alguna orden religiosa, y la vida del monje cenobítico estaba regulada por una regla.
Sadhú o santón hindú
La práctica del eremitismo también se encuentra presente en la historia del hinduismo, el budismo, el sufismo y el taoísmo. Su vida era durísima. Pan, agua y sal constituían la comida diaria; algunas verduras cocidas en agua la comida de invitados. Al ponerse el sol era la hora del refrigerio único, el pan se guardaba en agua más de seis meses, ¿aquello era comer? Se inventó la interrupción del sueño levantándose a cantar, se instituyó el cilicio perpetuo sobre la carne, se hizo de las pieles de animales el primer hábito
La Tebaida egipcia
Lugares especialmente significativos de este fenómeno fue la Tebaida egipcia, el desierto de Siria, la Borgoña (con su famosa María Magdalena) o, en España, El Bierzo, las hoces del Duratón o la Sierra de la Demanda.
Hay que tener en cuenta que la Tebaida recibe el mismo nombre de una zona situada en el Alto Egipto, lugar donde comenzó la tradicióncenobítica oriental junto a Palestina y la Capadocia.
La Capadocia
Al estar situada en la encrucijada de varias rutas comerciales, Capadocia también estuvo bajo la influencia de distintas religiones: cuando llegó el cristianismo (siglo II), en esta zona se había adorado a Zeus, Mitra, Attis, Dioniso… Los primeros cristianos en llegar habrían sido aquellos que, o bien habían huído de las persecuciones de los romanos, o bien aquellos que escaparon de la invasión árabe de la región que se encuentra al sur de las montañas de Tauro. En poco tiempo, estos “colonos” transformaron gran parte de la Capadocia rocosa en un conjunto de monasterios y ermitas excavadas en dichas rocas.
San Jerónimo, de Juan Martinez Montañez, Museo Bellas Artes San Fernando de Sevilla
LOS ANACORETAS
Por Padres del desierto, Padres del yermo o Padres de la Tebaida se conoce, en el Cristianismo, a los monjes, ermitaños y anacoretas que en el siglo IV tras la paz constantiniana, abandonaron las ciudades del Imperio romano (y otras regiones vecinas) para ir a vivir en las soledades de los desiertos de Siria y Egipto (famosa se hizo la Tebaida por tal fenómeno).
Sólido del emperador Valente (364-378)
Los cristianos de Egipto asumieron el monaquismo con tanto entusiasmo que el emperador Valente tuvo que limitar el número de hombres que podría convertirse en monjes.
Velázquez San Antonio Abad y San Pablo primer ermitaño (Museo del Prado 1635-38)
Entre los mas conocidos, el primero de tales eremitas y anacoretas fue el egipcio Pablo el Ermitaño, que fue conocido gracias a Antonio Abad, también anacoreta. La obra representa a San Antonio Abad junto a San Pablo el Ermitaño, y está inspirada en un pasaje de La leyenda dorada de Jacobo de la Vorágine en el que se describe el viaje de San Antonio Abad hizo para visitar a San Pablo, el primer ermitaño cristiano en el desierto de Egipto.
En vida de Pablo el ermitaño, cuenta que Antonio fue a visitarlo en su edad madura y lo dirigió en la vida monástica; el cuervo que, según la tradición, alimentaba diariamente a Pablo entregándole una hogaza de pan, dio la bienvenida a Antonio suministrando dos hogazas.
Mattia Preti: St.Pablo el ermitaño Cleveland Museum of Art USA
San Pablo Ermitaño Representación de Pablo de Tebas, conocido como Pablo el ermitaño o Pablo el egipcio, venerado por la Iglesia católica y la Iglesia copta como el primer santo en llevar una vida eremítica. San Pablo murió el año 342 cuando tenía 113 años de edad y cuando llevaba 90 años orando y haciendo penitencia en el desierto.
San Serapión de Alejandría
.Estudió en la célebre escuela catequética de Alejandría. Después se dedicó a la vida eremítica. En este campo tuvo un maestro excepcional, san Antonio. A nivel intelectual, encontró en san Atanasio un amigo sincero.
Simeón el Estilita, siglos IV-V, Siria
En Siria hubo otros, como Simeón el Estilita. Cuando vivían en comunidad o en «lauras» se los llamaba cenobitas, pero a este se le conocía por «el ermitaño de la columna» que durante muchos años vivió sobre una , por lo que recibió el sobrenombre de “Estilita»
Jerónimo de Estridón
Del siglo IV, es, considerado Padre de la Iglesia, uno de los cuatro grandes Padres Latinos. La traducción al latín de la Biblia hecha por San Jerónimo, llamada la Vulgata y publicada en el siglo iv de la era cristiana, fue declarada en 1546 —por la Iglesia católica en el Concilio de Trento— la versión única, auténtica y oficial de la Biblia para la Iglesia latina.
Sus representaciones en el arte, son innumerables.
San Pacomio
San Palemón y su discípulo San Pacomio, siglo IV, fundadores del monasterio de Tabennisi.
San Macario de Alejandría
Este varón santísimo, aunque nació en Egipto, siglo IV, fué fundador del monasterio de San Macario el Grande, y presunto autor de las llamadas «Homilías espirituales».Fue presbítero de Alejandría. Hízose discípulo del gran Padre san Antonio abad, y salió tan perfecto, que san Antonio le dijo que el Espíritu Santo había reposado sobre él, y que él sería heredero de sus virtudes. Una mujer atrevida le inventó la calumnia de que el niño que iba a tener era hijo de Macario, el cual, según decía ella, la había obligado a pecar. La gente enardecida arrastró al pobre joven por las calles. Pero él le pidió al Señor en su oración que hiciera saber a todos la verdad , que al final salió a la luz.
San Pafnucio
Obispo en Egipto, que fue uno de aquellos confesores que, en tiempo del emperador Galerio Maximino, habiéndoles sacado el ojo derecho y desjarretado la pantorrilla izquierda, fueron condenados a las minas, y después, asistiendo al Concilio de Nicea, luchó denodamente por la fe católica contra el arrianismo (s. IV).
San Onofre
San Onofre, ermitaño que vivió en el desierto egipcio en el siglo IV.
San Onofre
Si no lo hubiera encontrado el abad san Panufcio, ya moribundo, y no hubiera escrito su vida es seguro que no conoceríamos a este personaje originalísimo.
Fresco de San Gregorio el Iluminador en Saghmosavank (Armenia)
Gregorio I el Iluminador, siglo IV, evangelizador de Armenia y considerado su patrono.
Otros muchos de los que han dejado su nombre, son a menudo monjes y obispos eminentes o percibidos como tales en la época : Atanasio de Alejandría, Teófilo de Alejandría, Cirilo de Alejandría, Epifanio de Salamina y Gregorio Nacianceno.
Entre las mujeres mas conocidas tenemos:
Sinclética de Alejandría
Sinclética de Alejandría, siglo IV, Egipto, una de las más tempranas Madres del desierto, sus máximas se suelen incluir entre los dichos de los Padres del Desierto.
Santa María Egipciaca, José de Ribera
María de Egipto, siglos IV-V, Egipto y Transjordania, penitente.
Encuentro de Zósimo y María en el desierto. Frescos de la basílica de Asís, Giotto. Santa Thais de la Tebaida, oleo conocido como la Magdalena de José de Ribera
Santa Thais de la Tebaida En ocasiones se piensa que llegar a ser santo presupone una existencia de oración, enclaustramiento o martirio; si bien en muchos casos así ha sido, en otros no: ya que acérrimos pecadores recalcitrantes han logrado la santidad, y así lo demuestra la vida de Thais…
Magdalena penitente. de Pedro de Mena. Se conserva en el Museo de Escultura de Valladolid, en depósito del Museo del Prado de Madrid.
Magdalena penitente es un tema iconográfico muy frecuente en el arte cristiano, tanto en pintura como en escultura. Se la suele representar semidesnuda, con ropas toscas y el pelo largo y desordenado. Se puede representar en un entorno natural o en el interior de una cueva. Es frecuente que se la confunda con Thais e incluso con Santa María Egipciaca.
Monjes Jerónimos
La Iglesia Católica,en los siglos posteriores, fue transformando esas pequeñas comunidades eremíticas en órdenes religiosas estables (San Jerónimo, San Agustín y San Pablo), que mantienen la vida ascética inicial pero evitando las prácticas extravagantes o exageradas.
EL MOVIMIENTO EN OCCIDENTE
El Greco. Alegoría de la orden de los Camaldulenses
En Occidente hay monjes semi-anacoretas, entre cenobitas y ermitaños, como los cartujos y los camaldulenses.
San Atanasio el recluso en las Lauras de las grutas de Kiev
También surgieron hombres y mujeres llamados reclusos, como San Atanasio, los cuales, por un periodo temporal o definitivo, se encerraban en una celda con la puerta tapiada, cuya única comunicación con el exterior era una pequeña ventana para que entrara la luz y los alimentos y bebidas
En los siglos XI y XII, el eremitismo se generalizó en toda Europa gracias a las reformas monásticas y como alternativa a la regla de los monjes que vivían en los grandes monasterios y abadías.
Benito de Nursia, siglo VI, Italia
Entre ellos destacó Benito, autor de la llamada regla de San Benito, considerado uno de los fundadores del monasticismo de Occidente. Los cenobios, se regian por las reglas de San Martín o San Fructuoso, hasta que a partir del siglo XI se imponga como única regla la redactada por San Benito de Nursia en el siglo VI.
Vamos a conocer ahora, al protagonista de este día: 17 de Enero
San Antonio Abad (Museo de El Greco, Toledo)
SAN ANTONIO ABAD
Antonio Abad, también llamado Antonio de Egipto, siglo IV, y popularmente San Antón. es uno de los Padres del Desierto, considerado el fundador de la vida monástica.
San Antón, por Zurbarán
Antonio Abad nació en el pueblo de Comas, cerca de Heracleópolis Magna, en el Bajo Egipto. Se cuenta que alrededor de los veinte años de edad vendió todas sus posesiones, entregó el dinero a los pobres y se retiró a vivir a una comunidad local haciendo vida ascética, durmiendo en una cueva sepulcral La institución monástica existía ya antes de él, como lo demuestran irrecusables monumentos; pero Antonio aparece como el primer Abad, porque fue el primero que dio forma estable a las distintas familias de monjes dedicados al servicio divino.
«La Tebauda», atribuida a Fray Angélico, pero mas probable sea de Gherardo Starnina (1410)
Se le considera el fundador de la tradición monacal cristiana. Sin embargo, y pese al atractivo que su carisma ejercía, nunca optó por la vida en comunidad y se retiró al monte Colzim, cerca del Mar Rojo, en absoluta soledad. Abandonó su retiro en 311 para visitar Alejandría y predicar contra el arrianismo.
Escenas de la vida de San Antón, Museo del Prado
Escenas de la vida de San Antón, Museo del Prado
Habiendo perdido a sus padres, distribuyó todos sus bienes entre los pobres, siguiendo la indicación evangélica, y se retiró a la soledad de la región de Tebaida, en Egipto, donde llevó vida ascética. Trabajó para reforzar la acción de la Iglesia, sostuvo a los confesores de la fe durante la persecución desencadenada bajo el emperador Diocleciano
. Se le empezaron a unir tantos discípulos que se vio obligado a organizar un cenobio, por lo que se le considera el representante por antonomasia del ascetismo y padre del movimiento cenobítico, aunque no llegara a fundar ninguna orden. apoyó a san Atanasio contra los arrianos y reunió a tantos discípulos que mereció ser considerado padre de los monjes († 356).
San Antón en la iglesia del mismo nombre en Madrid por Pablo Cerdá, 1796
La iconografía lo refleja, representando con frecuencia a Antonio con el hábito negro de los Hospitalarios y la tau o la cruz egipcia que vino a ser el emblema como era conocido y con un cerdo a sus pies.
La imagen anterior, se encuentra en la Iglesia de San Antón, donde todos los 17 de Enero, se celebra la multitudinaria bendición de los animales, en la foto, por el Padre Angel.Éxtasis de San Antonio abad, por Francisco de Goya
En vida de Pablo el ermitaño, un famoso decano de los anacoretas de Tebaida, cuenta que Antonio fue a visitarlo en su edad madura y lo dirigió en la vida monástica; A la muerte de Pablo, Antonio lo enterró con la ayuda de dos leones y otros animales; de ahí su patronato sobre los sepultureros y los animales.
Las tentaciones de San Antonio, por El Bosco.
Antón, sufrió terribles tentaciones del diablo y supo afrontarlas con tal entereza que su fama de santidad se extendió rápidamente.
Siendo uno de los trabajos pictóricos más conocidos es el Tríptico de las tentaciones de san Antonio, pintada por Hieronymus Bosch, conservado en Lisboa.
Otra curiosa representación de la escuela de Domenico Ghirlandaio: La tentazione di Sant’Antonio
Muchos artistas han tomado este tema para sus obras
Y también existe un cuadro de el Bosco, en el Museo del Prado, Madrid.
San Antón por Ruiz Gijón, Sevilla
Los Caballeros de San Antón: Antonianos
Orden hospitalaria también conocida como de San Antón, de los Caballeros de San Antonio,Hermanos Hospitalarios de San Antón, etc. Nacida en Francia en 1095, logró una rápida expansión por Europa.
Ruinas del Monasterio antoniano de Castrojeriz
En esta centuria lograron su mayor implantación, regentando varios hospitales. Su centro más conocido y poderoso en la Ruta del Camino de Santiago y también en toda la Península, fue el hospital de San Antón de Castrojeriz, Burgos, del que se conservan restos.
Los caminos de Santiago«Los mendigos» de Pieter Brueghel, el Viejo: Hombres con amputaciones, afectados por el ergotismo
Su principal función era la atención a los afectados por la enfermedad del ergotismo gangrenoso, que se extendía por el continente. Conocido popularmente como fuego de San Antón -por ser los antonianos los encargados de combatirlo- o fuego sagrado, por las altísimas fiebres que ocasionaba, estaba producida por el consumo de pan de centeno afectado por las toxinas (ergotamina) provocadas por un hongo: el cornezuelo del centeno.
Escudo de los Hospitalarios de San Antón
La orden de los antonianos se ha especializado también. desde el principio en la atención y cuidado de enfermos con dolencias contagiosas: peste, lepra, sarna y enfermedades venéreas Los antonianos combatían el fuego sagrado dando a los enfermos y peregrinos pan frescode trigo, además de una serie de preparados de farmacia.
San AntonioAbad, de Juan de Valdés Leal (Museo Lázaro Galdiano, Madrid)
Hábitos negros y cruces azules fueron, durante siglos, los distintivos de una de las órdenes religiosas más enigmáticas y desconocidas de la Cristiandad. Nacida en tierras egipcias con la finalidad de curar la extraña epidemia, que antes se ha descrito, que asolaba la Europa medieval. Durante la Edad Media además tenían la costumbre de dejar sus cerdos sueltos por las calles para que la gente les alimentara, costumbre que aún se conserva en algunas poblaciones españolas, en el día de su onomástica.
EREMITORIOS EN ESPAÑA
Valderredible: una de las zonas mas ricas en eremitorios rupestres
Encontramos en gran parte de nuestra geografía restos de iglesias rupestres altomedievales y la documentación que nos ha llegado de esa época confirma la existencia de un importante movimiento cenobítico y eremítico desde los primeros tiempos de la cristianización de Hispania.
Códice Albeldense. IV Concilio de Toledo. Isidoro de Sevilla
Los concilios de Toledo dictaron cánones para regular el eremitismo, bien exigiendo la consagración de los anacoretas por el obispo, bien tratando de someterlos a la disciplina de un abad en un monasterio. Ya bajo el estado visigodo surgió una distinción terminológica entre el asceta que vivía en comunidad y el anacoreta que buscaba la soledad de los yermos. En palabras de San Isidoro, que bebió de su hermano Leandro y de Juan Casiano, la vida común era una fase necesaria antes de la evasión total.
Ejemplo de Laura, mas frecuentes en Siria
Como fase intermedia proliferó la asociación de eremitas, las lauras, que se identifican por la existencia de un número elevado de celdas en el entorno de una iglesia.
EREMITAS HISPANOS
San Millán y sus discípulos, Arca de San Millán 1067. Monasterio de Yuso, San Millán de la Cogolla
SAN MILLÁN Sabemos de su vida por la biografía, que escribió San Braulio hacia el año 636, para la cual se basó en la tradición oral iniciada por los seguidores de San Millán. Fue discípulo de Felices, pero no tuvo experiencia previa en un monasterio.
Juan Rizzi, San Millán en la batalla de Simancas, c. 1643. Retablo del Monasterio de San Millán de Yuso.
En el contexto del avance de los ejércitos de los reinos cristianos sobre los territorios de Al-Ándalus, y existiendo una rivalidad por el liderazgo de la “Reconquista” entre los diferentes reinos y condados, el joven reino de Castilla reivindicó la figura de San Millán como caudillo militar, que arengaba y lideraba a las tropas castellanas en la batalla contra los musulmanes, igualando así el papel que en el imaginario colectivo jugaba Santiago Matamoros.
Cenotafio de San Millán Monasterio de Suso, La Rioja
SAN FRUCTUOSO De familia con posibles y con la intención de ser un eremita, va a preferir una vida apartada, y pronto se aleja a los montes para llevar una vida ascética y de meditación.
Capilla de San Fructuoso de Montelius S.VI-VII Braga (Portugal)
En el 650 San Fructuoso de Braga, de origen portugués aunque en esos momentos toda Hispania era visigoda, comienza su ministerio en la zona del Bierzo, entre León y Galicia.
San Valerio de Astorga
SAN VALERIO Responde al tipo del eremita itinerante, pues estuvo en el cenobio de Compludo, donde habitó en la celda que fuese de Fructuoso.
Luego buscó la soledad en algún lugar cercano a Astorga, para más tarde establecerse cerca de la iglesia de San Félix. foto: J.B.R
Monasterio de San Pedro de Montes
Terminó su vida a finales del siglo VII y sus reliquias se conservaron en el Altar Mayor de la iglesia del Monasterio de San Pedro de los Montes, de la orden benedictina, cerca de Ponferrada.
Ermita de San Urbez, Fanlo Huesca
SAN URBEZ
Monje procedente de Burdeos que se formó con San Fructuoso en el Bierzo y luego vivió en la diócesis de Huesca
San UrbezSan Frutos
SAN FRUTOS
Nació hacia el año 642 de familia pudiente y murió en 715, dejando a sus hermanos Valentín y Engracia la tarea de cuidar el oratorio que habían fundado en la actual reserva de las Hoces del Duratón, cerca de Sepúlveda.
Ermita de San Frutos en las Hoces del Duratón
PRINCIPALES ZONAS EREMÍTICAS
El Rio Sil en la Ribeira Sacra
GALLAECIA En la antigüedad tardía se constituyó la provincia de Gallaecia, que se subdividía en conventos jurídicos. Los genuinos fueron Lugo, Braga y Astorga
Una de las cavidades de la gruta de Cotillón en la ribera del Cabe en Pantón
Las laderas de los rios Sil y Miño, junto con sus afluentes, se llenan de pequeños eremitorios que hacen de la ribeira la “Tebaida galaica también llamada «Ribeira Sacra» en la actualidad. Desde el siglo VI, se multiplicaron en la zona los pequeños eremitorios con comunidades muy reducidas que llevaban una vida de oración y que, con la llegada del siglo XII, fueron reformados dando origen a poderosos monasterios, en primer lugar benedictinos, y más tarde cistercienses.
Destacan entre otros muchos:
Santa Cristina de Ribas de Sil, acceso
SANTA CRISTINA DE RIBAS DE SIL En Parada de Sil, entre bosques de castaños, en el Cañón del Río Sil, visitamos el Monasterio de Santa Cristina de Ribas de Sil
San Pedro de Rocas, interior y sepulcros antropomórficos
SAN PEDRO DE ROCAS Siglo VI – Orense Las tierras de Esgos son conocidas por el eremitorio conservado más antiguo y original de Galicia.E Ha aparecido la lápida de fundación del año 573, por lo que originalmente debió ser un ermitorio cristiano suevo. A finales del siglo IX se refundó el monasterio al que Alfonso III concedió privilegios. Consta de tres capillas excavadas en la roca, comunicadas entre sí, con arcos de herradura sobre columnas adosadas y capiteles labrado
El Valle del Silencio
LA TEBAIDA BERCIANA La Tebaida de León, por tanto, se convirtió con San Fructuoso, en uno de los puntos eremíticos más destacados de la Península Ibérica
Iglesia de Santiago de Peñalba, arcos de herradura del acceso
Además. la Tebaida berciana y sus alrededores, como el Valle del Silencio o Ponferrada,con su castillo y Santiago de Peñalba, tienen una gran tradición templaria y numerosas leyendas relacionadas con estos caballeros
CUEVA DE SAN MARTÍN SIGLO IX, ZAMORA Iglesia rupestre de nave rectangular de 3,30 por 3,60m cubierta por una especie de bóveda de carpanel desde la que se accede a través de un arco de herradura al ábside, también en forma de herradura.
Zona del lago de Sanabria (Zamora)
Necrópolis de Cuyacabras,Revenga en Quintanar de la Sierra.Burgos
LA SIERRA DE LA DEMANDA En la comarca de pinares que comparten las provincias de Burgos y Soria al sur de la Sierra de La Demanda y Urbión, San Millán, también conocido como san Emiliano, siglos V-VI, actual patrono de Castilla, discípulo de Felices de Bilibio. Junto a Saturio y su discípulo Prudencio conforman el núcleo de ermitaños de la Sierra de la Demanda y alrededores, como el Monasterio de Suso, que antes mencioné.
CASTELLA VETULA El embrión del futuro reino de Castilla se organizó entorno a la ciudad de Amaya, donde tuvo su sede el primer conde castellano don Rodrigo.
En la provincia de Burgos, al sur de Trespaderne, por la carretera nacional que une Oña con Trespaderne se encuentra el desvío que sube a Tartalés de Cilla.
SAN PEDRO DE TARTALÉS S.VII Burgos Iglesia rupestre excavada en la roca de pequeñas dimensiones, situada en la cara occidental de la Sierra de la Tesla a media ladera
El eremitorio de Tartalés de Cilla es un conjunto de cuevas artificiales excavadas en roca arenisca, alineadas a ambos lados del arroyo de las Torcas en su confluencia con el Ebro. El origen se supone en época visigoda y altomedieval (ss VII-X). foto: condadocastilla.es
Necrópolis de Tartales
La zona fue independiente durante una parte del siglo VIII, tras el cual Castella Vetula fue asimilada al proyecto astur de repoblación
Las Gobas y Santorkaria, Iglesias Rupestres (Laño) Condado de Treviño foto Condado Treviño
CAPADOCIA VASCA la “Capadocia Vasca” o “Capadocia de Treviño”, ésta travesía transcurre desde Lagrán hasta Markinez. Una sucesión de eremitorios, iglesias rupestres y antiguas necrópolis esparcidas por el Condado de Treviño, municipio perteneciente a Burgos pero asentado en Álava.
Situación de las ermitas rupestres de Treviño
Cuevas de Pinedo. Valdegobía Entre los tesoros patrimoniales con que cuenta el País Vasco, las cuevas ermíticas de Alava son una muy desconocida sorpresa. Templos, necrópolis y habitáculos de monjes ascetas excavados en la roca
CUEVAS MENUDAS Las llamadas Cuevas Menudas del municipio de Villasabariego, son unos eremitorios medievales que datan del siglo X
SAN JUAN DE SOCUEVA Siglo VIII Cantabria Pequeña ermita levantada en un abrigo rocoso, al que se encaja aprovechando el fondo del mismo, por lo que en ocasiones ha sido considerada como una ermita semi-rupestre.
ERMITA DE LA VIRGEN DEL CARMEN DE CADALSO La cronología de este tipo de manifestaciones rupestres del sur de Cantabria es controvertida, señalándose algún momento de la Alta Edad Media. Algunos autores abogan por el origen de estos templos prerrománicos en época visigótica
LA ERMITA RUPESTRE DEL TOBAZO se encuentra en la localidad de Villaescusa de Ebro del municipio de Valderredible.Aquí en el Tobazo hay tres cuevas naturales con algunos retoques hechos por los canteros para así darle forma a esta ermita. De las tres cavidades parece ser la del medio la que se uso como ermita siendo las de los lados habitaciones monásticas.
CUEVA DE LA VIRGEN DE MONTESCLAROS- Cantabria
Sobre un altozano entre el pico Solaloma y el río Ebro, se erige el Santuario Real de Montesclaros, lugar de referencia secular mariana de los municipios de la comarca cántabra de Campoo-Los Valles.
CUEVA SANTA DE LIEBANA – Siglo IX – Cantabria En las proximidades del Monasterio de Santo Torribio de Liébana, en la ladera norte del monte de la Viorna, se encuentra esta ermita semirrupestre, construida en una cueva cerrada en uno de los costados mediante sillares. Consta de dos plantas
IGLESIA RUPESTRE DE CAMPO DE EBRO – Siglo VIII – Cantabria Ermita semirupestre, construida en una cueva cerrada en parte de uno de los costados mediante sillares. Planta de nave rectangular y ábside cuadrangular, separados por un arco de medio punto.
ERMITA DE ARROYUELOS Siglo VIII – Cantabria
Iglesia de dos plantas excavada en una gran mole de arenisca, con los restos de una lauda y una necrópolis con tumbas altomedievales en su exterior
CUEVAS DE LOS PORTUGUESES DE ARROYO DE LAS TORCAS Siglo VII – Burgos El completo eremítico rupestre de Arroyo de las Torcas (La Horadada), en las Merindades (Burgos), consta de 14 habitaciones excavadas en una pared de arenisca, en un pequeño desfiladero cubierto de una exuberante arboleda Foto: viajandoando
SAN MIGUEL DE PRESILLAS Siglo VIII – Burgos Conjunto eremítico formado por una iglesia construida a dos alturas, un baptisterio rupestre y varias celdas artificiales. La planta principal es de planta basilical, de tres naves muy cortas y de gran altura, con tres ábsides, mientras que en la superior existe una tribuna desde la que se domina toda la iglesia
SANTOS JUSTO Y PASTOR Siglo X – Olleros de Pisuerga Palencia Construida en el siglo X u XI por mozárabes huídos del Islam, la Iglesia de los Santos Justo y Pastor es el mejor ejemplo del eremitismo rupestre español.
Ermita de los Santos Justo y Pastor, interior de las navesErmita de los Santos Justo y Pastor, detallesErmita de Santa María de Canduela
El pueblo de Canduela esta situado en la margen izquierda del rio Camesa, a 8 kilómetros al norte de Aguilar de Campóo.
Unos pocos cientos de metros alejada del casco urbano, la ermita de Santa María permaneció en la más absoluta ruina y olvido hasta que, en 1990
HOCES DEL DURATÓN – Segovia
CUEVA DE SIETE ALTARES – Siglo VII – Segovia
En el cañón que forman las Hoces del río Duratón en tierras de Sepúlveda se localizó, en los inicios de la Edad Media, una notable concentración de ermitaños. Entre los lugares donde se refugiaron estos monjes y donde se practicó el culto cristiano, destaca una Iglesia o Capilla rupestre conocida como la Cueva de los Siete Altares, eremitorio creado en el siglo VII por San Frutos y sus hermanos, desaparecido durante la invasión árabe. Constaba de una capilla pública exterior, semiexcavada, con un altar en forma de herradura.
RUINAS DEL PRIORATO DE SAN FRUTOS Los restos del antiguo conjunto monástico se encuentran en uno de los lugares más vistosos y visitados del Parque Natural de las Hoces del Río Duratón. Su ubicación, al borde del acantilado, permite apreciar la espectacularidad del cañón.
CONDADOS ARAGONESES
Cuevas de San Caprasio, Barbastro
Desde los tiempos visigodos hubo tradición monástica en Zaragoza, con San Braulio y su discípulo Tajón, en Huesca con San Victorián, en Sobrarbe y Ribagorza.
San Victorian o la Espeleunga
Hubo en esa época una relativa abundancia de monasterios en la zona, y se dice que San Victorián pudo formar parte de una laura en los alrededores de Huesca
LA MARCA HISPÁNICA
Ermita en Tossa de Montbuí
La pequeña ermita consagrada a Santa María de Gràcia muestra en su interior una planta formada por tres naves rematadas en un altar con tres ábsides semicirculares irregulares En el año 801, en que los carolingios toman Barcelona, los territorios se fueron organizando según el modelo de su Imperio. Muy pronto este se desmorona, aunque la influencia se mantuvo, como lo demuestra la rápida penetración de la reforma cluniacense y del estilo románico.
MESETA CASTELLANA
En 1085 Alfonso VI conquistó su capital, Toledo, y es entonces cuando la taifa de Sevilla llamó en su auxilio a los almorávides. El rigorismo de estos se dejó sentir en la zona musulmana donde los eremitas fueron perseguidos y cautivos de aquella nueva forma de interpretar el Corán.
Plano de la Alcarria con el Monasterio Servitano
La existencia de tres obispados, la fundación del monasterio Servitano, la proximidad de los núcleos áulicos de Recópolis y Toledo, así como las relaciones con el levante peninsular
Se han podido identificar en esta construcción tres áreas bien diferenciadas: una estructura rectangular que ocupa la zona noroeste utilizada como iglesia en época de repoblación y que probablemente corresponda con la antigua iglesia visigótico-mozárabe
EREMITORIO DE ERCÁVICA S.VI-VII Cuenca Situada en una posición intermedia entre el mundo levantino y la zona centro peninsular, la provincia de Cuenca cuenta con un excepcional registro arqueológico de época visigoda.
Situada en el Castro de Santaver, que por aquel entonces ya debía estar completamente despoblado, se destaca en la ladera sur, el eremitorio, formado por una ermita rupestre alrededor de la cual se habría establecido la comunidad religiosa
SUDESTE ANDALUZ La Bética en tiempo de la dominación romana, y que conservaría en época visigoda, en la vertiente oriental, se localizan eremitorios de época visigoda y también de los primeros siglos de la dominación musulmana.
ORATORIO DE VALDECANALES Siglo VII – Jaén Cenobio visigodo que consta de tres construcciones excavadas en la roca. La principal está formado por tres naves cubiertas por bóveda de cañón separadas por pilares cuadrados y presenta una fachada monumental con una serie de doce arcos de herradura y tímpanos decorados con palmetas
ERMITA DE SANTA MARÍA DE LA CABEZA Siglo IX -Málaga Conjunto monástico excavado en la roca, compuesto por una iglesia y una zona de habitación. La iglesia, de trazado irregular y una superficie total de 272 m, tiene una nave central de planta trapezoidal, ábside semicircular, sacristía y otras dos naves
VILLANUEVA DE ALGAIDAS S.X Málaga Se trata de una ermita rupestre excavada en la roca con elementos típicamente mozárabes. El conjunto rupestre está labrado en roca arenisca. Sus tres dependencias abarcan un espacio de dimensiones reducidas; una pequeña entrada o atrio que aparece delimitada por una puerta en arco
El Museo Nacional de Artes Decorativas de España (MNAD), situado en su capital, Madrid, es uno de los museos más antiguos y ricos del llamado Triángulo del Arte de dicha ciudad. concretamente en la calle de Montalban 12
El museo tuvo un precedente durante el reinado de Amadeo de Saboya, mediante el que se creaba una Escuela de Artes y Oficios y un Museo Industrial
Hubo que esperar a 1912, en que por Real Decreto de 30 de diciembre del Ministerio de Instrucción Pública y Bellas Artes, se creó el Museo Nacional de Artes industriales,denominación que en 1927 se cambió por la actual.
En su primera etapa, la institución se orientó a un fin más pedagógico que de investigación o turístico. Se enfocaba como un lugar de aprendizaje para artesanos, fabricantes y diseñadores, tal como habían surgido el Victoria and Albert Museum de Londres y el Musée des Arts Décoratifs de París.
Se le asignó como sede el Palacio de Cristal del Retiro, aunque nunca llegó a instalarse en él, sino que lo hizo en el edificio del número 5 de la calle Sacramento, en el Madrid de los Austrias, en 1913.
En 1932 se trasladó a su sede actual de la calle Montalbán: el antiguo palacio de verano de la duquesa de Santoña, erigido en 1878 en terrenos que habían sido del Real Sitio del Buen Retiro, y que desde 1909 albergaba una escuela de magisterio.
Tiene 60 salas de exposición, donde se exponen, muebles, tapices,textiles, joyas, platería, relojes…sería interminable la lista, por lo que he puesto las piezas mas destacadas y sobre todos la importante colección de cerámica española de Alcora, Talavera, Buen Retiro etc.
Fachada del Museo en la calle Montalbán de Madrid
El museo se centra en las artes decorativas españolas, aunque incluye ejemplos de otros países, mayormente cerámicas y objetos de lujo importados desde fecha temprana, siendo especialmente destacable la colección de arte oriental. Destacan las porcelanas de las dos últimas dinastías, la Ming (1368-1644) y la Qing (1644-1912).
Jarrón de porcelana de Sèvres y bronce dorado
De Louis-Pierre Schilt, 1852, es una pieza única, regalado a Isabel II por Napoleón III y Eugenia de Montijo en 1865, ingresó en el Museo del Prado, donde estuvo expuesto en las salas del Tesoro del Delfín hasta 1972, en que fue depositado en el MNAD.
Comedor S.XVIIAlcoba del S.XVII
Oratorio
Se trataba de un lugar destinado, como su nombre bien nos dice, a la oración, pero dentro del ámbito doméstico, lo cual nos indica la importancia que tenía el aspecto religioso en todos los círculos de la vida diaria. Los oratorios podían estar limitados a una sencilla hornacina17, o un mueble con un pequeño altar dentro, como podemos ver en la fotografía.
Silla de caderas
Muebles
. Asiento y respaldo de cuero al aire. Montantes curvos de perfil en S unidos mediante zapatas curvadas y brazos rematados en forma de voluta. 1734-1766
Papelera de Felipe V S.XVIII
Salas de Marquetería y porcelana, dedicada a estas dos técnicas tan características del siglo XVIII y a su utilización de cara a realizar objetos de lujo que llenarían las ya mencionadas «habitaciones de sociedad«. Tal fue el auge y la importancia de estos productos que, en España, el rey Carlos III creó el Real Taller de Ebanistería y la Real Fábrica de Porcelanas del Buen Retiro
Escritorio
Escritorio en forma de caja rectangular con tapa frontal abatible, aplicaciones de hierro sobre tejido en el exterior de la caja y decoración arquitectónica de la muestra con placas de hueso y hueso torneado, en parte policromado y dorado 1901-1925
Tapiz de las Bodas
Tapices
Destacan el Tapiz de las Bodas, elaborado en Tournai, datado entre 1476 y 1525, y especialmente uno del siglo XVI: La visión de Ezequiel, que originariamente se destinó a cubrir el baldaquino o dosel de una cama ceremonial del Vaticano. Fue tejido en el taller bruselense de Pieter van Aelst el Viejo, según cartón de Tommaso Vincidor, que se basó en un diseño de Rafael Sanzio, que es el que aparece en la imagen.
Relojes
La colección comprende modelos de bolsillo, de sobremesa y de pared. Entre los primeros se incluyen dos del conocido José Rodríguez Losada (autor del Reloj de Gobernación de la Puerta del Sol), adquiridos en 2011,15 mientras que entre los de sobremesa destacan un reloj de torrecilla alemán del siglo XVII y el llamado Reloj de las porteadoras, del francés François-Louis Godon, relojero del rey Carlos IV, que aparece en la foto
Cristal
Fábrica de Cristal de La Granja.
Salero de cristal transparente sobre un corto balaustre, pie circular y dos asas laterales curvas. Decoración dorada al fuego con guirnaldas de tipo neoclásico. 1750 Pertenece a la Fábrica de Franceses, dirección del francés Dionisio Sirvent;
Platería
Bandeja plata Repujada de forma oval rehundida con borde acanalado.con motivos marinos (Punzón de la ciudad de Sevilla. )1767-1800
El Museo Nacional de Artes Decorativas dispone actualmente de 60 salas repartidas en cinco plantas. Varias de ellas recrean ambientes de otras épocas, mediante mobiliario y demás piezas originales.
Sala de la cocina valenciana
Cocina Valenciana
Esta cocina estuvo originalmente en una casa palaciega de finales del siglo XVIII situada en la Calle del Mar, 18, en Valencia, y los 1.604 azulejos que la componen fueron realizados en alguna de las fábricas que funcionaban en la zona. Tras derribarse la casa durante la Guerra Civil Española (1936-1939), la cocina fue comprada por el Estado en 1941, momento en que sería instalada en el museo.
Las cocinas valencianas y sus cerámicas y azulejos
plato con frutas
Alcora
Porcelana de Alcora es el nombre de la porcelana fabricada en la Real Fábrica de Alcora o Real Fábrica de Loza y Porcelana, una manufactura real creada en 1727 en Alcora a iniciativa de Buenaventura Ximénez de Urrea y Abarca de Bolea, IX conde de Aranda, padre del posterior conde Aranda Pedro Pablo Abarca de Bolea que formaría parte de los equipos de gobierno ilustrados de Carlos III de España y Carlos IV de España, y que fue quien impulsó esta manufactura de modo más destacado. Su cierre se efectuó en 1895.
Fue la primera fábrica industrial de cerámica de la provincia de Castellón, zona rica en tierras arcillosas y en agua, en la que ya existía una larga tradición de alfares populares.
El tormento de Dirce 1789
Porcelana de Alcora
Buen Retiro
Baco y Ceres. La porcelana española está presente con obras de las Reales Fábricas de Alcora, Buen Retiro y de La Moncloa.La Porcelana del Buen Retiro fue una de las manufacturas reales de productos de lujo que impulsó la política mercantilista de la Ilustración española. Su calidad era internacionalmente reconocida, y sus técnicas de fabricación se mantenían como un secreto de estado. Se localizó en los Jardines del Buen Retiro, cerca de la localización actual de la fuente del Ángel Caído, y fue destruida durante la Guerra de Independencia Española.
Buen Retiro
Apolo y Marsias La Real Fábrica del Buen Retiro (denominada popularmente La China) se fundó en Madrid en 1760 por iniciativa del propio Carlos III de España, que ya había impulsado la fábrica similar de Capodimonte cuando fue rey de Nápoles. De Nápoles llegaron artesanos especializados, y tres cargamentos con el instrumental necesario y la pasta especial para producir porcelana.
Sopera
Buen Retiro
En la cerámica de origen nacional, contamos con piezas de los alfares de Manises, Teruel, Talavera y Puente del Arzobispo y Alcora. Una de las piezas más antiguas sería una tinaja toledana del siglo XI.
Bote de farmacia
Talavera
Bote de farmacia con escudo Franciscano y rótulo donde se menciona a «Diego de Alcalá» Santo de dicha Orden.
Hay alrededor de 4.000 piezas, de tres diferentes modelos cerámicos, caracterizados por su composición, proceso de elaboración, características técnicas y resultado: objetos de barro, loza y porcelana. La más antigua es una tinaja toledana del siglo XI.
Bote de farmacia
Talavera
Pecera
Talavera
Talavera
Albarelo Tarro de base anular, cuerpo ligeramente estrangulado con motivo de liebre
Talavera
Albarelo Tarro de base anular, cuerpo ligeramente estrangulado, carenas suaves y cuello corto. Está bañado en esmalte crema sobre el que destaca el dibujo en negro de un búho con las alas extendidas, entre elementos vegetales; además, flores y ramas y enmarcada por cenefas. En la parte superior aparece una inscripción. 1590-1690
Talavera
plato con figura de venado
La loza y azulejería producida en Talavera de la Reina (España) a lo largo de sus cinco siglos de reconocida tradición cerámica,nota ha generado una tipología tan rica y variopinta que ha hecho necesaria una clasificación en series propuestas desde finales del siglo XIX por distintos especialistas, a fin de facilitar su estudio y catalogación.
Dicha clasificación se hace extensiva a la loza producida en el vecino foco alfarero de El Puente del Arzobispo con la que la de Talavera lo tiene todo en común, excepto la fama (que de siempre acaparó la villa de la Reina, quizá por su estratégica situación en el camino real a Lisboa).
Talavera
botella en forma de calabaza
la cerámica de Talavera de la Reina adquirió peso industrial a partir del siglo XVI. Citada por Cervantes, Lope de Vega y Tirso de Molina, la loza talaverana puede documentarse asimismo en buena parte de la pintura barroca española. Usada por nobles y humildes, su monopolio mercantil en pugna constante con la loza sevillana, se vio desplazado a finales del siglo XVIII por la emergente fábrica de Alcora; en ese momento histórico se localiza uno de los primeros cambios en sus series decorativas originales.
Telavera
Fué tan abundante y variada que hubo que clasificarla en SERIES:
Series blancas
Series azules originales antiguas
Serie de jarros de Santiago
Serie de las mariposas
Serie de los recortes (ferroneríes)
Serie tricolor
Series polícromas con escenas y animales
Series monocromas azules con escenas
Series azules de influencia china
Series azules sin dibujo
Serie cola de gallo
Series alcoreñas talaveranas,dentro de esta serie están:
Serie alcoreña del chaparro
Serie alcoreña de la puntilla de Bérain
Serie alcoreña de la adormidera
Serie alcoreña del ramito o ramos azules
Serie alcoreña con la Virgen del Prado
Serie alcoreña de guirnaldas y pabellones
Talavera
bol
Talavera
bol de la serie encaje
Talavera
quemador de aromas con tapa
Talavera
matraz
Talavera
jarra con figura de soldado y vendedora de uvas
Talavera
Mancerina para taza de chocolate
La mancerina era una bandeja donde se servía antiguamente el chocolate. Generalmente se trataba de una especie de plato con una abrazadera circular en el centro de la misma, donde se coloca y sujeta una taza de porcelana (denominada jícara) en que se sirve el chocolate. El asa central consistía antiguamente en un coco «de Tierra» partido por la mitad. En la parte baja de las mancerinas se disponía una pequeña fuente de pan de dulce que se empleaba como remojo en las jícaras
Talavera
mancerina para tazas de chocolate
La no existencia de tazas, hizo que en el año 1640 el Marqués de Mancera, Virrey del Perú (1639 – 1648) describiera por primera vez este elemento de la vajilla, haciéndosele inventor de esta bandeja. El nombre de la bandeja viene de Mancera, es decir de las bandejas que empleaba para ofrecer el chocolate a las visitas.
La jícara, como pieza de loza de la alfarería española e iberoamericana suele venir asociada a la mancerina que le sirve de soporte y platillo de presentación en la ceremonia del chocolate
Talavera
plato con rocalla
Talavera
plato
Talavera
plato
Talavera
plato
Talavera
Vasera
Placa cuadrada con cinco compartimentos circulares, limitados por un baquetón. En el compartimento central aparece un niño desnudo preparando un cordel de pesca. Este compartimento esta silueteado en manganeso. Los cuatro compartimentos de los ángulos están decorados con ramas. La base plana entre ellos tiene aves rodeadas de vegetación arbórea. 1701-1800
Real Fábrica de la Moncloa
Vaso
Forma cilíndrica, cartela con un cupido recogiendo agua de un manantial. A su lado un cisne. Temas alusivos al amor dorados sobre fondo azul.Restablecida la monarquía borbónica en España tras la guerra de la Independencia, María Isabel de Braganza, esposa de Fernando VII, promovió la reapertura de la antigua fábrica de porcelana. Por un real decreto, dado en julio de 1817, se creaba la Real Fábrica de La Moncloa, situada en un lugar llamado Granjilla de los Jerónimos, en el Real Sitio de La Florida. Para la fundación se siguió la misma directriz que había impuesto Carlos III a la hora de erigir el Retiro: sería una manufactura propiedad de la Corona con artículos destinados al uso real. Tras varios cierres y vicisitudes, en 1874 La Moncloa volvió a abrir sus puertas, esta vez por iniciativa del secretario de Alfonso XII de España, el conde Morphy, quien propuso para la dirección a Daniel Zuloaga y su hermano Guillermo.
Entre los siglos XI y XIII irrumpe en la Europa medieval un curioso género de poesía profana en latín, que ostenta una originalidad, un estilo y una actitud frente al mundo y sus placeres, que le permite pasearse libremente por la taberna o el lupanar sin por ello carecer de un genuino valor literario y un profundo significado social y cultural. Se trata de un movimiento poético que florece en Alemania, España, Francia e Inglaterra y emerge del ambiente literario más culto, elevando cantos al vino, al amor, a los placeres corrientes o simplemente a la vida alegre.
El concierto en el huevo de Hyeronimus Bosco
Los autores de estos cantos, por lo general anónimos, son altos dignatarios de la Iglesia, clérigos y estudiantes atiborrados de retórica latina y lecturas de clásicos
Entre los muchos cancioneros en los que se ha conservado la poesía goliárdica se encuentran la colección denominada Carmina Cantabrigensia, y el conocido cancionero denominado Carmina Burana, que reúne poemas escritos en Alemania, Francia e Inglaterra;
También vale la pena citar la colección de poemas escritos en las proximidades del monasterio de Ripoll (Cataluña) en el siglo XIII, conocido como Carmina Rivipullensia, entre otros.
Página del Codex Buranus
Vamos a referirnos al Codex Buranus: se trata de un Códice medieval, anterior al año 1250, iluminado con más de 200 textos latinos,de autores generalmente anónimos, muchos con notación musical neumática,que fueron escritos en el sur de Alemania y conservados hasta 1800 en Benediktbeuern en Baviera.
Benediktbeuern Monasterio benedictino, Baviera.
Las canciones de Benediktbeuern son, sin duda, algunos de los manuscritos de principios del gótico más conocidos, así como uno de los redescubrimientos más espectaculares del siglo XIX. Sin embargo, a pesar de la investigación y su fama, el manuscrito aún guarda secretos de nosotros.
Fragmento del Codex Buranus
Son cantos goliárdicos de disfrute del amor, la naturaleza y los sentidos, unidos a elogios al amor, al juego o, sobre todo, al vino
Uno de los personajes más curiosos de la Alta Edad Media europea es el del goliardo, una mezcla entre religioso y juglar.
Goliardos en pleno frenesí
Los poetas que nutren este movimiento son llamados goliardos (goliardi) y clérigos vagantes (clerici vagantes). Que son , por lo general, o bien estudiantes en constante movimiento de una escuela a otra, pues es el momento en que las grandes universidades europeas se están organizando, y que se ganan el sustento diario ejerciendo actividades más o menos relacionadas con los juglares; o bien, clérigos sin beneficio o monjes que han abandonado el claustro de las órdenes religiosas y se han entregado a una vida irregular y errabunda
Die Gartenlaube (1879) anónimo
Los clerici vagantes o goliardi pertenecían a los estratos más bajos de la jerarquía eclesiástica y se dedicaban a vagar por los caminos vendiendo su habilidad poética y musical a cambio de limosna.
San Golias
Los goliardos veneraban como santo patrón a un tal Obispo Golias, de origen incierto, un santo patrón posiblemente mítico, al que muchos goliardos hacen referenciaal que muchos de ellos destacan en sus obras
Los goliardos, en ningún momento pretenden cuestionar la fe y tampoco el dogma; incluso en los momentos de mayor irreverencia, la actitud de los goliardos no supone herejía, ni escepticismo, ni oposición al dogma de la Iglesia. Se trata sencillamente de un anticlericalismo.
Según el conocimiento actual, el término “poesía goliardica” solo puede usarse de forma limitada: No hay información convincente, ni sobre el status social de los autores ni sobre su lealtad a la Iglesia, ya que la poesía goliardica puede leerse como una forma literaria.
En los Cármina Burana se satirizan y critican todas las clases sociales en general, especialmente a las personas que ostentaban el poder en la corona y sobre todo en el clero
LOS CARMINA BURANA DE ORFF
Codex buranus: Carmina Burana completa de Carl Orff · Mozarteum Orchestra · Mozarteum Choir · Ernst Hinreiner
Los Carmina Burana, deben su fama actual sobre todo a la cantata escénica de Carl Orff con el mismo título, compuesta entre 1935 y 1936 , utilizando como texto algunos de los poemas medievales de Codex Buranus.
CODEX BURANUS
Se trata de 254 textos de canciones y dramas se dividieron temáticamente en seis grupos:
Carmina ecclesiastica (canciones religiosas) Carmina moralia et satirica (canciones morales y satíricas), Carmina amatoria (canciones de amor), Carmina potoria (canciones para beber), Ludi (juegos espirituales) y Supplementum (canciones con varios textos).
La miniatura más famosa del Códice representa una rueda de la fortuna y la diosa del destino romano, Fortuna, que lleva una corona y un abrigo de armiño.
La canción categorizada como CB17 en el folio 1r (p.1) se usa como elemento de apertura y cierre en ciclo, «Fortuna imperatrix mundi» (Fortuna, Emperatriz del Mundo).
Además de la ilustración de la rueda de la fortuna (que se movió de una posición posterior en el códice para convertirse en un frontispicio), hay varias iluminaciones ornamentales u otros dibujos en todo el códice, por ejemplo, en 39r, 64v, 72v, 77v, y varios de 89v a 92r.
Miniatura del folio 72
Aquí, vemos el dibujo de dos amantes que acostados uno al lado del otro, se ofrecen un ramo de flores como prenda de amor.
«Floret Silva Nobilis» arreglo de Orff
El amor es un tema de especial importancia para los goliardos. Desde la ternura más inocente y delicada saturada de llantos y suspiros enamorados, hasta lo acompañadas de aplausos y carcajadas,
Tempus est Iocundum
Tempus est Iocundum «Codex Buranus, 179
Aquí podeis escuchar una de las composiciones dedicadas al amor y a la primavera
Su letra en español es la siguiente:
Es tiempo de alegría, chicas; ¡diviértanse ahora, chicos!
Yo estoy exultante, estoy ardiente de amor por las chicas, me muero por tener un nuevo amor.
Canta la paloma, tan suave y cadenciosa se la escucha: siento que me enciendo de amor por dentro.
Amo a la más hermosa de las chicas,siempre, a la más hermosa de las rosas.
Tu promesa me conforta, tu rechazo me hace daño.
Calla, paloma, a tiempo,surge un canto del corazón.
Durante la estación de las brumas, el hombre sufre,en primavera, se enamora.
Vení, muñeca, con alegría,Vení vení, hermosa, que me muero de amor.
otros textos utilizados por Orff aparecen en los folios 28v, 32r, 37r, 48v, 50r, 53v, 56v – 57r, 59r – 60v, 67v, 69v – 72r, 84r, 87v, 97v y 107v.
Aunque el Codex Buranus es una de las antologías más conocidas de canciones medievales, todavía no hay una interpretación suficiente de la notación musical.
El ya mencionado compositor Carl Off, ha compuesto música para los textos, que no se corresponde con el original y no debe dar al oyente ninguna conexión con la versión original.
Los manuscritos de canciones medievales rara vez se iluminaban. En el caso de Carmina Burana, las iniciales en color, numerosos dibujos y miniaturas sugieren un scriptorium bien equipado.
El Codex Buranus contiene ocho miniaturas coloreadas de considerable interés
Codex Buranus: el bosque
Otra de las ilustraciones representa una alegre escena de la primavera con árboles, plantas y flores de diseños muy elaborados y caprichosos.
Entre la vegetación vemos animales variados, numerosas aves volando y posadas en los árboles y en la parte inferior de la ilustración, en el suelo se observan otros animales como un ciervo, un león, un caballo o un conejo.
los bebedores
Otras miniaturas retratan escenas de taberna con juerguistas y bebedores
Los jugadores de ajedrez
Y diversos personajes que juegan partidas a los dados, a juegos de mesa o al ajedrez.
Jugadores de dados folio 91Wurfzabel, Tabula game (13. Jh., Codex BuranusLa Eneida
Además hay dos ilustraciones correspondientes a pasajes de la Eneida del poeta romano Virgilio. En una de las miniaturas se ve la escena del suicidio de Dido arrojándose a la llamas desde una torre de su palacio al verse abandonada por su amado y en la otra, situada debajo de la anterior, se representa la partida de Eneas que se aleja con sus guerreros en un barco.
La selección temática y la asignación de iluminaciones dentro del Codex no parecen seguir ningún programa sistemático. Sin embargo, fueron útiles para determinar la fecha del Códice, ya que algunos textos no se habían agregado hasta finales del siglo XIV
Bache Bene Venies (Codex Buranus 200)
El vino resulta ser el tema preferido de los goliardos y su poesía, báquica y tabernaria, adquiere altas dosis de alegría y optimismo
(Versión de Arany Zoltan)
Uno de los mejores cantos al vino, es el conocidísimo In taberna Quando Sumus que con toda la seriedad del caso empieza:
Cuando estamos en la taberna, no nos interesa donde sentarnos, sino el apresurarnos al juego que siempre nos hace sudar. Lo que sucede en la taberna es que el dinero se gasta; más vale que preguntes antes, si yo te lo digo, entonces escucha.
Algún juego, alguna bebida, algo que disfruten unos y otros de aquellos que se quedan a jugar. Algunos están desnudos, otros están vestidos, y otros cubiertos con sacos. Ninguno teme a la muerte, y echan suertes en honor a Baco.
Monje y monja 1591 Cornelis Van Haarlem
Invitando a continuación a beber a todos:
Una vez, por el tabernero los hombres libres beben ansiosamente; dos veces, beben por los cautivos; luego, tres veces por la vida; cuatro, por todos los cristianos; cinco veces, por los mártires; seis, por los hermanos enfermos; siete, por los soldados en guerra.
Otra versión en latín, italiano e inglés
Además de las canciones, el manuscrito ofrece dos obras de teatro en latín: una obra sobre la Natividad y una sobre la Pasión. A ciertas canciones se les agregó melodías en la forma de neumas.
Universidad de Bolonia (Fundación en 1088)
Para concluir, anotemos que los estudiantes y los clérigos vagantes fueron absorbidos por la organización de las grandes universidades europeas, alrededor de 1225, lo que a la postre termino por desvanecer en el tiempo la figura de los goliardos, aunque su influencia se dejó sentir por muchos siglos más
Epifanía significa aparición, manifestación o fenómeno a partir del cual se revela un asunto importante. La palabra proviene del griego epiphaneia, que significa ‘mostrarse’ o ‘aparecer por encima’. Pero la epifanía es también un acontecimiento religioso: Para muchas culturas las epifanías corresponden a revelaciones o apariciones en donde los profetas, chamanes, médicos brujos u oráculos interpretaban visiones más allá de este mundo. Así. en la religión cristiana los Magos son unos personajes que aparecen en el Evangelio de Mateo (Mt 2-12), sin embargo, no aparecen en el relato de la infancia de Jesucristo que está en el Evangelio de Lucas.
“Mago” en lengua persa significaba “sacerdote” y justamente los magos eran una casta de sacerdotes persas o babilonios. Ellos no conocían la revelación divina como los judíos, pero estudiaban las estrellas en su deseo de buscar a Dios. Al principio los reyes tan solo eran magos, o puede que ni siquiera eso. Lo más probable es que fueran sabios instruidos en astrología, que supieron llegar al niño leyendo las estrellas. Por otro lado, los orientales también llamaban “magos” a los doctores.
San Mateo, el único que habla de los magos en la Biblia, explica que procedían de “oriente”, una zona que para los judíos eran los territorios de Arabia, Persia o Caldea. Lo que no sabemos es el lugar exacto de Oriente (¿Persia?, ¿Mesopotamia?, ¿Arabia?…) y tampoco la ruta que siguieron ni a la ida ni a la vuelta.
Rutas del incienso
La tradición señala la ruta del incienso, y no solo porque uno de los regalos al Niño fuera el incienso, sino por tratarse de una ruta comercial muy transitada entonces.
LOS PRESENTES
La adoración de los Reyes Magos, detalle (1423). Gentile da Fabriano. Galería Uffizi. Florencia
Mateo menciona a unos supuestos magos que llegaron guiados por una estrella a ofrecer al Salvador oro, incienso y mirra.
Simbolismo del Oro: Es el simbolismo de Rey, ya que el oro está asociado como el bien más preciado y más caro.
Simbolismo del Incienso: Es símbolo de purificación al nuevo Dios. Además de ser un bien muy preciado hemos de pensar que ya desde antiguo la purificación y adoración a los dioses griegos y romanos se empleaba el incienso y recogiendo esa tradición en el mundo judío también será motivo de gran valor.
Simbolismo de la Mirra: Es símbolo de la Muerte ya que era utilizado en los rituales funerarios y para los embalsamientos por lo que es un simbolismo de la parte humana de Jesús y una anticipación al sufrimiento que padecerá.
SUS NOMBRES
Mateo hace un relato muy escueto en el que no aparece ni el número ni el nombre de estos magos. A partir de Orígenes (185-224) y con los Evangelios apócrifos se van añadiendo datos y detalles que la Iglesia va aceptando y los artistas aprovechan en sus obras.
A los tres magos, según la tradición, se les menciona con el adjetivo de sabios denominados: Gaspar, Melchor y Baltasar, pero no se dice nada sobre sus nombres, su apariencia, su raza o su edad. Incluso su número ha sido un misterio. A veces las respuestas a estas dudas solo aparecen mencionadas en leyendas y en los Evangelios apócrifos.
Sus nombres quedan designados a partir del siglo IV y quedan mencionados en El Evangelio Armenio de la Infancia (s.IV), en su capítulo XII , donde ya se describen los nombres de los magos y su procedencia: “El primero era Melkon, rey de los persas; el segundo, Gaspar, rey de los indios; y el tercero, Baltasar, rey de los árabes. Los Evangelios Apócrifos, también nos darán más detalles acerca de estos Magos de Oriente.
SU NÚMERO
La adoración de los Reyes Magos Andrea Mantegna
Tradicionalmente y según el Evangelio árabe de la Infancia (s.V-VI), en su capítulo VII nos describe que fueron tres y que los jefes de su ejército, investidos del mando general, eran doce. Las tropas de caballería que los acompañaban, sumaban doce mil hombres, cuatro mil de cada reino”. En realidad no se especifica su número que se acabó fijándo en tres, principalmente por una cuestión de lógica: si tres eran los regalos, tres serían los magos que los portaban. Claro está que la elección resultaba especialmente útil, por ser el tres un número de vital importancia en el cristianismo, pues resulta una alusión directa a la Santísima Trinidad.
SUS EDADES
Tríptico de Santa Columba, Roger van der Weyden 1455 Antigua Pinacoteca Munich
Las Edades del Hombre: Aunque en un principio en las representaciones iconográficas no hay una diferencia de edad, será en la época medieval en donde empezamos a ver esta diferencia de edades para simbolizar la juventud, la madurez y la vejez, dando a entender que la universalidad de las edades también son objeto de aceptación y adoración al Mesías. Aunque en representaciones antiguas Gaspar aparece representado como el rey imberbe y más joven, lo más común es que su edad sea la adulta, ocupando la juventud el rey Baltasar y Melchor , siempre suele encabezar al mas anciano.
SUS RAZAS
La Adoración de los Reyes Magos, Gerard David
Los Tres Mundos: Otro de los simbolismos de los reyes es la representación de los tres mundos conocidos hasta el momento, es decir: Europa, Asia y África y se convierten en representativos de las tres distintas razas conocidas en el momento, surgidas a partir de los tres descendientes de Noé: Sem, Jafet y Cam.
Tríptico de la Adoración de los Magos (1470-1472) de Hans Memling, Museo del Prado
En el siglo XIV, la expansión de la cristiandad hizo necesario un refuerzo de su universalidad. Se decidió representar, a través de los Reyes Magos, los tres continentes conocidos hasta el momento: Melchor sería el europeo, Gaspar el asiático y Baltasar el africano. Fue entonces cuando se empezó a representar el tercer rey mago de tez negra, cuyo estatus fué muy difícil de identificar ya que podían ser esclavos o reyes, de ahí que al principio más bien se le representa como a un árabe.
Tríptico de los Reyes Magos de la colegiata de los santos Cosme y Damián de Covarrubias S.XV
El descubrimiento de América planteó la posibilidad de incluir un cuarto rey mago, para que estos siguieran representando la totalidad de la humanidad. Seguramente muchos artistas habrían agradecido este cambio, dado que un número par favorecería composiciones más equilibradas, pero esto jamás llegó a consolidarse.
Foto de Sira Gadea
Sin embargo, el pintor Grao Vasco (Viseu, Portugal, 1475 –Tomar, 1542), pintó una adoración a la que incorporó un cuarto Rey Mago, representante del nuevo continente, con sus plumas, sus tatuajes, sus pinturas, su azagaya, y un cofrecito de madera, quien sabe si con semillas de cacao, en adición del oro, incienso y mirra. El cuadro, por cierto, puede visitarse en el Museo Nacional Grao Vasco, en Viseu, Portugal.
EL CICLO DE LA EPIFANÍA
La Epifanía del Señor es una fiesta religiosa de la Iglesia Ortodoxa y de la Iglesia Católica. En este contexto, se entiende por epifanía la revelación de la presencia del Dios encarnado, es decir, de Jesús hecho hombre frente a la humanidad. Sin embargo, las iglesias católica y ortodoxa relacionan este concepto a dos momentos diferentes.
La Epifanía a San Juan Bautista en el río Jordán de Nicolás Poussin
.En la Iglesia Ortodoxa, la Epifanía se refiere al momento en el cual Dios revela la procedencia divina de Jesús a través del Espíritu Santo durante el bautismode Juan
Tríptico de la Adoración, Mpnasterio de Pedralbes, Barcelona
Para la Iglesia Católica, la fiesta de la Epifanía del Señor, que se celebra el 6 de enero, se relaciona con el momento en que Jesús fue dado a conocer a los reyes magos, que también se la llama «la Adoración de los Reyes Magos»
Curiosa representación de la Cabeza de Herodes de Giuseppe Arcimboldo .1566
El Evangelio del Pseudo Mateo, llamado también «Libro del nacimiento de la bienaventurada y de la infancia del Salvador» es un evangelio apócrifo, que cuenta que el acontecimiento tuvo lugar dos años después del nacimiento, un dato que coincide con el Edicto de Herodes mandando matar a todos los niños menores de dos años.
Adoración de los magos 1610 Baltasar de Echave Orio, Museo Nacional de Arte, México
En realidad, nos dice que visitan al Niño en su casa. Ya no está en el pesebre. Se cree que Jesús tendría entre 2 y 3 años, de ahí que fuese ese rango de edad, el determinado por Herodes en la posterior matanza de los inocentes.
«La huida a Egipto» de Giotto Capilla Scrovegni, Padua
Un nuevo mensaje celestial, advirtió a José de la amenaza y éste, llevando a María y a Jesús, huyó a Egipto.
ESCENAS DEL CICLO
Los Reyes Magos Museo Nacional de Arte de Cataluña
1-«El anuncio a los Magos», es la primera escena del ciclo de la Epifanía, es el momento en el que ven la estrella e interpretan que ha pasado algo importante. No solo hay evidencias arqueológicas que prueben que los fenómenos que cuenta Mateo en su Evangelio sucedieron tal cual, también historiográficas y, por si fuera poco, astronómicas.
Políptico de la Navidad de Rogier van der Weyden en el Metropolitan de Nueva York
Y aquí hay que recordar lo que preguntaron los Magos al entrar en Jerusalén: “¿Dónde está el Rey de los judíos que ha nacido? Pues vimos su estrella en el Oriente y hemos venido a adorarle”.
2-La escena del «Encuentro de los Magos con Herodes» también puede aparecer en el ciclo: En el Evangelio de san Mateo también se dice que mientras los Magos estaban de viaje, Herodes el Grande fue informado por sus astrólogos, que habían interpretado las señales del cielo, del nacimiento del Rey de Reyes, y que como el monarca creyó que iba a destronarle decidió matar al niño.
Matteo di giovanni, «matanza de los inocentes por Herodes». Museo de Capodimonte
Así, cuando se enteró de que los Magos iban a visitarle les convocó en su palacio y les pidió que se lo comunicaran, en cuanto supieran dónde había tenido lugar el nacimiento
Fra Angélico, matanza de los inocentes. Convento de San Marcos de Florencia
Adoración de los Magos. Hans Multscher, Altar Wurzach. Berlín
3-«la Adoración de los Magos o Epifanía», la más importante del ciclo por ser una de las cuatro Teofanías o manifestaciones de Cristo como hijo de Dios En el ámbito bizantino el primer rey suele hacer una prosquinesis poniéndose de rodillas o tumbándose en el suelo, como reverencia oriental
«Revelacion del angel a los magos» salterio de Maria de Navarra
4-«En la cuarta escena,» se les aparece un ángel que les anuncia las intenciones de Herodes. En el Sueño de los Reyes, se les representa acostados en la misma cama y con la corona puesta.
Bóveda del baptisterio de Florencia. Epifanía, el Sueño de los Magos y el Viaje de vuelta a Oriente
5-El ciclo, a veces , puede completarse con Los Magos volviendo a Oriente en barco.
foto de Sira Gadea
LA EPIFANÍA EN EL ARTE
ARTE PALEOCRISTIANO La primera representación de la Adoración, se encuentra en la capilla griega de las Catacumbas de Priscilla en Roma S.II
tres sarcófagos paleocristianos
Sarcófago de Layos (Siglo IV, Toledo), hoy en el Museu Marès de Barcelona; Sarcófago del Cementerio de Santa Inés (Roma, siglo IV); Sarcófago de Isacio.
Iglesia de San Vitale de Rávena, siglo V d.C
BIZANTINO La iglesia de San Apolinar el Nuevo conserva una serie de frisos realizados en mosaico de tradición bizantina en la que en uno de ellos se representa la adoración de los Reyes Magos.
San Vitale de Ravena S.V, detalle
En esta ocasión, es la primera vez en el arte en que los nombres de los Reyes Magos aparecen inscritos en la misma obra. En época paleocristiana y prerrománica se les representaba ataviados a la moda oriental por considerarlos persas, con gorro frigio o pileus
Icono de San José
En muchas representaciones, San José suele aparecer, pero en un papel secundario. Puede estar de pie o sentado apoyándose en su bastón. Su alejamiento de la Virgen y el Niño, incluso dándoles la espalda, simboliza que él no es el verdadero padre.
ROMÁNICO
Auto de los Reyes Magos
Una de las principales obras de la dramaturgia europea medieval y la primera pieza teatral escrita en lengua romance, el Auto de los Reyes Magos», que se conserva en la Biblioteca Nacional de Madrid
Epifanía en el Códice de RodaAcademia de la Historia de Madrid
Escrito en la corte de Nájera por encargo de Sancho Garcés II (970-994). Consta de dos partes bien diferenciadas.La primera, de finales del siglo X, se supone elaborada por un monje precedente de San Millán de la Cogolla. La segunda parte es del S.XII Posteriormente pasó a la catedral de Roda de Isábena (Huesca), donde se conservó hasta el siglo XVII, a lo que debe su nombre actual.
Epifanía. Ermita de la Vera Cruz de Maderuelo (Segovia) s.XII. Museo del Prado
Este es un ejemplo claro de cómo, la idea principal de la Epifanía se reduce a la mínima expresión al representar las figuras fundamentales que son la Virgen y el Niño con tan sólo un rey mago mostrando un presente al Niño. Seguramente que el condicionante del espacio.
Sueño de los Magos en Santo Domingo de Soria
En la imagen siguiente mostramos la dovela de Santo Domingo de Soria en la que se escenifica la escena del Sueño de los Magos con la advertencia del ángel a los Reyes de que no vuelvan a dar cuenta del Nacimiento de Jesús a Herodes y regresen a su lugar de origen por otro lado. Se trata de una escena que aparece con cierta frecuencia dentro del ciclo de los Magos
Frontal del altar de Aviá . Adoración de los Reyes. MNAC 1170-1200
Adoración de los Magos por Fray Angélico, Convento de San Marcos (Florencia)
RENACIMIENTO
Botticelli: Adoración de los Magos. Benozzo Gozzoli: la Cappella dei Magi del Palazzo Medici-Riccardi (Florencia). Los Reyes estan representados por importantes personajes de la épocaAdoración de los Reyes Magos. Domenico Ghirlandaio Galeria Uffizi Florencia
Adoración de los Magos, Andrea della Robbia Victoria and Albert Museum, Londres.
Tríptico de la Adoración de los Magos, de El Bosco (1494, detalle), en el Museo del Prado.
El gran pintor neerlandés El Bosco (Jheronimus van Aken 1450 – 1516) realizó una importante obra conocida por el título de “Trilogía de la Epifanía” o “Adoración de los Reyes Magos”. Data del periodo comprendido entre 1485 y 1500, se compone de tres tablas y está considerado uno de sus trabajos más importantes. En la actualidad puede contemplarse en el Museo del Prado de Madrid.
Adoración de los Magos, por Leonardo da Vinci. Galeria de los Uffizi Florencia
Alberto Durero Adoración de los Reyes, 1504 Galería de los Uffizi
MANIERISMO
Adoración de los Magos por el Greco 1568 Museo Soumaya, Ciudad de México
Retablo de la Adoración de los Reyes 1523 Alonso Berruguete, Museo de Escultura de Valladolid
BARROCO
Los pintores, a lo largo de los tiempos, se han encontrado con un reto importante al abordar este tema pictórico. Tienen que hablar de un evento importante, al tiempo que es un acto doméstico y tierno. Hay que mostrar la magnificencia de los Reyes junto a su séquito pero sin restar protagonismo a lo realmente importante, la gran humanidad implícita en la escena de la presentación del Niño Dios, irradiando ternura, bondad y humildad.
La Adoración de los Reyes Magos. Diego de Silva y Velázquez (Museo del Prado, Madrid)
Aún manteniendo los estereotipos básicos del tema iconográfico, Velázquez acerca mucho más el tema al espectador al convertir tanto a los reyes como a los protagonistas de la escena en personajes contemporáneos al momento de la Sevilla de principios del siglo XVII, tanto en vestimenta como en retratos. De esta manera se piensa que la Virgen es la mujer del pintor (Juana Pacheco) mientras que la cabeza del rey Melchor sería la de su suegro, maestro y pintor Francisco Pacheco
Adoración de los magos 1639 Zurbarán Musée des Beaux-Artsde Grenoble
Peter Paul Rubens. Adoración de los Reyes Magos ,1609 . Museo del Prado. Madrid
La narración de San Mateo, es sencilla y solo habla de unos Magos que viene de Oriente y de la manifestación del Niño Dios a los sabios.Una de las escenas que marca diferencia a este nivel es el cuadro de Rubens, que se encuentra en el Museo del Prado en Madrid. En él todo es exuberancia, sensualidad, poderío y exceso.
Representación de los Reyes y sus pajes, en la típica iconografía napolitana para los belenes
Cortejo de los Reyes Magos, otra representación para belén, por Francisco Salzillo. S,XVIII
NEOCLASICO
Adoración de Goya en la Cartuja de Aula Dei, Zaragoza
Es una de las obras más originales de la etapa de juventud de Goya y la serie consta de once escenas de la vida de la Virgen que se distribuyen como un friso a lo largo de los muros de la capilla del monasterio
LAS RELIQUIAS DE COLONIA
Catedral de Colonia
Los cuerpos de Melchor, Gaspar y Baltasar sufrieron un largo viaje por Irán, Turquía e Italia hasta llegar hace ocho siglos a la ciudad alemana donde se construyó una basílica para honrarlos con pompa y tradición. Desde entonces las reliquias de los Tres Reyes atrajeron una corriente constante de peregrinos a Colonia.
Relicario de los Reyes Magos
Este hecho, ocurrió a comienzos del siglo XII cuando, por orden directa de Federico I Barbarroja, se trasladó los restos de los Reyes Magos desde la basílica de San Eustorgio, en Milán, hasta la catedral de Colonia, con la intención de legitimar el Sacro Imperio Romano Germánico.
Frente del relicario con la escena de la Epifanía
Partes del relicario fueron diseñadas por el famoso orfebre medieval, Nicolás de Verdún, que empezó el trabajo en lo en 1180 o 1181. Tiene esculturas de oro elaboradas de los profetas y apóstoles, y de las escenas de la vida de Cristo. El relicario se completó cerca de 1225.
Cáliz limosnero de Pelegriñón. Museo Diocesano Barbastro
Por último, unas notas sobre los «cálices limosneros»: una tradición en España Estos cálices también se denominan “de los Patriarcas” y al parecer fue Carlos I quien instituyó la costumbre, mantenida hasta tiempos de Alfonso XIII, de que los monarcas españoles ofrecieran al Niño Dios, el día de la Epifanía, tres cálices como recuerdo del oro, incienso y mirra que los tres Magos de Oriente regalaron al Niño Jesús. Al parecer, tanto Carlos I, como su hijo Felipe II, escenificaban la ofrenda entregando en la Misa Mayor tres cálices de plata sobredorada que contenían las mencionadas substancias En algunas parroquias de Navarra, como Legasa (1647), Solchaga (1776) y en las Carmelitas Descalzas de Pamplona (1744) y Dominicas de Tudela (1749), existen elegantísimos cálices limosneros.
Genéricamente reciben el nombre de ‘grillos’, gryllas’ o ‘Grylloi’ ciertos pequeños monstruos pseudo-antropomorfos originados a partir de fantásticas combinaciones de partes humanas, animales e incluso vegetales. Los monstruos resultantes de esta mixtura son de pequeño tamaño y aspecto gracioso y ligero. La principal cuna de monstruos de nuestra cultura se encuentra en las fantasías y leyendas de la Antigüedad Clásica y de Oriente. Todos conocemos y podemos recordar una amplia gama de criaturas zooantropomorfas que casi nunca aparecen entre los primeros puestos del escalafón pero que, sin embargo, han estado presentes en el arte desde tiempos remotos.
Grylla del Salterio de Luttrell,s. XIV. British Library | Blog125
Estas criaturas de naturaleza mixta, en parte humanas y en parte animales: górgonas, arpías, sirenas, centauros, faunos, sátiros… son los antepasados directos de las grillas.
Cuando preparé este tema, dudé si publicarlo o no en una página de románico y al principio no lo hice, porque abarca varia épocas y quizá no era pertinente, pero me he decidido a hacerlo, no solo por su relación directa con las artes de la Edad Media sino porque me parece una faceta interesante y poco conocida, aunque de hecho la veamos continuamente en la simbología románica:escultura, pintura, códices…y creo que una somera explicación sobre su origen y sus derivaciones, puede resultar interesante.Espero que os guste..
Es probable que el término derive de la palabra latina “grillos”, nombre del insecto que según la tradición romana personificaba el alma de los antepasados bajo la forma de “el grillo del hogar”, cuya función era protectora y benéfica.
Plinio el Viejo, uno de los más originales escritores del siglo I, durante toda su vida ayudó a sus semejantes a comprender los maravillosos fenómenos de la naturaleza. Consideraba que tal misión era la más digna para un estudioso. Pero como sucede con casi todos los componentes fantásticos del imaginario occidental, también esta vez encontramos a Plinio el Viejo, relacionado con estas extraordinarias criaturas
De entre sus muchos escritos, la única obra que nos ha llegado es “Naturalis Historia” (Historia Natural) en 37 libros. En ella se encuentra expuesta la sabiduría de su época, relativa a astronomía, geografía, medicina, zoología, botánica y otras ramas de la ciencia. .Él nos explica la razón del nombre.de «gryllo· Plinio narra cómo el pintor Antiphilos dibujó con aspecto ridículo a un hombre llamado Gryllus, apodado así por su semejanza a un porcino -pues grylloi o gryllos significa en griego «cerdo», y lo hizo tan hábilmente que en adelante se utilizó este término con el significado que damos hoy a la palabra caricatura.
Libro VII de la “Naturalis Historia” de Plinio el Viejo
Así se encabeza el Libro VII, cap.II, de la Historia Natural de Cayo Plinio Segundo publicada por el licenciado Gerónimo de Huerta, médico y familiar del Santo Oficio de la Inquisición, traducción hecha a instancias de Felipe II. De izda. a dcha. Vemos: Lucha de los pigmeos con las grullas, el acéfalo con ojos nariz y boca en el pecho, el escita que a voluntad podía convertirse en lobo, el sciópodo que con su pie podía defenderse del Sol, hombre con inmensas orejas, hombres de cuatro ojos y con un solo ojo en la frente.»
Asi que, como sucede con casi todos los componentes fantásticos del imaginario occidental, también esta vez encontramos a Plinio el Viejo, relacionado con estas extraordinarias criaturas.
Diversos pueblos monstruosos habitantes de las Indias lejanas Las expediciones de Alejandro Magno contribuyeron a afianzar la leyenda. Megástenes, en el siglo III a Jc. fue embajador alejandrino en la corte del rey indio Chandragupta y compuso una obra llamada Indica, sobre aspectos geográficos e históricos del extremo oriental del mundo. Fue cuidadoso y fiable en sus descripciones geográficas, pero cuando se refiere a la etnografía de las zonas remotas, rebosa fantasía. Él sí se dejó llevar por la magia de la imaginación en lo referente a los pueblos monstruosos y, a la nómina iniciada por Ctesias, añadió hombres sin nariz, otros sin bocas, otros extremadamente peludos que caminaban reptando, pueblos con un solo ojo, con orejas de perro, con los pies al revés y otras maravillas más.
Las gryllas más antiguas –sumerias, escitas, iraníes, cretenses, grecorromanas…- eran de dos tipos fundamentales: unas se producían por escamoteo de partes del cuerpo, las despojaban el tronco y la criatura resultante quedaba reducida a una cabeza con extremidades; las otras se generaban por acumulación de cabezas, entre las que una de ellas, al menos, era de naturaleza humana. Según Picard, el origen de la familia de los monstruos de caras errantes, se encuentra en los dioses sin cabeza cuya cuna está en Creta y Egipto. La necesidad de conservar los principales órganos y la atracción de ciertas zonas anatómicas habrían determinado este desplazamiento.
Sello romano con grylla, que solian llevar los mandatarios
La glíptica grecorromana ofrece todas las variedades posibles de estas combinaciones [gryllas antiguas]: cabezas con patas, cabezas con un cuello de cabeza de pájaro o de cuadrúpedo a modo de sombrero, troncos con doble cara, con una tercera cara o incluso un busto superpuesto
Escribía Baltrusaitis que «la Antigüedad grecorromana tenía dos caras: por una parte, un mundo de dioses y de una humanidad en el que, …, todo es heroico y noble, y , por otra, un mundo de seres fantásticos de complejos orígenes, a menudo venidos desde muy lejos».
Cofre de época romana con cabezas de Medusa en el centro, flanqueadas por delfines de cuerpo sinuoso, en una composición que recuerda a las gryllas griegas,
Detalle del cofre donde se ve la cabeza
En época carolíngia, los Reyes, prelados y grandes señores, llevaban sellos y camafeos por motivos profilácticos,asi, Ludovico Pio,Pipino el Breve, Lotario e incluso Carlomagno, los llevaban . En la orfebrería hay datos de haberse empleado las gryllas como tema principal. Las piedras preciosas cubrían a los santos los objetos siendo a veces empleados como sellos. Esta practica se desarrolla especialmente durante la segunda mitad del siglo XII. Hasta el propio Suger cuenta como buscaba afanosamente copas de sardónice y camafeos.
Se tiene que tener en cuenta la magia propiamente dicha, en los S.XII y XIII.que influyó con fuerza, en estas representaciones.
En el siglo XII, en las representaciones artísticas, aparecen una serie de extrañas criaturas, ignoradas o poco conocidas que se integran en la iconografía gótica, los cuales son monstruos definidos por cabeza, extremidades inferiores y carentes de cuerpo. Se encuentran frecuentemente en la decoración de manuscritos, conjuntos escultóricos y tallas en los coros de las catedrales. Esta combinación puede ser más compleja; a menudo una segunda cabeza se fija sobre la primera mediante un largo cuello, otras veces la criatura se compone de una doble máscara de patas y un rostro por delante y un pico por detrás. En los primeros libros impresos emplearon ampliamente estas combinaciones tanto en las letras capitales como en las viñetas.
Una serie de extrañas criaturas se habían extendido en la iconografía gótica en especial en la decoración de los manuscritos; el tipo básico, que se componía inicialmente de una cabeza provista de patas, evolucionó por la adquisición de una segunda cabeza -un rostro por delante y otro por detrás- que se fundía con la anterior directamente o mediante un pequeño torso.
En los códices, los trazos o la curva de una letra dividen las máscaras de una cara doble. La cabeza de un animal ya no se suelda detras de la cabeza humana, sino que simplemete se yuxtapone. A veces, el cuello del pájaro que sale de cráneo está como desgarrado. Todas las partes quedan en su lugar, pero sin formar un organismo. En la decoración de los libros, se desmonta la bestia
Gryllas representadas en códices, de manera habitual
Con el tiempo cada vez se fueron mixtificando más, entrelazando partes humanas, animales y vegetales de manera cada vez más caprichosa y estrafalaria. Es importante, sin embargo, advertir que en todos los casos este tipo de monstruos tiene que ser al menos parcialmente humano
A principio de la Edad Media, las grillas cayeron en desuso y no volverían a recuperar posiciones hasta bien entrado el siglo XIII, cuando la drôlerie gótica, heredera de la miniatura medieval y de las artes decorativas clásicas, empezó a animar las orlas de los códices miniados. A partir del siglo XIII y sobre todo en el XIV y XV, el catálogo de monstruos se distanció de la iconografía románica basada en el fisiólogo antiguo, el primer bestiario conocido. La palabra francesa drôlerie, se refiere a algo extravagante, pintoresco o grotesco que por su singularidad divierte y hace reír. Las grillas que aparecen en las La drôleries son criaturas mixtas entre humanas y animales que aparecen entrelazadas con el follaje no sólo en los códices miniados sino también en otros espacios periféricos de la obra de arte, representando con frecuencia escenas con mucha actividad y gran animación.
Hieronimus Bosch, el Bosco
En el Renacimiento,hay que decir que hubo un pintor que pintó como nadie estas criaturas fantásticas. Me estoy refiriendo al Bosco. A lo largo de su obra, aparecen muchísimas veces representadas tomando todas las formas posibles: la grylla-pájaro, la grylla-insecto, caras dobles, personajes con la nariz en la espalda, etc. Entre sus obras destacan: los retablos de los Eremitas, el Juicio Final.y El Jardín de las Delicias
En El Bosco, las gryllas son numerosísimas y toman todas las formas:personajes con una nariz sobre la espalda, acéfalos, cabezas con piernas, esta últimas especialmente numerosas.
Gryllas en «las tentaciones de San Antonio» de El Bosco
Boceto para «Las tentaciones de San Antonio» El Bosco
En el Retablo de los Eremitas (Venecia, Palacio Ducal), sobre el panel izquierdo y en primer plano, una cabeza de mujer con botas mira de modo severo y casi patético.
Según la moda de la época su cabeza, está rodeada por un velo blanco, pero, encima, se alza un buho en su nido, como una cimera ornitoforme.
Gryllos en el Jardín de las Delicias El Bosco.
«El Juicio Final» detalles El Bosco fue el primer artista que trajo al primer plano de la obra de arte todos los temores y obsesiones que sobre el pecado, la culpa, el castigo y el infierno habían aterrorizado durante siglos al hombre del Medievo. Él, los verbalizó y les dio una forma tangible, pero a muchos de sus demonios, al mismo tiempo que los hacía aprehensibles, los formaba ridículos.
El jardín de las Delicias El Bosco, detalle del Infierno
El jardín de las Delicias El Bosco, detalle
Durante la Edad Media tardía lo grotesco funcionaba en los márgenes de la obra de arte como si fuera una risa . Y así fue hasta que la escalada del monstruillo prodigioso y grotesco llegó a la cima de la mano de Hieronimus Bosch, el Bosco, que lo sacó de la marginalidad para convertir al comparsa en uno de los personajes centrales de la obra.
La grylla es uno de los principales actores del último acto de la historia del mundo. En la Tentación de Lisboa, también ocupa un puesto importante. Sobre el panel derecho, una figura de Baubô con un puñal en el vientre, está sentada en el suelo.
Probable autorretrato de Bruegel el Viejo también Pieter Bruegel el Viejo, otro pintor flamenco del siglo XVI, pintó magistralmente el mundo infernal y sus criaturas. Lo hizo en los grabados de Los siete pecados capitales, en 1558, y las grillas que en ellos dibuja son más bulliciosas y divertidas que amenazantes.
«La caida de los angeles rebeldes» de Bruegel
Marten de Vos, La tentación de San Antonio (detalle)
«Los siete pecados capitales» Brueguel el viejo será el pintor holandés cuya pintura evidenciará una importante influencia bosquiana. Influencia totalmente ausente en la pictórica flamenca posterior del siglo XVII relacionada con la hermosura femenina de Rubens, los retratos de Rembrant, o los famosos retratos colectivos de Frans Hals.
«Los siete pecados capitales» Lujuria
«Los siete pecados capitales»gula
«Los siete pecados capitales pereza»
«Los siete pecados capitales» ira
«Los siete pecados capitales» Avaricia
«Los siete pecados capitales» Soberbia
«Los siete pecados capitales» Envidia
Pieter Bruegel el Viejo , las tentaciones de San Antonio
Las gryllas tambien las encontramos esculpidas en detalles arquitectónicos como gárgolas, capiteles, ménsulas o canecillos de los tejados, en los grabados y repujados de objetos y en la talla de muebles
Capitel con «Bigfoot” (Pie grande) Église Saint Patrice, Saint Parize-le- Chatel ( Nièvre) Francia Photo by Albert Pinto
Las formas de estos seres no habían nacido en la Edad Media aunque en esta época fue cuando escaparon de los manuscritos y se dispersaron por las sillerías de coro.. La Antigüedad monstruosa sustituyó progresivamente a la Antigüedad humanista, y la simbología moralizada de las sillerías tardogóticas se fue desnaturalizando
Sillería del coro Catedral de Ciudad Rodrigo, detalle .De los cuatro entalladores que con Rodrigo Alemán realizaron la sillería de coro de la Catedral de Ciudad Rodrigo uno de ellos, poseía una gran pericia en el tratamiento de rasgos faciales extravagantes, que quedan reflejados en estas tallas.
Si el prodigio renacentista y barroco resultó tan seductor, no fue solo por la extraordinaria forma en que la naturaleza se manifestaba en ellos, sino también y sobre todo, por el significado final que se les atribuía. En la mentalidad de la época, todo lo portentoso tenía una razón de ser, los monstruos eran designios divinos y existían para mostrar o anunciar algo que debía ser interpretado y atendido
La cerda monstruosa de Landser, Alberto Durero, 1496 Las figuras monstruosas y los seres extraños, estaban de moda y se representaron con mucha frecuencia.
Blemmia, Sciápode y Arimaspo. Ilustración de «El libro de las maravillas» de Marco Polo, S.XV en la Biblioteca Nacional Francesa. En esta segunda tradición se inscribe el tema de los pueblos monstruosos y razas extraordinarias -de nombres sofisticados-, que, a pesar de su monstruosa apariencia y salvajes costumbres, fueron considerados de naturaleza humana y, por serlo, despertaron especial interés e inquietud.
Monstruos dibujados por Ulisse Aldrobandi en el S.XVI; a cada una de estas imágenes acompaña una leyenda: 1.-En alguna isla del mar Caspio hay leones como el que se ve, tienen rostro humano pero son salvajes y feroces… 2.-En el último lugar de África, al final de la tierra, hay hombres que son del todo humanos excepto porque tienen el cuello de grulla y en el rostro, pico y barba de gallo… 3.-En el país del gran Tamerlán hay centauros de esta forma… 4.-En algún lugar de Tartaria se han encontrado monstruos como el que veis, tienen un cuello largo sobre el busto y en el extremo una cabeza de grifo, y en el pecho un rostro humano…
Monstruo grabado de Ulisse Aldrobandi S.XVI
«Basilísco» grabado de Ulisse Aldrobandi S.XVI Tanto las imágenes como los libros que trataban de monstruos, proliferaron en aquellos siglos
De la ‘Monstrorum historia’ de Ulise Aldrovandi (1522-1605) 1.- Mujer con rostro de simio 2.- Monstruo tricéfalo y anfibio que vivió en el Nilo
De la obra “Monstruos y prodigios” de Ambroise Paré, 1575 1.- Retrato de un monstruo asombroso con un cuerno, dos alas y una sola pata de ave de rapiña, un ojo en la articulación de la rodilla y participando de ambos sexos. 2.-Niño monstruoso que nació con dos cabezas, dos piernas y un solo brazo. 3.-Hombre sin brazos que sin embargo puede hacer con la cabeza o con los pies lo mismo que los otros hombres hacen con las manos
Grabado de Fortunio Liceti en «De monstruorum causis, natura et differentis». Edición de 1616.
“Retrato de un monstruo, que se engendró en un cuerpo de un hombre, que se dize Hernando de la Haba, vezino del lugar de Fereyra, Marquesado del Cenete, de unos hechizos que le dieron. Parteole Francisca de León, comadre de parir, en veynte y uno de Junio, de 1606 por la parte tras ordinaria”. Se llamaba su autor Pedro Manchego, fue publicado en Barcelona en el año 1606 y se conserva en la Biblioteca General de la Universidad de Granada.
iglesia Colegial del Divino Salvador, o simplemente de El Salvador, es un templo ubicado en la plaza del Salvador de Sevilla, y constituye la iglesia más grande de la ciudad, después de la Catedral.
La Plaza del Salvador siempre ha sido un lugar privilegiado dentro de la ciudad de Sevilla. Dentro de su perímetro ha albergado mansiones romanas, templos cristianos hispanorromanos, mezquitas, cementerios, hospitales, iglesias cristianas góticas y barrocas, tenderetes de frutas y verduras y todo tipo de comercios que se apiñaban a su alrededor.
Formaba parte del Foro Romano de la ciudad y en ella se encontraba una construcción de tipo basilical en el lugar que ahora ocupa la iglesia del Salvador.
Tambien hubo una pequeña iglesia en los tiempos de Teodorico el Grande, rey de los ostrogodos, de los siglos V-VI, en un nivel superior al anterior.
En el año 829, debido al aumento de población de la zona, Abd al-Rahman II ordena al cadí de Isbiliya la construcción de una mezquita, que se erige sobre los restos romanos antes citados; Ibn Adabbas sería la mezquita mayor de la ciudad hasta la construcción, en 1.184, de la nueva Mezquita Mayor en los terrenos de la actual Catedral.
Iglesia de El Salvador fachada occidental
Cuando los cristianos dirigidos por San Fernando , conquistaron la ciudad permitieron que siguiera ejerciendo su función esta mezquita de Ibn Adabbas, hasta que en el año 1.340 se instaló en ella la Parroquia del Salvador, que antes había tenido su sede en otro lugar.
La Plaza del Salvador era conocida también como Plaza del Cementerio o Cementerio de San Salvador, debido a su uso como tal hasta el siglo XVII.
Aparecen entonces las mismas diferencias sociales que en vida: los ricos son enterrados en capillas de los templos cuya construcción o reformas costean; los acomodados reposan en las criptas de esos mismos templos y los pobres son inhumados en el exterior, en el claustro, los patios o las proximidades de la iglesia, que también eran considerados suelo sagrado
Delante de la fachada vemos el monumento a Juan Martinez Montañés, imaginero jienense que realizó en Sevilla inumerables obras, entre ellas el Señor de Pasión que se encuentra en la Capilla Sacramental de El Salvador
Detalle del monumento a Martinez Montañes.
La Inmaculada que porta en sus manos es «La Cieguecita» de la Catedral
Pasillo que accede al patio desde la Plaza del Salvador.
Hay otra entrada que sale al patio, desde la calle Córdoba que discurre por un estrecho callejón abierto en 1705 como parte del urgente saneamiento de un lodazal que reblandecía los cimientos de la torre
Patio de los Naranjos
De esta mezquita se conserva tan sólo la base de la torre o alminar (unos diez metros sobre el nivel del suelo y otros dos metros por debajo) y restos de arcos y capiteles tanto romanos como visigodos en el Patio de los Naranjos del Salvador
En las columnas de la galería, de las que no podemos apreciar la basa y en las que los capiteles quedan casi a ras de suelo, podemos apreciar que el pavimento del patio sufrió una importante elevación. Precisamente estos arcos indican que el nivel del suelo del Patio en la época almohade debió ser de unos tres metros inferior al actual.
Vista del Patio de los Naranjos con la fuente en el lugar donde se hacían las abluciones de la antigua mezquita .(Supongo que estaría en un nivel inferior y que la elevaron, o bien pusieron esta nueva, en época cristiana)
La configuración actual del patio es resultado de la adición de numerosas edificaciones y reformas acaecidas a lo largo de más de doce siglos. A su alrededor se distribuyen la Capilla del Cristo de los Desamparados en el costado occidental, las dependencias de la hermandad Sacramental en el frente meridional, la torre campanario que asoma por encima de una serie de habitaciones en el lado Norte, el antiguo Sagrario colegial ocupado hoy en parte por la actual Sacristía y que junto a una antigua capilla funeraria ocupan el frente Este, y las viviendas del párroco, el sacristán y el campanero que aún perviven en el recinto
Otra vista del Patio de los Naranjos
En esta imagen se aprecia la longitud de las columnas reutilizadas y rehundidas en el pavimento actual
Capitel visigodo reaprovechado de la iglesia de tiempos de Teodorico S.V
Capitel romano de estilo corintio orientalizante
Estos capiteles extrañamente situados casi a nivel del suelo, del que fué Patio de Abluciones de la Mezquita que precedió al templo cristiano, acredita el permanente trasiego de piezas arquitectónicas romanas de todo tipo, en esta parte del nucleo antiguo de la Ciudad, correspondiente al Foro y al Decumanus que seguía el trayecto de las actuales calles Águilas, Alfalfa, Alcaicería y Plaza del Salvador.
En estos mapas, indico donde se encontraban las construcciones romanas y la situación del Salvador
Recreación de la mezquita de Ibn Adabbas de Ishbiliya
Al igual que la mezquita mayor de Córdoba, constaba de once naves transversales a la qibla y su nave principal era la de mayor altura, separadas entre sí por arcadas montadas sobre viejas columnas hispano-romanas o visigodas.
Torre que fué el antiguo alminar.
Restos del oratorio islámico son el patio y el arranque de la torre del templo, con vano geminado en forma de herradura Todavía subsisten los escalones empotrados en el pétreo machón central que constituye la columna vertebral de la torre desde el siglo IX..En la actualidad, la subida al campanario se hace desde el patio, a través de la vivienda del campanero, habilitada en la misma torre y en las galerías del patio.
Campanario sobre el alminar reaprovechado
Parte superior de la Capilla del Cristo de los Desamparados.
Detalle de la linterna de la capilla del Cristo de los Desamparados, a la que se accede por el patio.
Interior de la Capilla del Cristo de los Desamparados.obra de Ambrosio de Figueroa, en la que expone el Crucificado titular. Esta dentro del patio pero al exterior de la Iglesia.
Mirando de frente a esta parte trasera de la iglesia, a nuestra izquierda, se muestra desde hace poco al público la Capilla de los Pineda.
Capilla de los Pinedas
La vieja capilla funeraria del siglo XV se encuentra muy transformada por la elevación del suelo.
Debió pertenecer al linaje de los Pineda y muestra la típica estructura de las capillas funerarias ochavadas hispalenses, cubierta con bóveda sobre trompas y el frente norte rehundido en forma de arco apuntado.
El conjunto forma un espacio en el que se mezclan elementos góticos con la tradición constructiva islámica. Detalle de las bóvedas
Acceso a la cripta de la Sacramental
Cripta de la iglesia
Propiedad de las Archicofradía Sacramental de Pasión se extiende por debajo de la Capilla Sacramental, y en ella están enterrados, entre otros don Carlos de Borbón y Borbón, sus hijos y su esposa doña Luisa de Orlèans, nieta de Fernando VII y abuela de Juan Carlos I.
Debido a esta relación familiar, la Infanta Elena, llevó su ramo de novia y lo depositó en la Capilla de Pasión.
Estatua de uno de los Padres de la Iglesia: San Jerónimo.(hay tres figuras mas)
Planta y alzado de la iglesia del Salvador, donde se detallan las acciones restauradoras que se llevaron a cabo hace unos años y que no se pueden ver bien en esta imagen.(no he encontrado otra de mas resolución)
Esquina de la Plaza del Salvador con la Plaza de Villegas, Siguiendo por el exterior de la Iglesia . Allí encontramos un chaflán en el que se enmarca una sencilla cruz de madera (la Cruz de las Culebras),
El edificio original de la iglesia del Salvador resistió hasta 1.671, muy dañado por los estragos del tiempo y por los terremotos. Ese año, el arzobispo Antonio de Paino, durante una visita que hace a la Virgen de las Aguas, comprueba el estado ruinoso del edificio y ordena su demolición.
Fue construido de nueva planta en cinco años, de 1.674 a 1.679.año en que con el edificio casi terminado, a las cuatro de la mañana, el templo se hundió totalmente, dejando sólo los muros exteriores
Detalle de la Cruz de las Culebras y el retablo cerámico del Cristo del Amor.
El segundo templo respetaba la planimetría del edificio hundido, esto es, las cimentaciones correspondientes a las tres naves del templo
De estilo barroco, la Iglesia del Salvador presenta tres portadas, correspondientes a las tres naves del edificio
Portada lateral derecha La fachada principal, situada a los pies del templo, es de claro sabor manierista. Se encuentra elevada sobre una serie de gradas que sirven para nivelar el terreno.
Portada principal
Es más alta la central, en cuyo centro se disponen dos ángeles que sujetan un escudo con el Agnus Dei. En cada una de ellas se dispone una ventana circular, más grande la central.
Plano del templo, donde se aprecian los nombres de sus dependencias y distintas capillas
En el siglo XIX la Colegiata del Salvador vio subastado su patrimonio económico por la desamortización y esto le llevó a perder fondos económicos para el mantenimiento del templo, y junto con ellos el carácter de colegiata, tras el concordato de 1851. En 1860 se realizó un importante proyecto de restauración. La capilla de la Pasión se restauró por Juan Talavera de la Vega en 1907. Sin embargo, desde 1918 no se realizó ninguna actividad de restauración o constructiva en la Iglesia hasta 1987, año a partir del cual se empiezan a realizar pequeños trabajos de restauración por parte de la Junta de Andalucía
Nave principal
La entrada para la visita turística se realiza a través de una puerta que existe en el pasillo de entrada al Patio de los Naranjos desde el Salvador. El interior de la iglesia está dispuesto en una gran planta, dividida en tres naves, que a su vez se ordenan en cuatro tramos.
Retablo Mayor. Cayetano de Acosta, siglo XVIII.
En el centro la Transfiguración de Cristo
Jurídicamente perdió su carácter parroquial, quedando su collación integrada en la de San Isidoro; sólo nominalmente se ha recuperado el título de «colegial», aunque no el carácter de iglesia colegiata.
El Padre Eterno, en el ático del retablo.
Coronando el ático también aparecen más Arcángeles, además de incontables angelillos que ocupan cada rincón del retablo.
La Transfiguración
Bóveda del Presbiterio Pinturas de Juan de Espinal.
El retablo mayor con su bóveda
Al fondo los Arcángeles Gabriel, Miguel y Seatiel. con un angel lampadario en primer término
El crucero se encuentra cubierta por una cúpula de tambor poligonal, rematada por linterna, también diseñada por Figueroa.
El crucero se encuentra cubierta por una cúpula de tambor poligonal, rematada por linterna, también diseñada por Figueroa.
Detalle de la linterna
Reflejo de las vidrieras en uno de los pilares
Púlpito de marmol
Sobre la puerta de entrada desde la calle, un impresionante órgano de estilo neoclásico rematado con angelitos, y que se sitúa en una tribuna. Fue restaurado hace unos años
Retablo de la Virgen de la Antigua.
Es réplica de la famosa Virgen que existe en la Catedral de Sevilla. El cuadro está fechado en 1.715 y es atribuido a Juan Ruiz Soriano.
Virgen de la Antigua. Juan Ruiz Soriano, 1.715.
Está imagen fue muy importante en la América colombina. El propio Almirante y muchos de los “descubridores” eran muy devotos de ella y, por ese motivo, la primera villa estable del continente americano fue llamada en su honor Santa María de la Antigua del Darién (actualmente terreno colombiano).
Las figuras del último cuerpo del retablo son san Blas, con las mártires santa Águeda (izquierda) y santa Lucía (derecha), todas del siglo XVII.
La imagen principal, del Cristo de la Humildad y Paciencia, fue tallada por Antonio Quirós en 1.696. Se inspira en un conocido óleo sobre tabla de Durero, el Cristo de Dolores,de una gran calidad artística, expresando la soledad del Cristo torturado.
Cristo de los Dolores. Alberto Durero. que se conserva en Karlsruhe, Alemania
Retablo de Santa Ana y la Virgen niña
Santa Ana y la Virgen niña
El grupo escultórico de Santa Ana enseñando a leer a la Virgen fue tallado por José Montes de Oca en 1.714. La iconografía de Santa Ana y la Virgen niña es un tema recurrente en la producción de este artista sevillano.
Retablo de la Virgen del Rocío.
Fue labrado por José Maestre entre 1.718 y 1.731, período en el que recibió varios encargos para “vestir” a la Colegial, que se encontraba prácticamente vacía desde su inauguración en 1.712.Esta imagen preside la peregrinación anual que se hace todos los años en la romería hacia las marismas del Rocio.
Custodia de Pasión sobre el paso de Cristo, con el retablo del Cristo de los Afligidos al fondo.La canastilla del paso de Pasión sin los cuatro faroles de plata, imagino que para no restar protagonismo a la magnífica custodia de plata de la misma Hermandad. Todo ello protegido por una mampara de metacrilato.
Custodia de Pasión.
Custodia de Pasión
Paso del Cristo de Pasión. Escena de la trasera.
Paso del Cristo de Pasión. Escena del lateral derecho.
Cristo de los Afligidos Gaspar Ginés, 1.635.
Retablo del Cristo de los Afligidos.
Fue originalmente el Retablo de la Cofradía las Ánimas. Se realizó en dos etapas distintas. La primera estuvo a cargo del ensamblador José Maestre, entre 1.721 y 1.724. La segunda etapa fue la reforma realizada por Manuel Barrera y Carmona en 1.786
Situación de la Capilla Sacramental y a la derecha el Altar Mayor.
En el año 1.726, el Maestro Diocesiano Diego Antonio Díaz analizó una propuesta para la construcción de una nueva Capilla Sacramental y de la Hermandad de las Ánimas que sustituyera a la antigua, frente a la idea primitiva de crear una iglesia en miniatura, paralela a la Gran Colegial (al estilo de la Capilla del Sagrario de la Catedral),
Retablo portada de la Capilla Sacramental. Es de estilo rococó, realizado por Cayetano de Acosta entre 1756 y 1764
Antes que nada, comentar que esta capilla tiene truco. La parte exterior, cerrada con una verja de hierro se visita desde la nave del Evangelio, pero al camarín en el que se encuentra Nuestro Señor de Pasión, se accede por una puerta lateral que se abre en la sala de venta de recuerdos que hay en el Patio de los Naranjos.
El primitivo retablo interior de la Capilla Sacramental fue labrado por Cayetano de Acosta en 1.756. Se instaló frente a la gran ventana que daba al Patio de los Naranjos, que se cegó en los años 50 del siglo pasado, y que, en origen, conseguía un efecto de “transparencia”
Se sustituyó por el que vemos hoy, de plata, propiedad de los jesuitas, que fue concedido a la Colegiata tras la expulsión de éstos en el siglo XVIII. Es obra del platero Tomás Sánchez Reciente, fechado en 1.753
Retablo de plata del Cristo de Pasión desde el interior de la reja.
Cristo de la Pasión de Juan Martiñez Montañes 1610
Se le refleja en actitud de caminar, con el pie izquierdo apoyado en tierra, mientras el derecho se levanta, y el dedo primero roza levemente el suelo, posición que le ha provocado más de una vez cierta inestabilidad.
En la hornacina central de la capilla, nos aguarda el Cristo de Pasión, imagen en madera esculpida al natural. Es un nazareno de cedro, obra de Martínez Montañés, según testimonio de fray Juan Guerrero, fraile mercedario contemporáneo suyo, y está policromado por Francisco Pacheco, suegro de Velázquez.
Cristo de la Pasión detalle No se trata de un Cristo de Dolores sangrante, ya que simboliza la resignación. La advocación se relaciona con la de una cofradía de Valladolid que en 1.577 recogía los dolores, afrentas y tormentos, sufridos por Cristo durante la Pasión.
Capilla Sacramental rincón izquierdo con la imagen de la Virgen de la Merced, cotitular de la Hermandad de Pasión
Virgen de la Merced imagen moderna que acompaña al Cristo
Cirineo
También nuevo, o mejor dicho, expuesto desde hace poco la imagen del cirineo que encontramos al salir del pasillo, en el rinconcito de la derecha. Esta magnifica obra es una obra de Sebastián Santos que sustituyó a la anterior y que tuvo una vida procesional muy corta, pues solo acompañó al Cristo de Pasión desde 1.970 hasta 1.974.
San José
San Juan Evangelista, que acompaña a la Virgen en el paso de palio
Virgen del Voto
A la derecha del la Capilla Mayor se levanta el retablo de la Primitiva, Pontificia Archicofradía y Real Hermandad de Nazarenos de la Sagrada entrada en Jerusalén, Santísimo Cristo del Amor, Nuestra Señora del Socorro y Santiago Apóstol.
En el centro del retablo se encuentra la magnifica imagen del Cristo del Amor que tallara Juan de Mesa. Su precio fue de 1.000 reales y es una de las diez imágenes que le fueron encargadas al escultor y uno de los mejores crucificados de Sevilla
Cristo del Amor
Este discípulo de Martínez Montañés (apenas en doce años, pues murió a los 44 de tuberculosis) dejó obras tan importantes como este Cristo del Amor, el Señor del Gran Poder, el Cristo de la Buena Muerte (Hermandad de los Estudiantes), el Cristo del Buen Ladrón (Montserrat) o el Nazareno de La Rambla (Córdoba) entre otras.
Cristo del Amor
La advocación alude al mucho amor que tuvo Cristo, pues murió en la cruz por redimir al mundo. El pelícano que está a sus pies simboliza la muerte del Redentor, pues, según la tradición, cuando sus polluelos no tienen qué comer, el ave se abre el pecho, y los alimenta con su sangre
La Entrada en Jerusalén o como la llaman en Sevilla «la Borriquita»es la otra hermandad compañera del Amor, que procesiona el Domingo de Ramos, con gran expectación de los niños.
Detalle de «La Borriquita»
Retablo de la Virgen de las Aguas.
Virgen de las Aguas S.XIII
Es contemporánea de la Virgen de los Reyes y fueron traídas a Sevilla por San Fernando
Retablo de San Fernando.
Fernando III fue canonizado en el año 1.671. Entre 1.760 y 1.767 José Díaz compuso este retablo a la manera del antiguo gran retablo de la Capilla del Sagrario de la Catedral, hoy desaparecido.
San Cristóbal. Martínez Montañés, 1.597.
era un mártir cristiano de Asia Menor al que ya se le rendía culto en el siglo V. La leyenda es mucho más pintoresca: Cristóbal (en griego “el que lleva a Cristo”) era un guerrero (hoy diríamos mercenario) de estatura colosal, con gran fuerza física.
Un día cruza la corriente de un rio, cargado con un insignificante niño. A mitad del río, su peso se hace insoportable y sólo a costa de enormes esfuerzos consigue llegar a la orilla: Cristóbal llevaba a hombros más que el universo entero, al mismo Dios que lo creó y redimió. Por fin había encontrado a Aquél a quien buscaba..
Santas Justa y Rufina. Jerónimo Hernández, siglo XVI.
Las figuras de las Santas, atribuidas a Jerónimo Hernández, (finales del XVI) provienen del antiguo Hospital de las Cinco Llagas, actual sede del Parlamento andaluz
La Pila Bautismal fue labrada por el cantero Pedro López de Verástegui en el 1.591. Más adelante se modificó con la introducción de una pila menor
Sacristía Alta
Cabeza de Simón de Cirene. Juan de Mesa.
En todo su recorrido podemos contemplar cuadros, tallas, retablos y objetos de culto de gran valor artístico que constituyen el Museo Colegial.
Cristo del Buen Viaje. Anónimo, finales del siglo XVI.
Cabezas cortadas de San Pablo y San Juan Bautista. Llanos Valdés, 1.670.
San Pablo. Anónimo sevillano siglo XVII.
Jarras para óleos. Hernando de Ballesteros, siglo XVI.
Arca eucarística de plata. Antonio Pineda, 1.815.
La parte posterior de la Iglesia da a la Plaza de Jesús de la Pasión antes denominada del Pan, por las panaderías que allí de encontraban. Fué el antiguo zoco en época almohade.
En ella Miguel de Cervantes ambientó una de sus novelas «Rinconete y Cortadillo» como reza esta placa cerámica.
Vista de la plaza con la iglesia detrás
Antiguas arquerias de la plaza del Pan
Las antiguas panaderias se convirtieron con el tiempo en tiendas, sobre todo joyerias y como curiosidad algunas de ellas conservan columnas romanas y algún capitel de las antiguas edificaciones que alli hubo.
Vista de la cúpula del Salvador desde la Plaza del Pan
Con la última restauración se pretendió dar a conocer zonas habitualmente no accesibles del templo mediante visitas guiadas por personal cualificado. Durante algo más de una hora y media los visitantes se acercan al Patio de los Naranjos, Criptas, Camarín de la Virgen de las Aguas y Cubiertas del Salvador
Fuentes:
Bibliografía:»La iglesia Colegial del Salvador: Arte y sociedad de Sevilla en los siglos XIII al XIX» de Emilio Gomez Piñol 2000
El encaje es definido como un tejido ornamental y transparente que originalmente se elaboraba artesanalmente y se realzaba con bordados. Este se diferencia del bordado sobre tul u otros géneros transparentes en que se elaboran conjuntamente, fondo y siluetas en relieve, siendo una labor de tejido y no de aplicación de bordado. En sus orígenes éstos encajes se aplicaban en los bordes o entre dos piezas de tela, como un ornamento encajado entre ellas y se le denominaba «randa», del alemán Rand (borde u orilla). Los diseños primarios de los encajes terminaban en puntas con forma de picos, ondas o dentellones, es por esta razón que en Francia se conoció con el nombre de «dentelles», en España como «puntillas», en Italia se le daba el nombre de «merletto» y en Alemania «spitze» (puntas), pero estas denominaciones sólo se aplicaban a los encajes estrechos que ornamentaron a las gorgueras, boca mangas y a otras piezas de vestir o para la decoración. Desde el principio se ha tratado de un tejido de lujo, en lugar de una necesidad, y los bienes de lujo pueden establecer su propio precio.
«La encajera o La encajera de bolillos», es una de las pinturas más conocidas del pintor holandés Johannes Vermeer. Está realizado en óleo sobre lienzo, montado sobre madera. Se calcula que fue pintado hacia 1669-1670. Se encuentra en el Museo del Louvre (París)
TIPOS DE ENCAJE A MANO:
A) Los encajes de aguja que se realizan con una aguja sobre una hoja de papel o de pergamino que tenga un dibujo. El encaje sigue los contornos del dibujo sin que los hilos que lo constituyen atraviesen nunca el papel o pergamino. Los hilos con que se fabrica el encaje, es decir, los que forman la primera estructura, se fijan, sin embargo, provisionalmente en ciertos sitios del papel o del pergamino por puntos transversales, para facilitar la ejecución del trabajo. Entre los encajes de aguja, se pueden citar los encajes de punto de Alencon, de Argentán, de Venecia, etc.
B) el encaje de bolillos Se trata de un tipo de encaje de elaboración tradicional y artesanal. Para realizar este tipo de encaje se necesita una almohadilla, bolillos, alfileres, hebras de fibra vegetal y una plantilla de cartón con el diseño que se quiere realizar. Dentro de este tipo de encaje encontramos el Valencienne o el Chantilly. El encaje de bolillos es una técnica de encaje textil consistente en entretejer hilos que inicialmente están enrollados en bobinas, llamadas bolillos, para manejarlos mejor. A medida que progresa el trabajo, el tejido se sujeta mediante alfileres clavados en una almohadilla, que se llama «mundillo». El lugar de los alfileres normalmente viene determinado por un patrón de agujeritos en la almohadilla.
C) El encaje de malla La malla se remonta al tiempo de los Iberos. Se trata de redes realizadas con hilo, mallero y lanzadera y se trabaja en el aire sobre los dedos. Castilla y León ha tenido una gran tradición en estos trabajos. Muchas de las mallas genuinas expuestas en museos de otros países y regiones proceden de la nuestra. Generalmente son ejemplares de los siglos XVI y XVII. La malla llamada de «zurcido» es la más antigua y se llama así debido a que se borda cruzando hilos sobre la red, componiendo así los motivos ornamentales.
Para encontrar el encaje en nuestra cultura occidental debemos esperar algunos cientos de años hasta la baja Edad Media y comienzos de la Edad Moderna. Lo descubrimos en las ropas de sacerdotes e imágenes y su imagen nos llega a través de la pintura. En los siglos XIV y XV, existen ya muchos inventarios de bienes en diferentes países que mencionan y describen piezas de vestuario elaboradas con encaje.
Los encajes de aguja Se realizan con una aguja sobre una hoja de papel o de pergamino que tenga un dibujo. El encaje sigue los contornos del dibujo sin que los hilos que lo constituyen atraviesen nunca el papel o pergamino. Los hilos con que se fabrica el encaje, es decir, los que forman la primera estructura, se fijan, sin embargo, provisionalmente en ciertos sitios del papel o del pergamino por puntos transversales, para facilitar la ejecución del trabajo. Entre los encajes de aguja, se pueden citar los encajes de punto de Alencon, de Argentán, de Venecia, etc.
Se trata de un encaje de malla que se caracteriza por un fondo de red torcida que corre en una dirección e hilos individuales que corren en otra dirección; los diseños son cosidos sobre el cuadriculado.
El encaje de malla
La malla se remonta al tiempo de los Iberos. Se trata de redes realizadas con hilo, mallero y lanzadera y se trabaja en el aire sobre los dedos. Castilla y León ha tenido una gran tradición en estos trabajos. Muchas de las mallas genuinas expuestas en museos de otros países y regiones proceden de la nuestra. Generalmente son ejemplares de los siglos XVI y XVII. La malla llamada de «zurcido» es la más antigua y se llama así debido a que se borda cruzando hilos sobre la red, componiendo así los motivos ornamentales.
El encaje de bolillos Se trata de un tipo de encaje de elaboración tradicional y artesanal. Para realizar este tipo de encaje se necesita una almohadilla, bolillos, alfileres, hebras de fibra vegetal y una plantilla de cartón con el diseño que se quiere realizar. Dentro de este tipo de encaje encontramos el Valencienne o el Chantilly. El encaje de bolillos es una técnica de encaje textil consistente en entretejer hilos que inicialmente están enrollados en bobinas, llamadas bolillos, para manejarlos mejor. A medida que progresa el trabajo, el tejido se sujeta mediante alfileres clavados en una almohadilla, que se llama «mundillo». El lugar de los alfileres normalmente viene determinado por un patrón de agujeritos en la almohadilla.
El encaje es básicamente un tejido, elaborado a base de hilos cuya trama conforma un diseño, ya sea floral o geométrico, el cual habitualmente se obtiene replicando con el mismo tejido algún patrón predeterminado. Las técnicas más antiguas del encaje son de dos tipos, los que usan un solo hilo y los que usan más de un hilo en su composición. Los encajes de un solo hilo trabajados con aguja están más relacionados con el bordado pues toman como base una tela de tul
Los sectores abiertos están formados por redes, mallas o bridas de conexión, mientras que los motivos o figuras están formados por espacios donde el tejido es más compacto. El diseño es producto de la conexión entre ambos. El tejido de encaje abarca a toda aquella variedad de telas abiertas ornamentadas. A diferencia de otros textiles, puede estar elaborado con distintas técnicas de tejido, como ser el enlazado, trenzado, entretejido, retorcido o anudado de las hebras, con construcción manual o mecánica.
Bobinas de Flandes realizadas en madera
Utilizadas en la elaboración del encaje de bolillos.
El éxito de esta técnica llego muy pronto a toda Europa. En el siglo XVIII la moda del encaje era inmensa. En Francia, Sully y más tarde Richelieu, intentaron prohibirlo, llegando a limitar su comercio a los grandes productores de Francia y Flandes.
HISTORIA DEL ENCAJE
En el Victoria y Albert Museum de Londres, se encuentra el ejemplo más antiguo de encaje encontrado hasta el momento, llamado «el encaje de la momia». Este encaje se hizo en Egipto muchos siglos antes de Cristo y muestras de él han sido recuperadas de tumbas antiguas. Así que con esta sola evidencia no existe ninguna duda sobre el temprano origen de confección de encajes.
Su aparición en Europa, referido a varias fuentes, coinciden en situarlo alrededor del siglo XIII, proveniente de oriente y cuya técnica fue inmediatamente adoptada en tierras venecianas. Sin embargo, no encontramos los primeros escritos sobre el famoso encaje de Flandes hasta el siglo XV. La pintura ha jugado un papel clave como testigo en esta búsqueda histórica, ya que podemos encontrar cuadros de los célebres pintores primitivos flamencos -que trabajaron en Flandes en dicha época- en los que se puede observar ya la utilización del encaje. Un buen ejemplo es el archiconocido cuadro del Matrimonio Arnolfini, pintado por Jan van Eyck en 1434,
SIGLO XVI
En España este tipo de cuellos se llamaron “lechugillas” porque su forma se asemejaba a las hojas de la lechuga. En 1623 Felipe IV cortó por lo sano prohibiendo su uso A través de los siglos, varios métodos para confeccionar encajes se propagaron gradualmente, principalmente a los países que bordean el Mediterráneo, probablemente en forma de Macramé, no de bobinas. La técnica fue alterada y mejorada a través de los años hasta que finalmente evolucionó hacia el uso tanto de agujas como de bobinas. Durante el transcurso del tiempo, la industria de fabricación del encaje de bolillos se extendió por toda Europa y algunos países como Francia y Bélgica, convirtiéndose en una industria muy importante. Tan importante llegó a ser, que Francia atrajo a los trabajadores cualificados de Italia.
Entre 1563 y 1568 llegaron refugiados a Inglaterra desde España. Ellos eran protestantes, y muchos de estos refugiados fueron capacitados en encaje de bolillos. Se establecieron en Devon y paulatinamente se convirtieron en la Industria del Encaje del Sur de Devon. 100 años mas tarde 25 mil encajeras vivían en el area de Devon, esto incluía los habitantes locales que habían aprendido este arte de los refugiados.
El extraordinario y creciente uso que se hacía de estas manufacturas en los siglos XVI y XVII para golas o gorgueras, cuellos, vuelillos en las bocamangas, cortinajes, etc. contribuyó al desarrollo de esta industria y a que se fundaran centros muy activos, sobre todo en Italia, Francia, Estados Flamencos, Inglaterra y España.
S.XVII La policromía es la característica fundamental del encaje español durante los siglos XVI y XVII. Con toda seguridad, el gusto por el color fue herencia de los árabes.La mayor riqueza le viene dada por unas anillas o frisados que se van intercalando entre los motivos a festón, quedando las mismas en relieve y formando verdaderas filigranas. Es distinto a cualquier otro tipo de encaje debido a que previamente no se colocan hilos de contorno para la fijación.
Cuello de encaje de aguja S.XVII
Es posible que el encaje de aguja llegara de italia, pero este cuello se realizó en Holanda. . El patrón original se dibuja en papel oscuro, que es cosido en una pieza de lino doble Muchos tipos de encaje se inventaron durante la época de apogeo del bordado (entre 1500 y 1700) antes de que las máquinas bordadoras automáticas estuvieran disponibles.
Su uso tambien se traspasó a la ropa masculina, siendo los encajes muy valorados y de costo muy caro, ya que no sólo se hace a mano, pero a menudo trajo desde lejos. Los principales centros de producción de encajes estaban en Italia y Flandes, estos países todos ellos se han negociado más de Europa, que no podía dejar de afectar la moda de la época.
Dama luciendo una fina mantilla de encaje con hilos dorados.
S,XVIII
En el siglo XVIII la moda del encaje era inmensa.En la imagen se representan a caballeros ingleses, a la moda de entonces y era tal su profusión que, en Francia, Sully y más tarde Richelieu, intentaron prohibirlo, llegando a limitar su comercio a los grandes productores de Francia y Flandes. Colbert fue el primero en darse cuenta de que la producción propia del encaje podría dar grandes beneficios para Francia.
En los siglos XVII y XVIII aparecen nuevos estilos y diseños, llegándose a lo que podríamos llamar la locura del encaje, que se reflejan en los retratos de las grandes damas de cada época, en la descripción de sus ajuares de boda y de sus herencias. También forma parte del vestuario habitual de los caballeros en golas, camisas y pañuelos.
Uso del encaje en puños y chorreras en la indumentaria masculina
Trajes femeninos aderezados de encaje en las mangas, escotes y mantillas
En el siglo XIX con el Romanticismo el encaje mantuvo su protagonismo, engalanando las prendas de vestir, capas vestidos, enaguas, guantes, abanicos, sombrillas, sombreros, lencería íntima y del hogar
La Época victoriana de Gran Bretaña marcó la cúspide de la Revolución industrial británica, con esta industrialización la manufactura de los encajes se perfeccionó y sus motivos se volvieron más orgánicos y sinuosos, destacando los patrones florales y los motivos de paisley. (cachemire) Un gran impulso recibió la industria en 1839, cuando la reina Victoria encargó su vestido de novia y velo para ser realizados de encaje de Honiton. También ordenó el vestido de bautismo para su primer hijo en encaje, el cual aún sigue siendo utilizado en los vestidos de bautismo de bebes reales.
Hacia el final del siglo las tendencias de la moda prácticamente convirtieron a las mujeres en objetos decorativos, ornamentadas con encajes. A principios de 1900, el frufrú de las enaguas con encaje de las bailarinas del Can Can, bastaba para excitar la imaginación de los hombres ardientes. El encaje de Chantilly (hecho a máquina) y en particular el de Valenciennes, eran los más buscados, también los guipures eran muy populares, predominando los motivos florales de chenilla, rosas, lirios y otras flores que adornaban los cuellos, mangas, canesús y las chorreras de encaje realzaban los delanteros de blusas y vestidos; el encaje irlandés era el favorito de las damas de sociedad y solo ellas podían costearlo, la mayoría de éstos era elaborado a mano por las monjas en sus conventos.
La fabricación de encajes como industria casera estaba en decadencia a principios del siglo pasado, y hacia la década de 1920 el encaje sólo era fabricado por quienes lo hacían para sí mismos. Hacia 1960 sólo quedaban 1 o 2 encajeras que fueran capaces de transmitir sus conocimientos como un hobby. Durante la década de 1980 la fabricación de encajes se convirtió en un pasatiempo de rápido crecimiento, muy popular entre todas las edades, el cual no sólo perdura sino que ha ido creciendo hasta el presente.
ITALIA
Punto de Venecia:
Fue el primero conocido en los mercados de Europa y el que más influencia tuvo en sus talleres. Para realizar el encaje veneciano y otros tipos de encajes se utiliza un tombolo, éste es una almohadilla cilíndrica que en su interior pude llevar un departamento para guardar el material bien sea en forma de cajón o hueco cerrado con una tapa, también utilizan una pieza cilíndrica de madera que se utiliza sobre el tombolo.
Encaje de Venecia Al final del s. XVII los motivos estaban más colocados y se unían conectando barras compuestas de hilos torcidos, trenzas o falsas trenzas. Las trenzas tenían a menudo vaguillas. Tales cadenetas y vaguillas eran realizadas en el encaje de bolillos Veneciano, un encaje resistente hecho en Italia desde tiempos antiguos.
Encaje de Venecia
La Escuela de Encaje de Burano
Encaje de Burano .Se obtienen mediante dos técnicas: a aguja que sobre todo sobrevivión en la Isla de Burano y a bolillos que fué el que se dearolló en Venecia y resto de la islas. En Europa fué tan apreciado como su famoso cristal y contribuyó mucho al aumento de su economía.
Milán S.XVII Se desarrolla entre finales del s. XVI y principios del XVII. El encaje de Milán tiene una gran variedad de puntos decorativos en los entredoses como ningún otro encaje. Es esta variedad, además del estilo barroco de sus diseños, lo que hace al encaje de Milán el más bello de los encajes italianos. El encaje de Milán era generalmente realizado para vestimentas de Iglesias, también era utilizado por la nobleza para acontecimientos especiales. Los encajes de Milán realizados en Flandes, presentan unos fondos más regulares ya que se hacen todos seguidos y los hilos pasan por encima de la cinta de manera que el revés es el derecho del encaje. En Italia, sin embargo, el derecho es la parte que está a la vista como es corriente en todos los países mediterráneos y que de esta manera permite añadir motivos decorativos en relieve que dotan de gran plasticidad a este encaje.
BÉLGICA
Kantcentrum (Museo del Encaje de Brujas)
Flandes, y por lo tanto Brujas, pasa a ser un lugar clave en la exportación del encaje, considerándose como la verdadera cuna de este producto. Así, a finales del siglo XVI el sur de los PaísesBajos exporta masivamente encaje a Francia, Alemania, España o Inglaterra. A lo largo del siglo XVII la producción del encaje se extiende por numerosas poblaciones de los Países Bajos, tomando igualmente otras ciudades de su zona meridional, como Lille, un lugar importante.
Bolillos de Brujas Museo El nuevo museo del Encaje de Brujas se encuentra en el edificio que históricamente fue la escuela de encaje de las hermanas apostolinas. la cual fue fundada en 1899.
Brujas A pesar de todo, la realización del encaje más bello y delicado seguirá siendo el de Brujas, gracias a la utilización de un hilo de lino muy fino y de gran calidad que se producía en Flandes.
Brujas De esta forma, los encajes de Flandes tejidos en sus diferentes variantes (a la aguja y de bolillos) serán indudablemente los más apreciados por la exquisitez y maestría en su confección, aunque algunos países hubieran puesto en marcha un sistema de tasas para intentar impedir su monopolio
Brujas museo La ciudad del encaje por excelencia, ha sabido conservar este importante arte tradicional en la idiosincrasia de pintoresco lugar que sabe fundir como ninguno su pasado con la época actual. La creación del Kantcentrum en 1970 es una buena prueba de ello. Se trata de un centro dedicado por entero al arte del encaje, que sirve a su vez como museo, escuela y almacén de venta de productos.Sorpréndete con el dato de que en el siglo XIX la ciudad de Brujas contaba con ¡¡87 escuelas de encaje!!
Punto de Bruselas.
Se caracteriza por la finura del hilo que procede de un lino especial y la tendencia a la naturalidad en las figuras y motivos vegetales.
Encaje de Bruselas vestido S.XVIII
Bruselas sobre el modelo de papel,a partir del que se va realizando el encaje.
Punto de Malinas: El punto de Flandes floreció en Malinas. Se distingue por sus mallas de orificios redondos o hexagonales y por sus flores y hojas naturales que se bordean con un hilo más grueso pero sin relieves.También se fabricaba en Amberes y Lovaina y con hilo más grueso y peor malla en Arras y Lille.
«Encajera» de Caspar Netscher, Galería de los Ufficci (Florencia)
A veces llamado Gaspar, fue un importante pintor holandés del Siglo de Oro. Es un período, dentro del siglo XVII de estilo barroco, que se caracteriza por un movimiento cultural que trajo considerable progreso en la ciencia, en el arte y en la economía holandesa. Netscher era un artista comparable con Rembrandt (1606-1669) y Johannes Vermeer (1632-1675).
FRANCIA
El encaje de Cluny (Francia)
Es de origen francés, las características de sus picados son compatibles con nuestro encaje popular, muy ligero y delicado, con flores, trenzas y puntillas (lazos de hilo muy pequeños).Se puede realizar con los materiales que usamos para nuestro encaje.Como todo encaje tiene su propia técnica, esta es compatible en muchos aspectos con nuestro encaje popular, pero la perfección de este encaje solo se puede alcanzar siguiendo su técnica.Este encaje es del tipo de hilos continuos.
Punto de Alençón o punto de Francia. El encaje de aguja de Alençon se fabrica con una técnica artesanal única en su género, practicada en la ciudad de este nombre, que está situada al noroeste de Francia, en la región de Normandía. Este encaje de aguja debe su excepcionalidad al alto nivel de competencia artesanal que requiere, así como al larguísimo tiempo necesario para su producción (siete horas por centímetro cuadrado). Las piezas de textil con calados realizadas con esta técnica se utilizan como ornamentos religiosos o profanosDesde el siglo XVI, se trabajaban los encajes en diversas poblaciones de Francia pero desde 1665 prevalecieron los talleres de Alençon, imitando a Venecia. Se distingue de ésta en dar más precisión y naturalidad al dibujo.
El encaje de Valenciennes Es un tipo de encaje de bolillos que se realiza sobre una almohadilla, en una sola pieza continua: junto con la réseau (el fondo en forma de red) se realiza la toile (el patrón de dibujos). Se originó en Valenciennes, en el departamento de Nord de Francia, y floreció de 1705 a 1780 y más tarde la producción se trasladó a Bélgica en los alrededores de Ypres
Cuello francés en encaje Valenciennes
Encaje de Valenciennes S.XVIII
El encaje Chantilly Una variedad de este tipo de puntilla seria el llamado «Chantilly», creado a principios del siglo XVII a la sombra del castillo de Chantilly en Francia. Se solía hacer en negro, y algunas veces en blanco, con hilo de seda. Hoy en día se encuentra en medidas de 1,10 m de ancho para realizar chales, velos y vestidos de novia. Es un encaje de bolillos hecho a mano, con abundancia de detalles y un patrón generalmente de flores. Una tradición que data del siglo XVII. Aunque se llama encaje de Chantilly, la mayor parte del encaje que lleva este nombre se hizo realidad en Bayeux (Francia) y en Geraardsbergen (Bélgica).
Encaje de Chantilly En el siglo XVII la duquesa de Longueville organizó la fabricación de encajes de Chantilly. Se puso de moda durante los reinados de Luís XV y Luís XVI, cuando los fabricantes eran vistos como protegidos de la familia real. Con la Revolución, a las cabezas de Madame du Barry y María Antonieta, siguieron las de las encajeras de Chantilly. Napoleón I patrocinó reposiciones de encaje Chantilly, especialmente entre los años 1804 y 1815, concentrando la producción en Normandía, alrededor de la zona de Bayeux.
Punto Colbert.
Llamado así en memoria del ministro de Luís XIV, Juan B. Colbert que tanto favoreció estas industrias en Francia desde 1661. Se caracteriza por el gran relieve de sus dibujos.
Colbert
La técnica Soutache es muy antigua, desde el siglo XVIII se utilizaba en bordados de trajes de época aunque hoy sie usa para decorar prendas y tejidos de alta costura. Su nombre se traduce del francés como trenza. El bordado soutache consiste en coser con puntadas invisibles cordones sujetando piezas de bisutería o abalorios de diferentes colores y tamaños (camafeos, cuentas, perlas, cabuchones…).
Güipure: se caracteriza por la ausencia de fondo, se trabaja al aire sobre los hilos como una telaraña, por lo cual, el provisional desaparece una vez terminado, los tejidos se sostienen entrelazados entre sí. Hojas de guipur Los diseños de guipur pueden estar hechos sólo con hojas de guipur o bien se combinan con fondos. Cuando los motivos de guipur ocupan vanos los fondos generalmente están hechos con torsiones y trenzas, éstas adornadas muchas veces con pequeñas anillas y en los cruces se hacen milanos -vilanos o arañas- de forma triangular. Encajes de guipur son los de Puy -que pasa a Madagascar- y Cluny en Francia y los de Génova y Venecia en Italia En España se hacen encajes de guipur en Camariñas y Almagro.
Macrameé La palabra macramé es de procedencia árabe. Su antigüedad se remonta a los asirios. El macramé se trabajó mucho en España y tuvo un gran arraigo en Castilla y León durante los siglos XVI y XVII.Se han hallado muchos ornamentos sagrados adornados con este encaje, sobre todo destinado a flecos y borlones. En épocas posteriores, durante los siglos XVIII y XIX, su uso se limitó a prendas del hogar, por lo general a flecos de toallas, de los que hay gran abundancia.
REINO UNIDO
Encaje elaborado en Reino Unido se trata de una variedad inglesa muy delicada y con muchas flores.Honiton es una pequeña ciudad comercial en el condado de Devon en el suroeste de Inglaterra, que ha dado su nombre a un tipo de encaje de bolillos realizado preferentemente en aquella zorna. La primera referencia a los encajes de Honiton proviene de una lápida del cementerio de la ciudad en dondeaparece el nombre de John Rodge, un “vendedor de bonelace” (“bone lace”, literalmente “encaje de hueso”, era un nombre común para el encaje de bolillos, ya que las bobinas se hacían a menudo de huesos de animales) Es evidente que los encajes de Devon eran de buena calidad aunque no tenemos ninguna muestra de la producción del siglo xvii. Probablemente eran parecidos a los encajes de bolillos flamencos de la época
Honiton
Encaje de Bedfordshire S.XVII
Muchos refugiados llegaron a Inglaterra después de la Revolución Francesa de 1794 a 1795. La industria del encaje de Midland fue iniciada por grupos de refugiados que deambulaban desde el norte hasta Bedfordshire Tiene líneas que hacen olas y puntillas (para dificultar la copia por máquinas.
Encaje Bedfordshire (beds) – tiene líneas que hacen olas y puntillas (para dificultar la copia por máquinas.
RESTO DE EUROPA
Encaje de Slovaquia, tambien realizado sin fondo
HOLANDA
Encajera de bolillos
El encaje de Amberes es un encaje de bolillos, continuo, que se distingue por sus motivos estilizados sobre un fondo de estrellas de seis puntas. Tiene su origen en Amberes, donde en el siglo XVII se estima que el 50% de la población estuvo involucrado en la confección de encaje. En 1585 la producción de encaje de Amberes se detuvo debido a la caída de la ciudad bajo el control español. Los holandeses cerraron el río Escalda y canalizaron la navegación fluvial entre Cambrai y Valenciennes, en beneficio de la exportación de lana de Valenciennes, la tela y las bellas artes.
DINAMARCA
Punto Tonder: Las características de este encaje son fondo de toul. Para realizarlo lo hacemos en base al picado, teniendo en cuenta que debemos tener al lado el diagrama de colores que precisamos seguir para realizar dicho encaje.Este encaje entra en el tipo de hilos continuos. Materiales: Almohada plana, bolillos finos, alfileres pequeños e hilo fino.
MALTA
Encaje Maltés
RUSIA
Encaje de Rusia
ESPAÑA
Punto de León
Estos Puntos de España se realizaron con bolillos durante los siglos XVI y XVII. Hebras de oro y plata retorcidas de varios gruesos fueron los principales materiales utilizados para su elaboración. También se empleó el metal en forma de laminilla (llanta), que los vendedores envolvían directamente en un bolillo especial destinado a tal fin, así como torzal y canutillo de diferentes gruesos mezclados a menudo con sedas de colores y lentejuelas.
Encaje extremeño
A pesar de las diversas pragmáticas que prohibieron o limitaron el uso de los encajes, el clero y la nobleza siguió usando y abusando de los mismos, utilizándolos incluso en la ropa interior. Los Mendoza y Cisneros los impusieron en catedrales e iglesias, y la nobleza adornó sus cuellos, puños y bandas con ellos.
ALMAGRO
Durante el siglo XVII fue cuando más auge tenía el uso del encaje de bolillos en las vestimentas aunque se dice que llegó mucho años antes traído de los Países Bajos y por Carlos I. El encaje como labor remunerada existía ya a fines del siglo XVI y principios del siglo XVII en La Mancha, pues Cervantes, en El Quijote nos ofrece dos citas que así lo confirman: “cómo es posible que una rapaza que apenas sabe menear doce bolillos de randas…”; “…Sanchica Panza gana haciendo puntas ocho maravedíes, ahorros que va poniendo en una alcancía para ayuda de su ajuar”.
Encaje de Almagro El uso del encaje de bolillos en la vestimenta tiene su máximo esplendor en el siglo XVII, como se aprecia en algunas obras de Velázquez. En el siglo XVIII y XIX se desarrollará en especial el uso de las espléndidas mantillas de blonda
El frisado de Valladolid
Queda englobado dentro de los Puntos de España, está realizado con metales nobles y sedas. La fastuosidad y riqueza es natural, debido al uso que estaba destinado: ornamentos sagrados que debían realzar la perfecta policromía de los altares. Las piezas conservadas así lo atestiguan.La mayoría se hicieron con plata sobredorada, que mezclada con sedas polícromas adquiría un maravilloso efecto. La hebra metálica que sirve como guía, se deja ver entre los puntos de festón y también en los anillados planos, que habitualmente forman y unen los motivos del encaje o sirven de ornamentación.
Encajes de Segovia
Estos encajes se elaboraron en Segovia durante los siglos XVI y XVII.Su dibujo es muy sencillo y el punto empleado es a base de trenzas. Aparece en dechados, camisas noviales, manteles y frontales de cama.Los colores más característicos son el azul, el melado, el blanco y el rojo..
Soles de Salamanca
Los soles de Salamanca se realizaban ya en los siglos XV y XVI. En el siglo XVII alcanzaron su perfección y fueron muy populares en los siglos XVIII y XIX. Aunque se denominan «Soles de Salamanca», se realizaron en toda la región de Castilla y León, así como en Extremadura y Cataluña. Los soles de Tenerife y Paraguay derivan de ellos, pero su realización es mucho más sencilla al haber adoptado técnicas diferentes a las nuestras
El Punto de Tordesillas
Una muestra de Punto de Tordesillas se encuentra como encuadernación del Libro de Horas de doña Ana de Austria, conservado en la Bibliothèque de l’Arsenal, de París. Se trata de un encaje realizado a la aguja con hebras metálicas y sedas polícromas. El colorido le da cierta espectacularidad, utilizándose distintos tonos de un mismo color en degradación
Encaje Torchon Muy conocida por sus hermosas redecillas a menudo geométricas.Torchon es un encaje de bolillos que se hizo en todo Europa. Un encaje continuo, simple y de líneas rectas hechas al mismo tiempo que el fondo.Es el típico de Camariñas.
CAMARIÑAS (La Coruña)
El encaje de Camariñas es un encaje de bolillos hecho a mano entrelazando hilos sobre una almohada siguiendo un dibujo previamente realizado en cartón o picado. Los bolillos pueden ser desde 12 hasta 200. Cuantos más bolillos, más complejidad. El hilo más empleado es el de algodón, aunque también se utilizan en menor medida seda y lino. Torchon – muy conocida por sus hermosas redecillas a menudo geométricas.Torchon es un encaje de bolillos que se hizo en todo Europa. Un encaje continuo, simple y de líneas rectas hechas al mismo tiempo que el fondo.Es el típico de Camariñas.
Encaje de Camariñas con su papel de copia.
Estos apreciados encajes (mantelerías, pañoletas, juegos de cama, paños), con mil combinaciones de dibujo y tono, que nos traen el lejano recuerdo de un “Chantilly” o de un “Valenciennes”, dicen que se deben, originariamente a la antigua influencia navegante de la artesanía flamenca con el puerto de Camariñas.
ISLAS CANARIAS
El calado es una de las actividades artesanales más importantes de las Islas Canarias. El trabajo del calado consiste en deshilar una pieza de tela, de lino o algodón, logrando diversos y complicados dibujos sobre la trama de la misma. Estos dibujos parecen inspirados muchas veces en la flora o en motivos arquitectónicos. Aportación de Francisco Javier Feliu Toledano
LITÚRGICOS
Encaje para mantel de altar
Un apartado especial y muy importante, dentro de la utilización del encaje, es para la confección de ropajes y ajuar litúrgico, casi siempre realizado por religiosas en los conventos y que consistía en roquetes, manteles de altar, albas y sobre todo en Andalucía, ornamentos para vestir a Vírgenes , Niños Jesus y otras imágenes.
Los encajes conventuales de los siglos XVII y XVIII están realizados generalmente con hebra muy fina y resultado de la evolución de los encajes flamencos. Son de hilos continuos y los diseños generalmente florales.
Encaje entredos de bolillos con la Inmaculada rodeada de ángeles, a ambos lados lleva una decoraccion a manera de pinaculos calados y dos corazones.En la parte inferior va la leyenda: VERCINE INMACULATA MIRACULOSA. En la parte superior lleva una cenefa de entredos a bolillo
Antiguo mantel de altar realizado hacia 1900 Se adorna con encaje de hojilla de oro, en tres de sus lados, con diferentes motivos : Florales, arquitectónicos, etc.Para realzar su brillo, el encaje se superpone sobre un entramadado en plata.
Roquete: de soberbia factura, con el escudo de León XIII, de un Arzobispo y de dos localidades francesas.
Mantel de altar de encaje de Milán Victoria & Albert Museum (Londres)
LAS MANTILLAS
Los orígenes de la mantilla pueden remontarse a la cultura ibérica, en la que las mujeres usaban velos y mantos para cubrirse y adornarse la cabeza. Posteriormente, durante toda la Edad Media, la mujer siguió usando tocados muy variados, algunos de ellos con ciertas influencias árabes.A finales del siglo XVI el uso del manto, denominado ya por aquella época mantilla de aletas, se generalizó en toda España al considerarse una prenda más dentro de los trajes populares.En el siglo XVII empiezan a usarse las mantillas de encaje, como se aprecia en algunos retratos femeninos de Velázquez, formando parte del guardarropa de algunas mujeres elegantes
LA MANTILLA
La Reina Isabel II de España, luciendo una mantilla Fue, pues, en el siglo XIX cuando la mantilla adquirió una relevante importancia como tocado distinguido de la mujer española. La reina Isabel II, gran aficionada a los encajes, impulsó en gran manera el uso de la mantilla. Tanto ella como sus damas la lucieron en numerosos actos, como se manifiesta en varios retratos de la reina plasmada por sus pintores con esta singular prenda.
Mantilla de encaje de Bruselas
Sin embargo, su uso no se generalizó a las damas cortesanas y de alta condición social hasta bien entrado el siglo XVIII, pues hasta entonces la mantilla era usada casi exclusivamente por las mujeres del «pueblo». Fue también en este siglo cuando las mantillas de paño y seda fueron sustituidas totalmente por las de encaje.
Mantilla de blonda
A partir de 1868 el uso de la mantilla se abandonó en algunos lugares. No obstante, en Sevilla y otras ciudades de Andalucía continuó gozando de gran predilección. Algo que también ocurrió en Madrid, donde el empleo de la mantilla estaba tan arraigado a las costumbres que las damas de la nobleza madrileña la convirtieron en símbolo de su descontento durante el reinado de Amadeo de Saboya
El encaje de Blonda se elabora con dos tipos de seda (retorcida y mate para hacer el tul del fondo y brillante y lasa para los dibujos), y se caracteriza por los motivos grandes de tipo floral, especialmente por los bordes con amplias ondas, llamadas puntas de castañuela
La pieza estrella de la blonda es la mantilla almagreña, aunque también se hacen pañuelos, aplicaciones decorativas y abanicos. La mantilla se hace mediante tiras que suelen medir entre 7 y 15 cm. de ancho. Para unir estas tiras se emplea un punto especial llamado Punto de Ingerir o Entolar. Y consiste en unir las “asillas” o medio punto de tul de los bordes de cada tira, formando un punto de tul completo de manera que la unión resulta totalmente invisible. Los extremos de la mantilla terminan en ondas de una belleza exquisita. Los anchos y las terminaciones de estas puntillas son muy diferentes, pueden tener ondas en uno o dos lados. Cuando la puntilla pasa a tener metraje se convierte en blonda.
Tambien se utiliza mucho el encaje de Chantilly, que es un encaje más etéreo que la Blonda, y se considera más elegante para la mantilla negra. Un tercer tipo de mantillas es el de las bordadas en tul. Aunque vulgarmente a estas mantillas se las califica como de encaje, hay que aclarar que únicamente su fondo de tul se incluiría dentro del encaje, pero no así su .ornamentación, ya que los motivos se van bordando
Baúl del Arte 