Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí

Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí está ubicado en el palacio del Marqués de Dos Aguas, sito en la ciudad de Valencia
Es producto de una radical reforma llevada a cabo sobre la antigua casa solariega de los Rabassa de Perellós, titulares del marquesado de Dos Aguas, en la década de 1740 en un acusado estilo rococó. De planta cuadrangular irregular, organizado en torno a un patio y con torres en las esquinas, sus fachadas se alzan con planta baja y dos alturas,

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Vista general del Palacio
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Portada:
En un lateral se abre la puerta principal, realizada en alabastro por Ignacio Vergara sobre diseño de Hipólito Rovira.Presidida por la imagen de la Virgen, desde ella descienden dos caudales de agua en alusión al título de los marqueses: Dos Aguas  simbolizados por dos atlantes.

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Atlante de la portada

VISITA AL MUSEO

La visita a este piso está estructurada para recorrer lo que eran las habitaciones particulares de los marqueses de Dos Aguas, todas decoradas con estucos y pinturas murales, se encuentran amuebladas con parte del mobiliario original como es la Sala de baile, la Sala roja, la Salita oriental, la llamada de la Porcelana con el mobiliario original realizado en Dresde con placas de cerámica incrustadas, así como son de porcelana de Meissen la lámpara y apliques junto con algunas figuras. En el dormitorio se encuentra una gran bañera de mármol blanco de Carrara

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Salón de Baile

En su interior aún podemos observar los salones decimonónicos con su decoración original, recientemente restaurada, mientras que la segunda planta acoge el Museo Nacional de Cerámica González Martí, con una importante colección de piezas desde la Antigüedad a los más modernos diseños. y una colección de carrozas del siglo XVIII

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Sala Roja

La visita a este piso está estructurada para recorrer lo que eran las habitaciones particulares de los marqueses de Dos Aguas, todas decoradas con estucos y pinturas murales, se encuentran amuebladas con parte del mobiliario original como es la Sala de baile o la Sala Roja

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La llamada Sala de la Porcelana con el mobiliario original realizado en Dresde con placas de cerámica incrustadas, así como son de porcelana de Meissen la lámpara y apliques junto con algunas figuras

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Alcoba de los Marqueses
En el dormitorio se encuentra una gran bañera de mármol blanco de Carrara y el techo está decorado con pinturas de Plácido Francés y Pascual realizadas en 1862.

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Comedor

  Comedor

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 COCINA
La sala muestra una recreación de la cocina valenciana tal y como fué concebida por el fundador del museo Manuel González Martí. El montaie se ha respetado para evocar la museografia de su tiempo. Tiene azulejería de los siglos XVIII y XIX con escenas del S.XIX , acompañadas de mobiliario popular y utensilios de ceràmica y cobre

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Otros detalles de la cocina

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La decoración de esta pieza se complementa con vasijas de cerámica y objetos de cobre populares de esta misma época

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Vista de la cantarera, el pozo, la pila y el fogón.

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Personajes populares de la época
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Cartela que explica las labores de los personajes representados
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Uno de los paneles cerámicos expuestos es el que representa las Santas Justa y Rufina datado entre 1780-1790 y realizado con doce azulejos, aunque iconográficamente a estas santas se las representa siempre con la torre de la Giralda, en este caso la torre diseñada está inspirada en el campanario de la catedral de Valencia, y las piezas de cerámica que se encuentran depositadas en el suelo son claro ejemplo de la loza de Manises

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Vigas del artesonado renacentista del palacio de Marqués de Dos Aguas

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  Escalera que sube al piso superior donde se encuentran las salas del museo   

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Una de las Salas.
Estas exponen las piezas por siglos o tipos cerámicos 

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Ánfora griega S.IV aC .

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Vasija griega de figuras negras Corinto S.V aC

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Jarra griega de figuras negras taller de Atenas S.V aC

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Jarra de Etrúria, S.V aC. 

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Píxide, Àtica S.V aC

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Figurilla ibèrica S.II aC.

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Lámpara de aceite romana de pico con  grabados S.I dC 

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lámpara de aceite naviforme S.V dC 

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Ànfora para vino romana, S.I dC.

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Placa de techo  S.V a VII DC

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 Cangilón o arcaduz de noria. Yacimiento de Jovades. (Oliva, la Safor), s. XI-XIV

Atados a la noria, servían para sacar agua

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Lámpara S.XI

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Jofaina de estilo Madīnat al Zahrā, S.X   

Jofaina, palangana o lavamanos : recipiente ancho y bajo, utilizado para lavarse-

 

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Cuenco de estilo Madīnat al-Zahrā S.X

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Loseta de forma estrellada de Kaixan (Iran), S.XII

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Cuenco Rey (Irán) con reflejos dorados S.XIII

La loza dorada, los vasos nazaríes o de la Alhambra constituyen la máxima expresión de la cerámica de reflejos metálicos. Se conoce la exportación clara al menos a Egipto y Siria.

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Se fabricaron desde el S XIII al XV. Se elaboraron también grandes azulejos con esta técnica, para decoración arquitectónica.

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Fuente medieval de azulejería, datada en el siglo XIII

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 SALA DE CERÁMICA DE LOS S.XIV Y XV  PATERNA

Elaborada en la población de Paterna en la comunidad Valenciana, tuvo grandes épocas de esplendor en su producción, entre las que destaca la cerámica tipo mudéjar, también llamada hispano morisca que se fabricó entre los siglos XIII al XVI

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Cántaro de  Paterna S.XIV

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Cántaro morisco S.XIV

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Lámpara de aceite de Barcelona S,XIV,

Barniz plumbífero
Recibe tal nombre por el plomo que forma parte de su composición, junto con sal y arena molidos y mezclados con agua

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jarro de Paterna S. XIV

La cerámica de Paterna, elaborada en la población de Paterna en la comunidad Valenciana, tuvo grandes épocas de esplendor en su producción, entre las que destaca la cerámica tipo mudéjar, también llamada hispano morisca que se fabricó entre los siglos XIII al XVI. De entre los diversos tipos sobresale la cerámica verde y manganeso (óxidos de cobre y manganeso) sobre fondo blanco vidriado, la de reflejos metálicos también llamada loza dorada y la de la serie azul

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Escudilla Paterna S.XIV,
De entre los diversos tipos sobresale la cerámica verde y manganeso (óxidos de cobre y manganeso

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Plato de Paterna en negro y verde S.XIV

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Especiero en verde y negro

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Plato de loza de Paterna

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Cuenco de Paterna o Manises S.XV

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Escudilla de loza con reflejos dorados de Manises S.XV

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Alfardón con la leyenda “aquel de aquella” S.XV

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Pavimento de losetas con decoración de huesos S.XIV

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Placa de entrevigas procedente del Palacio de los Señores de Patraix

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Fragmentos de pavimento del S.XV

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Fragmento del pavimento de la iglesia del Monasterio de Llutxent S.XV detalle

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 Fragmento del pavimento de la iglesia del Monasterio de Llutxent S.XV

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Alfardón con el emblema Cabdells

El alfardón es un azulejo hexagonal y alargado, usado en pavimentos y fachadas de origen mudejar

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Alfardón con la divisa “Desir”

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Pavimento de losetas

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SALA DE CERÁMICA DEL S.XV Y  MANISES 

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Jarra de loza azul de Manises

La cerámica de Manises, en la Comunidad Valenciana (España), está representada por la variada fábrica de este importante foco de la alfarería, que de una cacharrería y loza, tradicionales desde el siglo XIV, ha evolucionado hacia la producción de diversos tipos de pastas cerámicas (loza fina, mayólica, porcelana, gres) y barnices.

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Especiero de loza de Manises

El barniz plumbífero o plúmbeo (con el que se bañan las piezas en crudo y antes de la cochura) produce un vidriado brillante y trasparente que permite conservar los colores originales del barro o del engobe

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Plato de Manises de loza con reflejos dorados S.XV

Además de la histórica vajilla hispano-morisca de reflejo metálico, Manises a producido alfarería plumbífera con el típico vidriado amarillo con manchas verdes, muy popular en toda España. También ha sido habitual en los alfares manisienses la cacharrería rojiza vidriada basta u ordinaria, conocida como obra «aspra» para diferenciarla de la loza polícroma.

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Plato de Manises de loza con reflejos dorados S.XVI,

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Plato brasero de Manises,S.XV

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Plato brasero con el emblema del Reino de Valencia Manises S.XV,

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Plato de Manises de loza con reflejos dorados S.XV


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Platillo del extremo superior de un candelero de Manises, S.XV

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Plato de Talavera,sèrie tricolor S.XVI    

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Bote de loza azul de Manises, S.XV

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Socarrat de artesonado, Paterna S.XV

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Socarrat, detalle



Otras piezas empleadas para la arquitectura son los socarrats, cuyo formato mayor se destinaba al entrevigado de techos interiores, mientras los de menor tamaño se utilizaron componiendo frisos en terrazas, escaleras u otros lugares

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Socarrats de alero con inscripciones cúficas y geométricas S.XV

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Loseta con la heráldica de la familia Borja S.XV

La azulejería para pavimentos con divisas o escudos heráldicos eran encargos realizados por instituciones para sus sedes o por la nobleza. Se encuentran visibles fragmentos procedentes de diversos palacios valencianos.

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Loseta con la heráldica de la familia Cruïlles S XV


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Loseta con la heráldica de Jeroni de Cotalba S.XV

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Loseta con la heráldica de la familia Boils S.XV

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Losetas con la divisa de Alfonso el Magnánimo, S XV

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Loseta con la divisa de Alfonso el Magnánimo S.XV
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Loseta con la divisa -Las mills de Alfonso el Magnánimo S.XV

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Loseta con el emblema del gremio de sombrereros S XV

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Loseta con el emblema del gremio de sastres,S.XV

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Losetas del pavimento del Obispo Hernando de Arenós y Boïl S.XV

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SALA DE CERÁMICA DE LOS S, XVI, XVII y XVIII

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Escudilla del Abad Porta de Poblet, S.XVI

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Escudilla con el escudo abacial de Poblet S.XVI

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Plato de loza de Manises con reflejos dorados S.XVII

los investigadores coinciden en aceptar que los alfareros de la zona comenzaron a producir loza dorada en el primer cuarto del siglo XIV.3 Fruto de aquella alfarería gótico-mudejar, serían los excelentes ejemplares de cerámica decorada en azul y/o reflejo metálico dorado hallados en excavaciones arqueológicas en el subsuelo de Manises.

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Plato agallonado en loza con reflejos metálicos S.XVI

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Plato agallonado en loza con reflejos metálicos S.XVI

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Plato en loza con refleios metálicos S.XVI

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Plato de loza de Manises con reflejos dorados S.XVII

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Cuenco de Manises de la serie clavellines,S.XVIII

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Loseta policromada atribuida a Niculoso Pisano,S.XVI

Francesco o Francisco Niculoso, llamado Niculoso Pisano (¿Pisa?, Italia, mediados del siglo XV – Sevilla, España, 1529), fue un ceramista y azulejero italiano. Su formación artística tuvo lugar en Italia, Alrededor de 1498 se trasladó a Sevilla, donde se estableció en el barrio de Triana. Las obras artísticas que realizó y que se han conservado se encuentran principalmente en Sevilla y en el Monasterio de Tentudía de Calera de León (Badajoz), y están realizadas en el periodo comprendido entre 1503 y 1526

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Loseta policromada atribuida a Niculoso Pisano,S.XVI

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Virgen con Niño, atribuido a los talleres de Benedetto Buglioni

En la época del renacimiento, Florencia fue productora, a través de la familia Della Robbia, de una cerámica policromada vidriada de carácter devocional, que por medio de su comercio continental llegó también a la península Ibérica. 

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Plato de porcelana china S.XVI

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Taza de porcelana china del S XVII

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Albarelo de cerámica de Nápoles S XVII,

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Plato portugués de loza sinolusitana, S.XVII

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Benditera de Talavera de la Reina S.XVIII

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Cornucòpia con la representación del fuego, loza de Alcora, 1750 -1780

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Trompeteros S.XVIII

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Plato de loza de Manises sèrie pardalot  

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Plato de loza de Manises S.XVIII

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SALA DE PORCELANA DE ALCORA En el señorío de Alcalatén, situado en la villa de Alcora y perteneciente al IX conde Aranda, partiendode la antigua tradición alfarera de la villa y con el beneplácito del reino de los Borbones y su corte francesa, fundó dicho conde una fábrica de cerámica, abandonándose la producción propia de la zona en favor de un producto a imitación de lo francés.

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    Destacan en Alcora tres épocas, pero no es hasta la segunda época de la fábrica, entre 1742 y 1798, cuando la fábrica alcanza su plenitud de producción y resultados.

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Busto de anciano,de Alcora, 1770 – 1810.

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Busto de anciana,de Alcora, 1770 – 1810.

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Bacía de barbero de cerámica de Alcora S.XVIII
Se trataron de conseguir materiales más finos, frente a la rudeza popular de la cerámica española  

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Plato de cerámica de Alcora, S.XVIII

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Custodia de Manises 1876

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Chimenea con aplicación de cerámica de Manises S.XIX
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Plato de Manises sèrie de boda S.XIX

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Plato con decoración de englobe S.XIX

Se entiende por engobe una arcilla coloreada o no, que se aplica sobre una pasta soporte a modo de esmalte para modificar su aspecto externo, aportando una textura terrosa no vítrea. Puede ser aplicado sobre la pieza en estado de cuero, seca, o bien bizcochada previamente

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Plato con el Duque de la Victoria jurando la Constitución S.XIX
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Bacía de barbero de Alcora S.XIX
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Escribanía de Manises S. XIX
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Azucarero de Alcora S.XIX

Centro innovador de la porcelana valenciana en el siglo XVIII fue la producción de la Real Fábrica de Alcora que se encargó de imitar el gusto del barroco francés y la decoración rocaille en piezas destinadas a vajillas y objetos de ornato.
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Piezas del S. XIX
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Busto femeníno de Bohèmia S XX
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Banco de jardín de 1920, patio cubierto del Museo
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Placa de porcelana,de Ernst Wahliss S.XX
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Salsera en forma de cordero
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Lagarto de loza con reflejos metálicos
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Jarra de leche La Cartuja de Sevilla, S.XX

BELÉN NAPOLITANO

Betlem napolità, museu Nacional de Ceràmica de València.JPG

  Misterio y ángeles

Figuretes del pessebre napolità del museu de Ceràmica, València.JPG

Grupo de burgueses campesinos

Personatges del pessebre napolità del museu de Ceràmica, València.JPG
Pessebre napolità del museu de Ceràmica de València.JPG

Vista del conjunto

FUENTES

https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Nacional_de_Cer%C3%A1mica_y_Artes_Suntuarias_Gonz%C3%A1lez_Mart%C3%AD

http://www.mecd.gob.es/mnceramica/colecciones.html

http://www.avec.com/lcv/lcv.pdfBIBLIOGRAFÍA:

 CERAMICA DE ALCORA (1727-1827) VV.AA. , MINISTERIO DE EDUCACION Y CIENCIA
  

La Epifanía en el arte

Epifanía significa aparición, manifestación o fenómeno a partir del cual se revela un asunto importante. La palabra proviene del griego epiphaneia, que significa ‘mostrarse’ o ‘aparecer por encima’.
Pero la epifanía es también un acontecimiento religioso: Para muchas culturas las epifanías corresponden a revelaciones o apariciones en donde los profetas, chamanes, médicos brujos u oráculos interpretaban visiones más allá de este mundo.
Así. en la religión cristiana los Magos son unos personajes que aparecen en el Evangelio de Mateo (Mt 2-12), sin embargo, no aparecen en el relato de la infancia de Jesucristo que está en el Evangelio de Lucas.

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“Mago” en lengua persa significaba “sacerdote” y justamente los magos eran una casta de sacerdotes persas o babilonios. Ellos no conocían la revelación divina como los judíos, pero estudiaban las estrellas en su deseo de buscar a Dios.
Al principio los reyes tan solo eran magos, o puede que ni siquiera eso. Lo más probable es que fueran sabios instruidos en astrología, que supieron llegar al niño leyendo las estrellas. Por otro lado, los orientales también llamaban “magos” a los doctores.

San Mateo, el único que habla de los magos en la Biblia, explica que procedían de “oriente”, una zona que para los judíos eran los territorios de Arabia, Persia o Caldea.
Lo que no sabemos es el lugar exacto de Oriente (¿Persia?, ¿Mesopotamia?, ¿Arabia?…) y tampoco la ruta que siguieron ni a la ida ni a la vuelta.

Rutas del incienso

La tradición señala la ruta del incienso, y no solo porque uno de los regalos al Niño fuera el incienso, sino por tratarse de una ruta comercial muy transitada entonces.


LOS PRESENTES

La adoración de los Reyes Magos, detalle (1423). Gentile da Fabriano.
Galería Uffizi. Florencia

Mateo menciona a unos supuestos magos que llegaron guiados por una estrella a ofrecer al Salvador oro, incienso y mirra.


Simbolismo del Oro: Es el simbolismo de Rey, ya que el oro está asociado como el bien más preciado y más caro.


Simbolismo del Incienso: Es símbolo de purificación al nuevo Dios. Además de ser un bien muy preciado hemos de pensar que ya desde antiguo la purificación y adoración a los dioses griegos y romanos se empleaba el incienso y recogiendo esa tradición en el mundo judío también será motivo de gran valor.

Simbolismo de la Mirra: Es símbolo de la Muerte ya que era utilizado en los rituales funerarios y para los embalsamientos por lo que es un simbolismo de la parte humana de Jesús y una anticipación al sufrimiento que padecerá.


SUS NOMBRES

Mateo hace un relato muy escueto en el que no aparece ni el número ni el nombre de estos magos. A partir de Orígenes (185-224) y con los Evangelios apócrifos se van añadiendo datos y detalles que la Iglesia va aceptando y los artistas aprovechan en sus obras.

A los tres magos, según la tradición, se les menciona con el adjetivo de sabios denominados: Gaspar, Melchor y Baltasar, pero no se dice nada sobre sus nombres, su apariencia, su raza o su edad. Incluso su número ha sido un misterio. A veces las respuestas a estas dudas solo aparecen mencionadas en leyendas y en los Evangelios apócrifos.

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Sus nombres quedan designados a partir del siglo IV y quedan mencionados en El Evangelio Armenio de la Infancia (s.IV), en su capítulo XII , donde ya se describen los nombres de los magos y su procedencia: “El primero era Melkon, rey de los persas; el segundo, Gaspar, rey de los indios; y el tercero, Baltasar, rey de los árabes. Los Evangelios Apócrifos, también nos darán más detalles acerca de estos Magos de Oriente.

SU NÚMERO

La adoración de los Reyes Magos Andrea Mantegna

Tradicionalmente y según el Evangelio árabe de la Infancia (s.V-VI), en su capítulo VII nos describe que fueron tres y que los jefes de su ejército, investidos del mando general, eran doce. Las tropas de caballería que los acompañaban, sumaban doce mil hombres, cuatro mil de cada reino”.
En realidad no se especifica su número que se acabó fijándo en tres, principalmente por una cuestión de lógica: si tres eran los regalos, tres serían los magos que los portaban. Claro está que la elección resultaba especialmente útil, por ser el tres un número de vital importancia en el cristianismo, pues resulta una alusión directa a la Santísima Trinidad.

SUS EDADES

Tríptico de Santa Columba, Roger van der Weyden 1455 Antigua Pinacoteca Munich

Las Edades del Hombre: Aunque en un principio en las representaciones iconográficas no hay una diferencia de edad, será en la época medieval en donde empezamos a ver esta diferencia de edades para simbolizar la juventud, la madurez y la vejez, dando a entender que la universalidad de las edades también son objeto de aceptación y adoración al Mesías. Aunque en representaciones antiguas Gaspar aparece representado como el rey imberbe y más joven, lo más común es que su edad sea la adulta, ocupando la juventud el rey Baltasar y Melchor , siempre suele encabezar al mas anciano.


SUS RAZAS

La Adoración de los Reyes Magos, Gerard David

Los Tres Mundos: Otro de los simbolismos de los reyes es la representación de los tres mundos conocidos hasta el momento, es decir: Europa, Asia y África y se convierten en representativos de las tres distintas razas conocidas en el momento, surgidas a partir de los tres descendientes de Noé: Sem, Jafet y Cam.

Tríptico de la Adoración de los Magos (1470-1472) de Hans Memling, Museo del Prado

En el siglo XIV, la expansión de la cristiandad hizo necesario un refuerzo de su universalidad. Se decidió representar, a través de los Reyes Magos, los tres continentes conocidos hasta el momento: Melchor sería el europeo, Gaspar el asiático y Baltasar el africano. Fue entonces cuando se empezó a representar el tercer rey mago de tez negra, cuyo estatus fué muy difícil de identificar ya que podían ser esclavos o reyes, de ahí que al principio más bien se le representa como a un árabe.

Tríptico de los Reyes Magos de la colegiata de los santos Cosme y Damián de Covarrubias S.XV

El descubrimiento de América planteó la posibilidad de incluir un cuarto rey mago, para que estos siguieran representando la totalidad de la humanidad. Seguramente muchos artistas habrían agradecido este cambio, dado que un número par favorecería composiciones más equilibradas, pero esto jamás llegó a consolidarse.

Foto de Sira Gadea

Sin embargo, el pintor Grao Vasco (Viseu, Portugal, 1475 –Tomar, 1542), pintó una adoración a la que incorporó un cuarto Rey Mago, representante del nuevo continente, con sus plumas, sus tatuajes, sus pinturas, su azagaya, y un cofrecito de madera, quien sabe si con semillas de cacao, en adición del oro, incienso y mirra. El cuadro, por cierto, puede visitarse en el Museo Nacional Grao Vasco, en Viseu, Portugal.

EL CICLO DE LA EPIFANÍA

La Epifanía del Señor es una fiesta religiosa de la Iglesia Ortodoxa y de la Iglesia Católica. En este contexto, se entiende por epifanía la revelación de la presencia del Dios encarnado, es decir, de Jesús hecho hombre frente a la humanidad. Sin embargo, las iglesias católica y ortodoxa relacionan este concepto a dos momentos diferentes.

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La Epifanía a San Juan Bautista en el río Jordán de Nicolás Poussin

.En la Iglesia Ortodoxa, la Epifanía se refiere al momento en el cual Dios revela la procedencia divina de Jesús a través del Espíritu Santo durante el bautismo de Juan

Tríptico de la Adoración, Mpnasterio de Pedralbes, Barcelona


Para la Iglesia Católica, la fiesta de la Epifanía del Señor, que se celebra el 6 de enero, se relaciona con el momento en que Jesús fue dado a conocer a los reyes magos, que también se la llama “la Adoración de los Reyes Magos”

Curiosa representación de la Cabeza de Herodes de Giuseppe Arcimboldo .1566

El Evangelio del Pseudo Mateo, llamado también “Libro del nacimiento de la bienaventurada y de la infancia del Salvador” es un evangelio apócrifo, que cuenta que el acontecimiento tuvo lugar dos años después del nacimiento, un dato que coincide con el Edicto de Herodes mandando matar a todos los niños menores de dos años.

Adoración de los magos 1610 Baltasar de Echave Orio, Museo Nacional de Arte, México

En realidad, nos dice que visitan al Niño en su casa. Ya no está en el pesebre. Se cree que Jesús tendría entre 2 y 3 años, de ahí que fuese ese rango de edad, el determinado por Herodes en la posterior matanza de los inocentes.

Imagen relacionada
“La huida a Egipto” de Giotto Capilla Scrovegni, Padua

Un nuevo mensaje celestial, advirtió a José de la amenaza y éste, llevando a María y a Jesús, huyó a Egipto.


ESCENAS DEL CICLO

Los Reyes Magos Museo Nacional de Arte de Cataluña

1-“El anuncio a los Magos”, es la primera escena del ciclo de la Epifanía, es el momento en el que ven la estrella e interpretan que ha pasado algo importante.
No solo hay evidencias arqueológicas que prueben que los fenómenos que cuenta Mateo en su Evangelio sucedieron tal cual, también historiográficas y, por si fuera poco, astronómicas.

Políptico de la Navidad de Rogier van der Weyden en el Metropolitan de Nueva York

Y aquí hay que recordar lo que preguntaron los Magos al entrar en Jerusalén: “¿Dónde está el Rey de los judíos que ha nacido? Pues vimos su estrella en el Oriente y hemos venido a adorarle”.

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2-La escena del “Encuentro de los Magos con Herodes” también puede aparecer en el ciclo: En el Evangelio de san Mateo también se dice que mientras los Magos estaban de viaje, Herodes el Grande fue informado por sus astrólogos, que habían interpretado las señales del cielo, del nacimiento del Rey de Reyes, y que como el monarca creyó que iba a destronarle decidió matar al niño.

Matteo di giovanni, “matanza de los inocentes por Herodes”. Museo de Capodimonte

Así, cuando se enteró de que los Magos iban a visitarle les convocó en su palacio y les pidió que se lo comunicaran, en cuanto supieran dónde había tenido lugar el nacimiento

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Fra Angélico, matanza de los inocentes. Convento de San Marcos de Florencia
Adoración de los Magos. Hans Multscher, Altar Wurzach. Berlín

3-“la Adoración de los Magos o Epifanía”, la más importante del ciclo por ser una de las cuatro Teofanías o manifestaciones de Cristo como hijo de Dios En el ámbito bizantino el primer rey suele hacer una prosquinesis poniéndose de rodillas o tumbándose en el suelo, como reverencia oriental

“Revelacion del angel a los magos” salterio de Maria de Navarra

4-“En la cuarta escena,” se les aparece un ángel que les anuncia las intenciones de Herodes. En el Sueño de los Reyes, se les representa acostados en la misma cama y con la corona puesta.

Bóveda del baptisterio de Florencia. Epifanía, el Sueño de los Magos y el Viaje de vuelta a Oriente

5-El ciclo, a veces , puede completarse con Los Magos volviendo a Oriente en barco.

foto de Sira Gadea

LA EPIFANÍA EN EL ARTE

ARTE PALEOCRISTIANO
La primera representación de la Adoración, se encuentra en la capilla griega de las Catacumbas de Priscilla en Roma S.II

tres sarcófagos paleocristianos

Sarcófago de Layos (Siglo IV, Toledo), hoy en el Museu Marès de Barcelona; Sarcófago del Cementerio de Santa Inés (Roma, siglo IV); Sarcófago de Isacio.

Iglesia de San Vitale de Rávena, siglo V d.C

BIZANTINO
La iglesia de San Apolinar el Nuevo conserva una serie de frisos realizados en mosaico de tradición bizantina en la que en uno de ellos se representa la adoración de los Reyes Magos.

San Vitale de Ravena S.V, detalle

En esta ocasión, es la primera vez en el arte en que los nombres de los Reyes Magos aparecen inscritos en la misma obra. En época paleocristiana y prerrománica se les representaba ataviados a la moda oriental por considerarlos persas, con gorro frigio o pileus

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Icono de San José

En muchas representaciones, San José suele aparecer, pero en un papel secundario. Puede estar de pie o sentado apoyándose en su bastón. Su alejamiento de la Virgen y el Niño, incluso dándoles la espalda, simboliza que él no es el verdadero padre.

ROMÁNICO

Auto de los Reyes Magos

Una de las principales obras de la dramaturgia europea medieval y la primera pieza teatral escrita en lengua romance, el Auto de los Reyes Magos”, que se conserva en la Biblioteca Nacional de Madrid

Epifanía en el Códice de Roda Academia de la Historia de Madrid

Escrito en la corte de Nájera por encargo de Sancho Garcés II (970-994). Consta de dos partes bien diferenciadas.La primera, de finales del siglo X, se supone elaborada por un monje precedente de San Millán de la Cogolla. La segunda parte es del S.XII Posteriormente pasó a la catedral de Roda de Isábena (Huesca), donde se conservó hasta el siglo XVII, a lo que debe su nombre actual. 

Epifanía. Ermita de la Vera Cruz de Maderuelo (Segovia) s.XII. Museo del Prado

Este es un ejemplo claro de cómo, la idea principal de la Epifanía se reduce a la mínima expresión al representar las figuras fundamentales que son la Virgen y el Niño con tan sólo un rey mago mostrando un presente al Niño. Seguramente que el condicionante del espacio.

Sueño de los Magos en Santo Domingo de Soria

En la imagen siguiente mostramos la dovela de Santo Domingo de Soria en la que se escenifica la escena del Sueño de los Magos con la advertencia del ángel a los Reyes de que no vuelvan a dar cuenta del Nacimiento de Jesús a Herodes y regresen a su lugar de origen por otro lado. Se trata de una escena que aparece con cierta frecuencia dentro del ciclo de los Magos

Frontal del altar de Aviá . Adoración de los Reyes. MNAC 1170-1200


RENACIMIENTO


Giotto: uno de los frescos de la Cappella degli Scrovegni (Padua).
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Fra Angelico: uno de los frescos del Convento de San Marcos de Florencia.
Botticelli: Adoración de los Magos.
Benozzo Gozzoli: la Cappella dei Magi del Palazzo Medici-Riccardi (Florencia).
Los Reyes estan representados por importantes personajes de la época
Resultado de imagen de miguel angel Adoración de los Magos.
Adoración de los Reyes Magos. Domenico Ghirlandaio Galeria Uffizi Florencia
Resultado de imagen de della robbia Adoración de los Magos.
Adoración de los Magos, Andrea della Robbia Victoria and Albert Museum, Londres.
Tríptico de la Adoración de los Magos, de El Bosco (1494, detalle), en el Museo del Prado.

El gran pintor neerlandés El Bosco (Jheronimus van Aken 1450 – 1516) realizó una importante obra conocida por el título de “Trilogía de la Epifanía” o “Adoración de los Reyes Magos”. Data del periodo comprendido entre 1485 y 1500, se compone de tres tablas y está considerado uno de sus trabajos más importantes. En la actualidad puede contemplarse en el Museo del Prado de Madrid.

Adoración de los Magos, por Leonardo da Vinci. Galeria de los Uffizi Florencia
Alberto Durero Adoración de los Reyes, 1504 Galería de los Uffizi

MANIERISMO

Adoración de los Magos por el Greco 1568 Museo Soumaya, Ciudad de México

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Retablo de la Adoración de los Reyes 1523 Alonso Berruguete, Museo de Escultura de Valladolid
Adoración de los Reyes Bartholomeus Spranger, Amberes en 1546-1611. National Gallery de Londres

BARROCO

Los pintores, a lo largo de los tiempos, se han encontrado con un reto importante al abordar este tema pictórico. Tienen que hablar de un evento importante, al tiempo que es un acto doméstico y tierno. Hay que mostrar la magnificencia de los Reyes junto a su séquito pero sin restar protagonismo a lo realmente importante, la gran humanidad implícita en la escena de la presentación del Niño Dios, irradiando ternura, bondad y humildad.

La Adoración de los Reyes Magos. Diego de Silva y Velázquez (Museo del Prado, Madrid)

Aún manteniendo los estereotipos básicos del tema iconográfico, Velázquez acerca mucho más el tema al espectador al convertir tanto a los reyes como a los protagonistas de la escena en personajes contemporáneos al momento de la Sevilla de principios del siglo XVII, tanto en vestimenta como en retratos. De esta manera se piensa que la Virgen es la mujer del pintor (Juana Pacheco) mientras que la cabeza del rey Melchor sería la de su suegro, maestro y pintor Francisco Pacheco

Adoración de los magos 1639 Zurbarán Musée des Beaux-Arts de Grenoble
Peter Paul Rubens. Adoración de los Reyes Magos ,1609 . Museo del Prado. Madrid

La narración de San Mateo, es sencilla y solo habla de unos Magos que viene de Oriente y de la manifestación del Niño Dios a los sabios.Una de las escenas que marca diferencia a este nivel es el cuadro de Rubens, que se encuentra en el Museo del Prado en Madrid. En él todo es exuberancia, sensualidad, poderío y exceso.

Representación de los Reyes y sus pajes, en la típica iconografía napolitana para los belenes

Cortejo de los Reyes Magos, otra representación para belén, por Francisco Salzillo. S,XVIII

NEOCLASICO

Adoración de Goya en la Cartuja de Aula Dei, Zaragoza

Es una de las obras más originales de la etapa de juventud de Goya y la serie consta de once escenas de la vida de la Virgen que se distribuyen como un friso a lo largo de los muros de la capilla del monasterio

LAS RELIQUIAS DE COLONIA

Catedral de Colonia

Los cuerpos de Melchor, Gaspar y Baltasar sufrieron un largo viaje por Irán, Turquía e Italia hasta llegar hace ocho siglos a la ciudad alemana donde se construyó una basílica para honrarlos con pompa y tradición. Desde entonces las reliquias de los Tres Reyes atrajeron una corriente constante de peregrinos a Colonia.

Relicario de los Reyes Magos

Este hecho, ocurrió a comienzos del siglo XII cuando, por orden directa de Federico I Barbarroja, se trasladó los restos de los Reyes Magos desde la basílica de San Eustorgio, en Milán, hasta la catedral de Colonia, con la intención de legitimar el Sacro Imperio Romano Germánico.

Frente del relicario con la escena de la Epifanía

Partes del relicario fueron diseñadas por el famoso orfebre medieval, Nicolás de Verdún, que empezó el trabajo en lo en 1180 o 1181. Tiene esculturas de oro elaboradas de los profetas y apóstoles, y de las escenas de la vida de Cristo. El relicario se completó cerca de 1225.

Cáliz limosnero de Pelegriñón. Museo Diocesano Barbastro

Por último, unas notas sobre los “cálices limosneros”: una tradición en España
Estos cálices también se denominan “de los Patriarcas” y al parecer fue Carlos I quien instituyó la costumbre, mantenida hasta tiempos de Alfonso XIII, de que los monarcas españoles ofrecieran al Niño Dios, el día de la Epifanía, tres cálices como recuerdo del oro, incienso y mirra que los tres Magos de Oriente regalaron al Niño Jesús. Al parecer, tanto Carlos I, como su hijo Felipe II, escenificaban la ofrenda entregando en la Misa Mayor tres cálices de plata sobredorada que contenían las mencionadas substancias
En algunas parroquias de Navarra, como Legasa (1647), Solchaga (1776) y en las Carmelitas Descalzas de Pamplona (1744) y Dominicas de Tudela (1749), existen elegantísimos cálices limosneros.

FUENTES:

https://definicion.de/epifania/https://verne.elpais.com/verne/2019/12/12/articulo/1576167463_021124.html

https://bloghistoriadelarte.wordpress.com/2014/12/27/iconografia-de-los-reyes-magos-iconography-of-the-magi-kings/

https://viajarconelarte.blogspot.com/2016/01/la-iconografia-de-los-reyes-magos-en-el.html

https://depaseoalarte.com/2015/01/05/peregrinaje-a-la-adoracion-de-los-reyes-magos/

https://www.taringa.net/+imagenes/el-extrano-periplo-de-los-restos-reales-de-los-reyes-magos_yy98q

http://arteparnasomania.blogspot.com/2016/01/la-dificil-composicion-de-la-adoracion.html

http://padulcofrade.com/monograficos/reyes_magos/auto_de_los_reyes_magos.htm

BIBLIOGRAFÍA


Rodriguez Peinado, Laura: “La Epifanía” en Revista Digital de Iconografía Medieval, vol. IV

Iglesia Colegial del Divino Salvador (Sevilla)

iglesia Colegial del Divino Salvador, o simplemente de El Salvador, es un templo ubicado en la plaza del Salvador de Sevilla, y constituye la iglesia más grande de la ciudad, después de la Catedral.

La Plaza del Salvador siempre ha sido un lugar privilegiado dentro de la ciudad de Sevilla. Dentro de su perímetro ha albergado mansiones romanas, templos cristianos hispanorromanos, mezquitas, cementerios, hospitales, iglesias cristianas góticas y barrocas, tenderetes de frutas y verduras y todo tipo de comercios que se apiñaban a su alrededor.

Formaba parte del Foro Romano de la ciudad y en ella se encontraba una construcción de tipo basilical en el lugar que ahora ocupa la iglesia del Salvador.

Tambien hubo una pequeña iglesia en los tiempos de Teodorico el Grande, rey de los ostrogodos, de los siglos V-VI, en un nivel superior al anterior. 

En el año 829, debido al aumento de población de la zona, Abd al-Rahman II ordena al cadí de Isbiliya la construcción de una mezquita, que se erige sobre los restos romanos antes citados; Ibn Adabbas sería la mezquita mayor de la ciudad hasta la construcción, en 1.184, de la nueva Mezquita Mayor en los terrenos de la actual Catedral.

Iglesia de El Salvador fachada occidental

Cuando los cristianos dirigidos por San Fernando , conquistaron la ciudad permitieron que siguiera ejerciendo su función esta mezquita de Ibn Adabbas, hasta que en el año 1.340 se instaló en ella la Parroquia del Salvador, que antes había tenido su sede en otro lugar.

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La Plaza del Salvador era conocida también como Plaza del Cementerio o Cementerio de San Salvador, debido a su uso como tal hasta el siglo XVII.

Aparecen entonces las mismas diferencias sociales que en vida: los ricos son enterrados en capillas de los templos cuya construcción o reformas costean; los acomodados reposan en las criptas de esos mismos templos y los pobres son inhumados en el exterior, en el claustro, los patios o las proximidades de la iglesia, que también eran considerados suelo sagrado

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 Delante de la fachada vemos el monumento a Juan Martinez Montañés, imaginero jienense que realizó en Sevilla inumerables obras, entre ellas el Señor de Pasión que se encuentra en la Capilla Sacramental de El Salvador

Monumento a Martínez Montañés - Wikipedia, la enciclopedia libre

Detalle del monumento a Martinez Montañes.

La Inmaculada que porta en sus manos es “La Cieguecita” de la Catedral 

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 Pasillo que accede al patio desde la Plaza del Salvador.

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Hay otra entrada que sale al patio, desde la calle Córdoba que discurre por un estrecho callejón abierto en 1705 como parte del urgente saneamiento de un lodazal que reblandecía los cimientos de la torre

Archivo:Patio de los Naranjos. Iglesia del Salvador, Sevilla.jpg ...

Patio de los Naranjos

De esta mezquita se conserva tan sólo la base de la torre o alminar (unos diez metros sobre el nivel del suelo y otros dos metros por debajo) y restos de arcos y capiteles tanto romanos como visigodos en el Patio de los Naranjos del Salvador

Leyendas de Sevilla: Iglesia Colegial del Divino Salvador -I ...

En las columnas de la galería, de las que no podemos apreciar la basa y en las que los capiteles quedan casi a ras de suelo, podemos apreciar que el pavimento del patio sufrió una importante elevación. Precisamente estos arcos indican que el nivel del suelo del Patio en la época almohade debió ser de unos tres metros inferior al actual.

Patio de los naranjos de la iglesia del Salvador. Sevilla … | Flickr

Vista del Patio de los Naranjos con la fuente en el lugar donde se hacían las abluciones de la antigua mezquita .(Supongo que estaría en un nivel inferior y que la elevaron, o bien pusieron esta nueva, en época cristiana)

La configuración actual del patio es resultado de la adición de numerosas edificaciones y reformas acaecidas a lo largo de más de doce siglos. A su alrededor se distribuyen la Capilla del Cristo de los Desamparados en el costado occidental, las dependencias de la hermandad Sacramental en el frente meridional, la torre campanario que asoma por encima de una serie de habitaciones en el lado Norte, el antiguo Sagrario colegial ocupado hoy en parte por la actual Sacristía y que junto a una antigua capilla funeraria ocupan el frente Este, y las viviendas del párroco, el sacristán y el campanero que aún perviven en el recinto

Flanqueo de capiteles | Mi Otra Mirada

Otra vista del Patio de los Naranjos

En esta imagen se aprecia la longitud de las columnas reutilizadas y rehundidas en el pavimento actual

Patio de los Naranjos de la Iglesia del Salvador - Sevilla

Capitel visigodo reaprovechado de la iglesia de tiempos de Teodorico S.V



Historia. Iglesia de El Salvador - Catedral de Sevilla

Capitel romano de estilo corintio orientalizante

Estos capiteles extrañamente situados casi a nivel del suelo, del que fué Patio de Abluciones de la Mezquita que precedió al templo cristiano, acredita el permanente trasiego de piezas arquitectónicas romanas de todo tipo, en esta parte del nucleo antiguo de la Ciudad, correspondiente al Foro y al Decumanus que seguía el trayecto de las actuales calles Águilas, Alfalfa, Alcaicería y Plaza del Salvador.

En estos mapas, indico donde se encontraban las construcciones romanas y la situación del Salvador

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Recreación de la mezquita de Ibn Adabbas de Ishbiliya

Al igual que la mezquita mayor de Córdoba, constaba de once naves transversales a la qibla y su nave principal era la de mayor altura, separadas entre sí por arcadas montadas sobre viejas columnas hispano-romanas o visigodas. 

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Historia. Iglesia de El Salvador - Catedral de Sevilla

Torre que fué el antiguo alminar.

Restos del oratorio islámico son el patio y el arranque de la torre del templo, con vano geminado en forma de herradura Todavía subsisten los escalones empotrados en el pétreo machón central que constituye la columna vertebral de la torre desde el siglo IX..En la actualidad, la subida al campanario se hace desde el patio, a través de la vivienda del campanero, habilitada en la misma torre y en las galerías del patio.

Archivo:Iglesia del Salvador 003.jpg - Wikipedia, la enciclopedia ...
Campanario sobre el alminar reaprovechado
La Capilla del Cristo de los Desamparados – Patrimonio de Sevilla

Parte superior de la Capilla del Cristo de los Desamparados.

Detalle de la linterna de la capilla del Cristo de los Desamparados, a la que se accede por el patio.

AMBROSIO DE FIGUEROA

Interior de la Capilla del Cristo de los Desamparados.obra de Ambrosio de Figueroa, en la que expone el Crucificado titular. Esta dentro del patio pero al exterior de la Iglesia.

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Mirando de frente a esta parte trasera de la iglesia, a nuestra izquierda, se muestra desde hace poco al público la Capilla de los Pineda.

Capilla de los Pinedas

La vieja capilla funeraria del siglo XV se encuentra muy transformada por la elevación del suelo.

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Debió pertenecer al linaje de los Pineda y muestra la típica estructura de las capillas funerarias ochavadas hispalenses, cubierta con bóveda sobre trompas y el frente norte rehundido en forma de arco apuntado.

El conjunto forma un espacio en el que se mezclan elementos góticos con la tradición constructiva islámica. Detalle de las bóvedas

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Acceso a la cripta de la Sacramental

Cripta de la iglesia

Propiedad de las Archicofradía Sacramental de Pasión se extiende por debajo de la Capilla Sacramental, y en ella están enterrados, entre otros don Carlos de Borbón y Borbón, sus hijos y su esposa doña Luisa de Orlèans, nieta de Fernando VII y abuela de Juan Carlos I.

Debido a esta relación familiar, la Infanta Elena, llevó su ramo de novia y lo depositó en la Capilla de Pasión.

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Estatua de uno de los Padres de la Iglesia: San Jerónimo.(hay tres figuras mas)

Sevilla la Leyenda: SEVILLA MONUMENTAL-ZONA HISTORICA " Iglelsia ...

Planta y alzado de la iglesia del Salvador, donde se detallan las acciones restauradoras que se llevaron a cabo hace unos años y que no se pueden ver bien en esta imagen.(no he encontrado otra de mas resolución)

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Esquina de la Plaza del Salvador con la Plaza de Villegas, Siguiendo por el exterior de la Iglesia . Allí encontramos un chaflán en el que se enmarca una sencilla cruz de madera (la Cruz de las Culebras),

El edificio original de la iglesia del Salvador resistió hasta 1.671, muy dañado por los estragos del tiempo y por los terremotos. Ese año, el arzobispo Antonio de Paino, durante una visita que hace a la Virgen de las Aguas, comprueba el estado ruinoso del edificio y ordena su demolición.

Fue construido de nueva planta en cinco años, de 1.674 a 1.679.año en que con el edificio casi terminado, a las cuatro de la mañana, el templo se hundió totalmente, dejando sólo los muros exteriores

Detalle de la Cruz de las Culebras y el retablo cerámico del Cristo del Amor.

El segundo templo respetaba la planimetría del edificio hundido, esto es, las cimentaciones correspondientes a las tres naves del templo

De estilo barroco, la Iglesia del Salvador presenta tres portadas, correspondientes a las tres naves del edificio

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Portada lateral derecha
La fachada principal, situada a los pies del templo, es de claro sabor manierista. Se encuentra elevada sobre una serie de gradas que sirven para nivelar el terreno.

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Portada principal

Es más alta la central, en cuyo centro se disponen dos ángeles que sujetan un escudo con el Agnus Dei. En cada una de ellas se dispone una ventana circular, más grande la central.

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 Plano del templo, donde se aprecian los nombres de sus dependencias y distintas capillas

En el siglo XIX la Colegiata del Salvador vio subastado su patrimonio económico por la desamortización y esto le llevó a perder fondos económicos para el mantenimiento del templo, y junto con ellos el carácter de colegiata, tras el concordato de 1851. En 1860 se realizó un importante proyecto de restauración. La capilla de la Pasión se restauró por Juan Talavera de la Vega en 1907. Sin embargo, desde 1918 no se realizó ninguna actividad de restauración o constructiva en la Iglesia hasta 1987, año a partir del cual se empiezan a realizar pequeños trabajos de restauración por parte de la Junta de Andalucía

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Nave principal

La entrada para la visita turística se realiza a través de una puerta que existe en el pasillo de entrada al Patio de los Naranjos desde el Salvador. El interior de la iglesia está dispuesto en una gran planta, dividida en tres naves, que a su vez se ordenan en cuatro tramos.

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Retablo Mayor. Cayetano de Acosta, siglo XVIII.

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 En el centro la Transfiguración de Cristo

 Jurídicamente perdió su carácter parroquial, quedando su collación integrada en la de San Isidoro; sólo nominalmente se ha recuperado el título de “colegial”, aunque no el carácter de iglesia colegiata.

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 El Padre Eterno, en el ático del retablo.

Coronando el ático también aparecen más Arcángeles, además de incontables angelillos que ocupan cada rincón del retablo.

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La Transfiguración

Bóveda del Presbiterio Pinturas de Juan de Espinal.

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 El retablo mayor con su bóveda

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Al fondo los Arcángeles Gabriel, Miguel y Seatiel. con un angel lampadario en primer término

El crucero se encuentra cubierta por una cúpula de tambor poligonal, rematada por linterna, también diseñada por Figueroa.

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El crucero se encuentra cubierta por una cúpula de tambor poligonal, rematada por linterna, también diseñada por Figueroa.
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Detalle de la linterna

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Reflejo de las vidrieras en uno de los pilares

Púlpito de marmol

Sobre la puerta de entrada desde la calle, un impresionante órgano de estilo neoclásico rematado con angelitos, y que se sitúa en una tribuna. Fue restaurado hace unos años

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Retablo de la Virgen de la Antigua.

Es réplica de la famosa Virgen que existe en la Catedral de Sevilla. El cuadro está fechado en 1.715 y es atribuido a Juan Ruiz Soriano.

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Virgen de la Antigua. Juan Ruiz Soriano, 1.715.

Está imagen fue muy importante en la América colombina. El propio Almirante y muchos de los “descubridores” eran muy devotos de ella y, por ese motivo, la primera villa estable del continente americano fue llamada en su honor Santa María de la Antigua del Darién (actualmente terreno colombiano).

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 Las figuras del último cuerpo del retablo son san Blas, con las mártires santa Águeda (izquierda) y santa Lucía (derecha), todas del siglo XVII.

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La imagen principal, del Cristo de la Humildad y Paciencia, fue tallada por Antonio Quirós en 1.696. Se inspira en un conocido óleo sobre tabla de Durero, el Cristo de Dolores,de una gran calidad artística, expresando la soledad del Cristo torturado.

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Cristo de los Dolores. Alberto Durero. que se conserva en Karlsruhe, Alemania


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Retablo de Santa Ana y la Virgen niña

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Santa Ana y la Virgen niña

El grupo escultórico de Santa Ana enseñando a leer a la Virgen fue tallado por José Montes de Oca en 1.714. La iconografía de Santa Ana y la Virgen niña es un tema recurrente en la producción de este artista sevillano.

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Retablo de la Virgen del Rocío.

Fue labrado por José Maestre entre 1.718 y 1.731, período en el que recibió varios encargos para “vestir” a la Colegial, que se encontraba prácticamente vacía desde su inauguración en 1.712.Esta imagen preside la peregrinación anual que se hace todos los años en la romería hacia las marismas del Rocio.

  Custodia de Pasión sobre el paso de Cristo, con el retablo del Cristo de los Afligidos al fondo.La canastilla del paso de Pasión sin los cuatro faroles de plata, imagino que para no restar protagonismo a la magnífica custodia de plata de la misma Hermandad. Todo ello protegido por una mampara de metacrilato.     

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Custodia de Pasión.

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Custodia de Pasión

Paso del Cristo de Pasión. Escena de la trasera.    

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Paso del Cristo de Pasión. Escena del lateral derecho.     

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Cristo de los Afligidos Gaspar Ginés, 1.635.    

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Retablo del Cristo de los Afligidos.

Fue originalmente el Retablo de la Cofradía las Ánimas. Se realizó en dos etapas distintas. La primera estuvo a cargo del ensamblador José Maestre, entre 1.721 y 1.724. La segunda etapa fue la reforma realizada por Manuel Barrera y Carmona en 1.786

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Situación de la Capilla Sacramental y a la derecha el Altar Mayor.

En el año 1.726, el Maestro Diocesiano Diego Antonio Díaz analizó una propuesta para la construcción de una nueva Capilla Sacramental y de la Hermandad de las Ánimas que sustituyera a la antigua, frente a la idea primitiva de crear una iglesia en miniatura, paralela a la Gran Colegial (al estilo de la Capilla del Sagrario de la Catedral),

Retablo portada de la Capilla Sacramental. Es de estilo rococó, realizado por Cayetano de Acosta entre 1756 y 1764

Antes que nada, comentar que esta capilla tiene truco. La parte exterior, cerrada con una verja de hierro se visita desde la nave del Evangelio, pero al camarín en el que se encuentra Nuestro Señor de Pasión, se accede por una puerta lateral que se abre en la sala de venta de recuerdos que hay en el Patio de los Naranjos.

  El primitivo retablo interior de la Capilla Sacramental fue labrado por Cayetano de Acosta en 1.756. Se instaló frente a la gran ventana que daba al Patio de los Naranjos, que se cegó en los años 50 del siglo pasado, y que, en origen, conseguía un efecto de “transparencia”

Se sustituyó por el que vemos hoy, de plata, propiedad de los jesuitas, que fue concedido a la Colegiata tras la expulsión de éstos en el siglo XVIII. Es obra del platero Tomás Sánchez Reciente, fechado en 1.753 

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Retablo de plata del Cristo de Pasión desde el interior de la reja.

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Cristo de la Pasión de Juan Martiñez Montañes 1610

Se le refleja en actitud de caminar, con el pie izquierdo apoyado en tierra, mientras el derecho se levanta, y el dedo primero roza levemente el suelo, posición que le ha provocado más de una vez cierta inestabilidad.

En la hornacina central de la capilla, nos aguarda el Cristo de Pasión, imagen en madera esculpida al natural. Es un nazareno de cedro, obra de Martínez Montañés, según testimonio de fray Juan Guerrero, fraile mercedario contemporáneo suyo, y está policromado por Francisco Pacheco, suegro de Velázquez.

Imagen relacionada

Cristo de la Pasión detalle No se trata de un Cristo de Dolores sangrante, ya que simboliza la resignación. La advocación se relaciona con la de una cofradía de Valladolid que en 1.577 recogía los dolores, afrentas y tormentos, sufridos por Cristo durante la Pasión.    

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Capilla Sacramental rincón izquierdo con la imagen de la Virgen de la Merced, cotitular de la Hermandad de Pasión    

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Virgen de la Merced imagen moderna que acompaña al Cristo    

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Cirineo

También nuevo, o mejor dicho, expuesto desde hace poco la imagen del cirineo que encontramos al salir del pasillo, en el rinconcito de la derecha. Esta magnifica obra es una obra de Sebastián Santos que sustituyó a la anterior y que tuvo una vida procesional muy corta, pues solo acompañó al Cristo de Pasión desde 1.970 hasta 1.974.

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San José

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San Juan Evangelista, que acompaña a la Virgen en el paso de palio

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Virgen del Voto

A la derecha del la Capilla Mayor se levanta el retablo de la Primitiva, Pontificia Archicofradía y Real Hermandad de Nazarenos de la Sagrada entrada en Jerusalén, Santísimo Cristo del Amor, Nuestra Señora del Socorro y Santiago Apóstol.

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En el centro del retablo se encuentra la magnifica imagen del Cristo del Amor que tallara Juan de Mesa. Su precio fue de 1.000 reales y es una de las diez imágenes que le fueron encargadas al escultor y uno de los mejores crucificados de Sevilla

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Cristo del Amor

Este discípulo de Martínez Montañés (apenas en doce años, pues murió a los 44 de tuberculosis) dejó obras tan importantes como este Cristo del Amor, el Señor del Gran Poder, el Cristo de la Buena Muerte (Hermandad de los Estudiantes), el Cristo del Buen Ladrón (Montserrat) o el Nazareno de La Rambla (Córdoba) entre otras.

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Cristo del Amor

La advocación alude al mucho amor que tuvo Cristo, pues murió en la cruz por redimir al mundo. El pelícano que está a sus pies simboliza la muerte del Redentor, pues, según la tradición, cuando sus polluelos no tienen qué comer, el ave se abre el pecho, y los alimenta con su sangre

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La Entrada en Jerusalén o como la llaman en Sevilla “la Borriquita”es la otra hermandad compañera del Amor, que procesiona el Domingo de Ramos, con gran expectación de los niños.

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Detalle de “La Borriquita”

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Retablo de la Virgen de las Aguas.

 Virgen de las Aguas S.XIII

Es contemporánea de la Virgen de los Reyes y fueron traídas a Sevilla por San Fernando

Retablo de San Fernando.

Fernando III fue canonizado en el año 1.671. Entre 1.760 y 1.767 José Díaz compuso este retablo a la manera del antiguo gran retablo de la Capilla del Sagrario de la Catedral, hoy desaparecido.

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San Cristóbal. Martínez Montañés, 1.597.

era un mártir cristiano de Asia Menor al que ya se le rendía culto en el siglo V. La leyenda es mucho más pintoresca: Cristóbal (en griego “el que lleva a Cristo”) era un guerrero (hoy diríamos mercenario) de estatura colosal, con gran fuerza física.

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Un día cruza la corriente de un rio, cargado con un insignificante niño. A mitad del río, su peso se hace insoportable y sólo a costa de enormes esfuerzos consigue llegar a la orilla: Cristóbal llevaba a hombros más que el universo entero, al mismo Dios que lo creó y redimió. Por fin había encontrado a Aquél a quien buscaba..

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Santas Justa y Rufina. Jerónimo Hernández, siglo XVI.

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Las figuras de las Santas, atribuidas a Jerónimo Hernández, (finales del XVI) provienen del antiguo Hospital de las Cinco Llagas, actual sede del Parlamento andaluz

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 La Pila Bautismal fue labrada por el cantero Pedro López de Verástegui en el 1.591. Más adelante se modificó con la introducción de una pila menor

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Sacristía Alta

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Cabeza de Simón de Cirene. Juan de Mesa.    

En todo su recorrido podemos contemplar cuadros, tallas, retablos y objetos de culto de gran valor artístico que constituyen el Museo Colegial.

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Cristo del Buen Viaje. Anónimo, finales del siglo XVI.

Cabezas cortadas de San Pablo y San Juan Bautista. Llanos Valdés, 1.670.

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San Pablo. Anónimo sevillano siglo XVII.

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Jarras para óleos. Hernando de Ballesteros, siglo XVI.    

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Arca eucarística de plata. Antonio Pineda, 1.815.

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La parte posterior de la Iglesia da a la Plaza de Jesús de la Pasión antes denominada del Pan, por las panaderías que allí de encontraban. Fué el antiguo zoco en época almohade.

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En ella Miguel de Cervantes ambientó una de sus novelas “Rinconete y Cortadillo” como reza esta placa cerámica.

Vista de la plaza con la iglesia detrás

Antiguas arquerias de la plaza del Pan Las antiguas panaderias se convirtieron con el tiempo en tiendas, sobre todo joyerias y como curiosidad algunas de ellas conservan columnas romanas y algún capitel de las antiguas edificaciones que alli hubo.    

Vista de la cúpula del Salvador desde la Plaza del Pan

Con la última restauración se pretendió dar a conocer zonas habitualmente no accesibles del templo mediante visitas guiadas por personal cualificado. Durante algo más de una hora y media los visitantes se acercan al Patio de los Naranjos, Criptas, Camarín de la Virgen de las Aguas y Cubiertas del Salvador

Fuentes:

Bibliografía:”La iglesia Colegial del Salvador: Arte y sociedad de Sevilla en los siglos XIII al XIX” de Emilio Gomez Piñol 2000

leyendasdesevilla.blogspot.com.es

https://es.wikipedia.org/wiki/Iglesia_del_Salvador_(Sevilla)

http://frdotor.blogspot.com.es/2014/02/fotos-de-sevilla-la-plaza-del-salvador.html

Los encajes

El encaje es definido como un tejido ornamental y transparente que originalmente se elaboraba artesanalmente y se realzaba con bordados. Este se diferencia del bordado sobre tul u otros géneros transparentes en que se elaboran conjuntamente, fondo y siluetas en relieve, siendo una labor de tejido y no de aplicación de bordado.
En sus orígenes éstos encajes se aplicaban en los bordes o entre dos piezas de tela, como un ornamento encajado entre ellas y se le denominaba “randa”, del alemán Rand (borde u orilla).
Los diseños primarios de los encajes terminaban en puntas con forma de picos, ondas o dentellones, es por esta razón que en Francia se conoció con el nombre de “dentelles”, en España como “puntillas”, en Italia se le daba el nombre de “merletto” y en Alemania “spitze” (puntas), pero estas denominaciones sólo se aplicaban a los encajes estrechos que ornamentaron a las gorgueras, boca mangas y a otras piezas de vestir o para la decoración.
Desde el principio se ha tratado de un tejido de lujo, en lugar de una necesidad, y los bienes de lujo pueden establecer su propio precio.

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La encajera o La encajera de bolillos”, es una de las pinturas más conocidas del pintor holandés Johannes Vermeer. Está realizado en óleo sobre lienzo, montado sobre madera. Se calcula que fue pintado hacia 1669-1670.
Se encuentra en el Museo del Louvre (París)

TIPOS DE ENCAJE A MANO:

A) Los encajes de aguja
que se realizan con una aguja sobre una hoja de papel o de pergamino que tenga un dibujo. El encaje sigue los contornos del dibujo sin que los hilos que lo constituyen atraviesen nunca el papel o pergamino. Los hilos con que se fabrica el encaje, es decir, los que forman la primera estructura, se fijan, sin embargo, provisionalmente en ciertos sitios del papel o del pergamino por puntos transversales, para facilitar la ejecución del trabajo. Entre los encajes de aguja, se pueden citar los encajes de punto de Alencon, de Argentán, de Venecia, etc.

B) el encaje de bolillos
Se trata de un tipo de encaje de elaboración tradicional y artesanal. Para realizar este tipo de encaje se necesita una almohadilla, bolillos, alfileres, hebras de fibra vegetal y una plantilla de cartón con el diseño que se quiere realizar. Dentro de este tipo de encaje encontramos el Valencienne o el Chantilly.
El encaje de bolillos es una técnica de encaje textil consistente en entretejer hilos que inicialmente están enrollados en bobinas, llamadas bolillos, para manejarlos mejor. A medida que progresa el trabajo, el tejido se sujeta mediante alfileres clavados en una almohadilla, que se llama “mundillo”. El lugar de los alfileres normalmente viene determinado por un patrón de agujeritos en la almohadilla.

C) El encaje de malla
La malla se remonta al tiempo de los Iberos. Se trata de redes realizadas con hilo, mallero y lanzadera y se trabaja en el aire sobre los dedos.
Castilla y León ha tenido una gran tradición en estos trabajos. Muchas de las mallas genuinas expuestas en museos de otros países y regiones proceden de la nuestra. Generalmente son ejemplares de los siglos XVI y XVII.
La malla llamada de “zurcido” es la más antigua y se llama así debido a que se borda cruzando hilos sobre la red, componiendo así los motivos ornamentales.

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Para encontrar el encaje en nuestra cultura occidental debemos esperar algunos cientos de años hasta la baja Edad Media y comienzos de la Edad Moderna. Lo descubrimos en las ropas de sacerdotes e imágenes y su imagen nos llega a través de la pintura. En los siglos XIV y XV, existen ya muchos inventarios de bienes en diferentes países que mencionan y describen piezas de vestuario elaboradas con encaje.

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Los encajes de aguja
Se realizan con una aguja sobre una hoja de papel o de pergamino que tenga un dibujo. El encaje sigue los contornos del dibujo sin que los hilos que lo constituyen atraviesen nunca el papel o pergamino. Los hilos con que se fabrica el encaje, es decir, los que forman la primera estructura, se fijan, sin embargo, provisionalmente en ciertos sitios del papel o del pergamino por puntos transversales, para facilitar la ejecución del trabajo. Entre los encajes de aguja, se pueden citar los encajes de punto de Alencon, de Argentán, de Venecia, etc.

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Se trata de un encaje de malla que se caracteriza por un fondo de red torcida que corre en una dirección e hilos individuales que corren en otra dirección; los diseños son cosidos sobre el cuadriculado.

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El encaje de malla

La malla se remonta al tiempo de los Iberos. Se trata de redes realizadas con hilo, mallero y lanzadera y se trabaja en el aire sobre los dedos.
Castilla y León ha tenido una gran tradición en estos trabajos. Muchas de las mallas genuinas expuestas en museos de otros países y regiones proceden de la nuestra. Generalmente son ejemplares de los siglos XVI y XVII.
La malla llamada de “zurcido” es la más antigua y se llama así debido a que se borda cruzando hilos sobre la red, componiendo así los motivos ornamentales.

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El encaje de bolillos
Se trata de un tipo de encaje de elaboración tradicional y artesanal. Para realizar este tipo de encaje se necesita una almohadilla, bolillos, alfileres, hebras de fibra vegetal y una plantilla de cartón con el diseño que se quiere realizar. Dentro de este tipo de encaje encontramos el Valencienne o el Chantilly.
El encaje de bolillos es una técnica de encaje textil consistente en entretejer hilos que inicialmente están enrollados en bobinas, llamadas bolillos, para manejarlos mejor. A medida que progresa el trabajo, el tejido se sujeta mediante alfileres clavados en una almohadilla, que se llama “mundillo”. El lugar de los alfileres normalmente viene determinado por un patrón de agujeritos en la almohadilla.

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El encaje es básicamente un tejido, elaborado a base de hilos cuya trama conforma un diseño, ya sea floral o geométrico, el cual habitualmente se obtiene replicando con el mismo tejido algún patrón predeterminado.
Las técnicas más antiguas del encaje son de dos tipos, los que usan un solo hilo y los que usan más de un hilo en su composición.
Los encajes de un solo hilo trabajados con aguja están más relacionados con el bordado pues toman como base una tela de tul

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Los sectores abiertos están formados por redes, mallas o bridas de conexión, mientras que los motivos o figuras están formados por espacios donde el tejido es más compacto. El diseño es producto de la conexión entre ambos.
El tejido de encaje abarca a toda aquella variedad de telas abiertas ornamentadas. A diferencia de otros textiles, puede estar elaborado con distintas técnicas de tejido, como ser el enlazado, trenzado, entretejido, retorcido o anudado de las hebras, con construcción manual o mecánica.

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Bobinas de Flandes realizadas en madera

Utilizadas en la elaboración del encaje de bolillos.

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El éxito de esta técnica llego muy pronto a toda Europa. En el siglo XVIII la moda del encaje era inmensa. En Francia, Sully y más tarde Richelieu, intentaron prohibirlo, llegando a limitar su comercio a los grandes productores de Francia y Flandes.

HISTORIA DEL ENCAJE

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En el Victoria y Albert Museum de Londres, se encuentra el ejemplo más antiguo de encaje encontrado hasta el momento, llamado “el encaje de la momia”. Este encaje se hizo en Egipto muchos siglos antes de Cristo y muestras de él han sido recuperadas de tumbas antiguas. Así que con esta sola evidencia no existe ninguna duda sobre el temprano origen de confección de encajes.

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Su aparición en Europa, referido a varias fuentes, coinciden en situarlo alrededor del siglo XIII, proveniente de oriente y cuya técnica fue inmediatamente adoptada en tierras venecianas. Sin embargo, no encontramos los primeros escritos sobre el famoso encaje de Flandes hasta el siglo XV. La pintura ha jugado un papel clave como testigo en esta búsqueda histórica, ya que podemos encontrar cuadros de los célebres pintores primitivos flamencos -que trabajaron en Flandes en dicha época- en los que se puede observar ya la utilización del encaje. Un buen ejemplo es el archiconocido cuadro del Matrimonio Arnolfini, pintado por Jan van Eyck en 1434,

SIGLO XVI

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En España este tipo de cuellos se llamaron “lechugillas” porque su forma se asemejaba a las hojas de la lechuga. En 1623 Felipe IV cortó por lo sano prohibiendo su uso
A través de los siglos, varios métodos para confeccionar encajes se propagaron gradualmente, principalmente a los países que bordean el Mediterráneo, probablemente en forma de Macramé, no de bobinas.
La técnica fue alterada y mejorada a través de los años hasta que finalmente evolucionó hacia el uso tanto de agujas como de bobinas.
Durante el transcurso del tiempo, la industria de fabricación del encaje de bolillos se extendió por toda Europa y algunos países como Francia y Bélgica, convirtiéndose en una industria muy importante. Tan importante llegó a ser, que Francia atrajo a los trabajadores cualificados de Italia.

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Entre 1563 y 1568 llegaron refugiados a Inglaterra desde España. Ellos eran protestantes, y muchos de estos refugiados fueron capacitados en encaje de bolillos.
 Se establecieron en Devon y paulatinamente se convirtieron en la Industria del Encaje del Sur de Devon. 100 años mas tarde 25 mil encajeras vivían en el area de Devon, esto incluía los habitantes locales que habían aprendido este arte de los refugiados.

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  El extraordinario y creciente uso que se hacía de estas manufacturas en los siglos XVI y XVII para golas o gorgueras, cuellos, vuelillos en las bocamangas, cortinajes, etc. contribuyó al desarrollo de esta industria y a que se fundaran centros muy activos, sobre todo en Italia, Francia, Estados Flamencos, Inglaterra y España.

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S.XVII
La policromía es la característica fundamental del encaje español durante los siglos XVI y XVII. Con toda seguridad, el gusto por el color fue herencia de los árabes.La mayor riqueza le viene dada por unas anillas o frisados que se van intercalando entre los motivos a festón, quedando las mismas en relieve y formando verdaderas filigranas. Es distinto a cualquier otro tipo de encaje debido a que previamente no se colocan hilos de contorno para la fijación.

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Cuello de encaje de aguja S.XVII

Es posible que el encaje de aguja llegara de italia, pero este cuello se realizó en Holanda. . El patrón original se dibuja en papel oscuro, que es cosido en una pieza de lino doble
Muchos tipos de encaje se inventaron durante la época de apogeo del bordado (entre 1500 y 1700) antes de que las máquinas bordadoras automáticas estuvieran disponibles.

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  Su uso tambien se traspasó a la ropa masculina, siendo los encajes muy valorados y de costo muy caro, ya que no sólo se hace a mano, pero a menudo trajo desde lejos. Los principales centros de producción de encajes estaban en Italia y Flandes, estos países todos ellos se han negociado más de Europa, que no podía dejar de afectar la moda de la época.

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Dama luciendo una fina mantilla de encaje con hilos dorados.

S,XVIII

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En el siglo XVIII la moda del encaje era inmensa.En la imagen se representan a caballeros ingleses, a la moda de entonces y era tal su profusión que, en Francia, Sully y más tarde Richelieu, intentaron prohibirlo, llegando a limitar su comercio a los grandes productores de Francia y Flandes. Colbert fue el primero en darse cuenta de que la producción propia del encaje podría dar grandes beneficios para Francia.

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En los siglos XVII y XVIII aparecen nuevos estilos y diseños, llegándose a lo que podríamos llamar la locura del encaje, que se reflejan en los retratos de las grandes damas de cada época, en la descripción de sus ajuares de boda y de sus herencias. También forma parte del vestuario habitual de los caballeros en golas, camisas y pañuelos.

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  Uso del encaje en puños y chorreras en la indumentaria masculina

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Trajes femeninos aderezados de encaje en las mangas, escotes y mantillas

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 En el siglo XIX con el Romanticismo el encaje mantuvo su protagonismo, engalanando las prendas de vestir, capas vestidos, enaguas, guantes, abanicos, sombrillas, sombreros, lencería íntima y del hogar

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La Época victoriana de Gran Bretaña marcó la cúspide de la Revolución industrial británica, con esta industrialización la manufactura de los encajes se perfeccionó y sus motivos se volvieron más orgánicos y sinuosos, destacando los patrones florales y los motivos de paisley. (cachemire)
Un gran impulso recibió la industria en 1839, cuando la reina Victoria encargó su vestido de novia y velo para ser realizados de encaje de Honiton. También ordenó el vestido de bautismo para su primer hijo en encaje, el cual aún sigue siendo utilizado en los vestidos de bautismo de bebes reales.

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Hacia el final del siglo las tendencias de la moda prácticamente convirtieron a las mujeres en objetos decorativos, ornamentadas con encajes.
A principios de 1900, el frufrú de las enaguas con encaje de las bailarinas del Can Can, bastaba para excitar la imaginación de los hombres ardientes. El encaje de Chantilly (hecho a máquina) y en particular el de Valenciennes, eran los más buscados, también los guipures eran muy populares, predominando los motivos florales de chenilla, rosas, lirios y otras flores que adornaban los cuellos, mangas, canesús y las chorreras de encaje realzaban los delanteros de blusas y vestidos; el encaje irlandés era el favorito de las damas de sociedad y solo ellas podían costearlo, la mayoría de éstos era elaborado a mano por las monjas en sus conventos.

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La fabricación de encajes como industria casera estaba en decadencia a principios del siglo pasado, y hacia la década de 1920 el encaje sólo era fabricado por quienes lo hacían para sí mismos. Hacia 1960 sólo quedaban 1 o 2 encajeras que fueran capaces de transmitir sus conocimientos como un hobby. Durante la década de 1980 la fabricación de encajes se convirtió en un pasatiempo de rápido crecimiento, muy popular entre todas las edades, el cual no sólo perdura sino que ha ido creciendo hasta el presente.


ITALIA

Punto de Venecia

Fue el primero conocido en los mercados de Europa y el que más influencia tuvo en sus talleres.
Para realizar el encaje veneciano y otros tipos de encajes se utiliza un tombolo, éste es una almohadilla cilíndrica que en su interior pude llevar un departamento para guardar el material bien sea en forma de cajón o hueco cerrado con una tapa, también utilizan una pieza cilíndrica de madera que se utiliza sobre el tombolo.

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Encaje de Venecia
Al final del s. XVII los motivos estaban más colocados y se unían conectando barras compuestas de hilos torcidos, trenzas o falsas trenzas. Las trenzas tenían a menudo vaguillas.
Tales cadenetas y vaguillas eran realizadas en el encaje de bolillos Veneciano, un encaje resistente hecho en Italia desde tiempos antiguos.

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Encaje de Venecia

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 La Escuela de Encaje de Burano

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Encaje de Burano
.Se obtienen mediante dos técnicas: a aguja que sobre todo sobrevivión en la Isla de Burano y a bolillos que fué el que se dearolló en Venecia y resto de la islas. En Europa fué tan apreciado como su famoso cristal y contribuyó mucho al aumento de su economía.

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Milán S.XVII
Se desarrolla entre finales del s. XVI y principios del XVII.
El encaje de Milán tiene una gran variedad de puntos decorativos en los entredoses como ningún otro encaje. Es esta variedad, además del estilo barroco de sus diseños, lo que hace al encaje de Milán el más bello de los encajes italianos.
El encaje de Milán era generalmente realizado para vestimentas de Iglesias, también era utilizado por la nobleza para acontecimientos especiales.
Los encajes de Milán realizados en Flandes, presentan unos fondos más regulares ya que se hacen todos seguidos y los hilos pasan por encima de la cinta de manera que el revés es el derecho del encaje. En Italia, sin embargo, el derecho es la parte que está a la vista como es corriente en todos los países mediterráneos y que de esta manera permite añadir motivos decorativos en relieve que dotan de gran plasticidad a este encaje.

BÉLGICA

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Kantcentrum (Museo del Encaje de Brujas)

Flandes, y por lo tanto Brujas, pasa a ser un lugar clave en la exportación del encaje, considerándose como la verdadera cuna de este producto. Así, a finales del siglo XVI el sur de los PaísesBajos exporta masivamente encaje a Francia, Alemania, España o Inglaterra. A lo largo del siglo XVII la producción del encaje se extiende por numerosas poblaciones de los Países Bajos, tomando igualmente otras ciudades de su zona meridional, como Lille, un lugar importante.

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Bolillos de Brujas Museo
El nuevo museo del Encaje de Brujas se encuentra en el edificio que históricamente fue la escuela de encaje de las hermanas apostolinas. la cual fue fundada en 1899.

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Brujas
A pesar de todo, la realización del encaje más bello y delicado seguirá siendo el de Brujas, gracias a la utilización de un hilo de lino muy fino y de gran calidad que se producía en Flandes.

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Brujas
De esta forma, los encajes de Flandes tejidos en sus diferentes variantes (a la aguja y de bolillos) serán indudablemente los más apreciados por la exquisitez y maestría en su confección, aunque algunos países hubieran puesto en marcha un sistema de tasas para intentar impedir su monopolio


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Brujas museo
La ciudad del encaje por excelencia, ha sabido conservar este importante arte tradicional en la idiosincrasia de pintoresco lugar que sabe fundir como ninguno su pasado con la época actual. La creación del Kantcentrum en 1970 es una buena prueba de ello. Se trata de un centro dedicado por entero al arte del encaje, que sirve a su vez como museo, escuela y almacén de venta de productos.Sorpréndete con el dato de que en el siglo XIX la ciudad de Brujas contaba con ¡¡87 escuelas de encaje!!

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Punto de Bruselas

Se caracteriza por la finura del hilo que procede de un lino especial y la tendencia a la naturalidad en las figuras y motivos vegetales.

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Encaje de Bruselas vestido S.XVIII

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Bruselas sobre el modelo de papel,a partir del que se va realizando el encaje.

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Punto de Malinas:
El punto de Flandes floreció en Malinas. Se distingue por sus mallas de orificios redondos o hexagonales y por sus flores y hojas naturales que se bordean con un hilo más grueso pero sin relieves.También se fabricaba en Amberes y Lovaina y con hilo más grueso y peor malla en Arras y Lille.

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Encajera” de Caspar Netscher, Galería de los Ufficci (Florencia)

 A veces llamado Gaspar, fue un importante pintor holandés del Siglo de Oro. Es un período, dentro del siglo XVII de estilo barroco, que se caracteriza por un movimiento cultural que trajo considerable progreso en la ciencia, en el arte y en la economía holandesa. Netscher era un artista comparable con Rembrandt (1606-1669) y Johannes Vermeer (1632-1675).

FRANCIA

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El encaje de Cluny (Francia)

Es de origen francés, las características de sus picados son compatibles con nuestro encaje popular, muy ligero y delicado, con flores, trenzas y puntillas (lazos de hilo muy pequeños).Se puede realizar con los materiales que usamos para nuestro encaje.Como todo encaje tiene su propia técnica, esta es compatible en muchos aspectos con nuestro encaje popular, pero la perfección de este encaje solo se puede alcanzar siguiendo su técnica.Este encaje es del tipo de hilos continuos.

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Punto de Alençón o punto de Francia.
El encaje de aguja de Alençon se fabrica con una técnica artesanal única en su género, practicada en la ciudad de este nombre, que está situada al noroeste de Francia, en la región de Normandía. Este encaje de aguja debe su excepcionalidad al alto nivel de competencia artesanal que requiere, así como al larguísimo tiempo necesario para su producción (siete horas por centímetro cuadrado). Las piezas de textil con calados realizadas con esta técnica se utilizan como ornamentos religiosos o profanosDesde el siglo XVI, se trabajaban los encajes en diversas poblaciones de Francia pero desde 1665 prevalecieron los talleres de Alençon, imitando a Venecia. Se distingue de ésta en dar más precisión y naturalidad al dibujo.

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El encaje de Valenciennes
Es un tipo de encaje de bolillos que se realiza sobre una almohadilla, en una sola pieza continua: junto con la réseau (el fondo en forma de red) se realiza la toile (el patrón de dibujos). Se originó en Valenciennes, en el departamento de Nord de Francia, y floreció de 1705 a 1780 y más tarde la producción se trasladó a Bélgica en los alrededores de Ypres

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Cuello francés en encaje Valenciennes

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Encaje de Valenciennes  S.XVIII

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El encaje Chantilly
Una variedad de este tipo de puntilla seria el llamado “Chantilly”, creado a principios del siglo XVII a la sombra del castillo de Chantilly en Francia. Se solía hacer en negro, y algunas veces en blanco, con hilo de seda. Hoy en día se encuentra en medidas de 1,10 m de ancho para realizar chales, velos y vestidos de novia. Es un encaje de bolillos hecho a mano, con abundancia de detalles y un patrón generalmente de flores. Una tradición que data del siglo XVII. Aunque se llama encaje de Chantilly, la mayor parte del encaje que lleva este nombre se hizo realidad en Bayeux (Francia) y en Geraardsbergen (Bélgica).

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Encaje de Chantilly
En el siglo XVII la duquesa de Longueville organizó la fabricación de encajes de Chantilly. Se puso de moda durante los reinados de Luís XV y Luís XVI, cuando los fabricantes eran vistos como protegidos de la familia real. Con la Revolución, a las cabezas de Madame du Barry y María Antonieta, siguieron las de las encajeras de Chantilly.
Napoleón I patrocinó reposiciones de encaje Chantilly, especialmente entre los años 1804 y 1815, concentrando la producción en Normandía, alrededor de la zona de Bayeux.

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Punto Colbert. 

Llamado así en memoria del ministro de Luís XIV, Juan B. Colbert que tanto favoreció estas industrias en Francia desde 1661. Se caracteriza por el gran relieve de sus dibujos.

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Colbert

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La técnica Soutache es muy antigua, desde el siglo XVIII se utilizaba en bordados de trajes de época aunque hoy sie usa para decorar prendas y tejidos de alta costura. Su nombre se traduce del francés como trenza. El bordado soutache consiste en coser con puntadas invisibles cordones sujetando piezas de bisutería o abalorios de diferentes colores y tamaños (camafeos, cuentas, perlas, cabuchones…).


 

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Güipure:
 se caracteriza por la ausencia de fondo, se trabaja al aire sobre los hilos como una telaraña, por lo cual, el provisional desaparece una vez terminado, los tejidos se sostienen entrelazados entre sí. Hojas de guipur Los diseños de guipur pueden estar hechos sólo con hojas de guipur o bien se combinan con fondos. Cuando los motivos de guipur ocupan vanos los fondos generalmente están hechos con torsiones y trenzas, éstas adornadas muchas veces con pequeñas anillas y en los cruces se hacen milanos -vilanos o arañas- de forma triangular. Encajes de guipur son los de Puy -que pasa a Madagascar- y Cluny en Francia y los de Génova y Venecia en Italia En España se hacen encajes de guipur en Camariñas y Almagro.

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Macrameé
La palabra macramé es de procedencia árabe. Su antigüedad se remonta a los asirios. El macramé se trabajó mucho en España y tuvo un gran arraigo en Castilla y León durante los siglos XVI y XVII.Se han hallado muchos ornamentos sagrados adornados con este encaje, sobre todo destinado a flecos y borlones. En épocas posteriores, durante los siglos XVIII y XIX, su uso se limitó a prendas del hogar, por lo general a flecos de toallas, de los que hay gran abundancia.

REINO UNIDO

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Encaje elaborado en Reino Unido se trata de una variedad inglesa muy delicada y con muchas flores.Honiton es una pequeña ciudad comercial en el condado de Devon en el suroeste de Inglaterra, que ha dado su nombre a un tipo de encaje de bolillos realizado preferentemente en aquella zorna. La primera referencia a los encajes de Honiton proviene de una lápida del cementerio de la ciudad en dondeaparece el nombre de John Rodge, un “vendedor de bonelace” (“bone lace”, literalmente “encaje de hueso”, era un nombre común para el encaje de bolillos, ya que las bobinas se hacían a menudo de huesos de animales)
Es evidente que los encajes de Devon eran de buena calidad aunque no tenemos ninguna muestra de la producción del siglo xvii. Probablemente eran parecidos a los encajes de bolillos flamencos de la época

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Honiton
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Encaje de Bedfordshire S.XVII

Muchos refugiados llegaron a Inglaterra después de la Revolución Francesa de 1794 a 1795. La industria del encaje de Midland fue iniciada por grupos de refugiados que deambulaban desde el norte hasta Bedfordshire
Tiene líneas que hacen olas y puntillas (para dificultar la copia por máquinas.

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Encaje Bedfordshire (beds) –
tiene líneas que hacen olas y puntillas (para dificultar la copia por máquinas.



RESTO DE EUROPA 

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Encaje de Slovaquia, tambien realizado sin fondo

HOLANDA

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Encajera de bolillos

El encaje de Amberes es un encaje de bolillos, continuo, que se distingue por sus motivos estilizados sobre un fondo de estrellas de seis puntas. Tiene su origen en Amberes, donde en el siglo XVII se estima que el 50% de la población estuvo involucrado en la confección de encaje.
En 1585 la producción de encaje de Amberes se detuvo debido a la caída de la ciudad bajo el control español. Los holandeses cerraron el río Escalda y canalizaron la navegación fluvial entre Cambrai y Valenciennes, en beneficio de la exportación de lana de Valenciennes, la tela y las bellas artes.

DINAMARCA

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Punto Tonder: 
  Las características de este encaje son fondo de toul. Para realizarlo lo hacemos en base al picado, teniendo en cuenta que debemos tener al lado el diagrama de colores que precisamos seguir para realizar dicho encaje.Este encaje entra en el tipo de hilos continuos. Materiales: Almohada plana, bolillos finos, alfileres pequeños e hilo fino.

MALTA

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Encaje Maltés

RUSIA

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Encaje de Rusia

ESPAÑA

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Punto de León

Estos Puntos de España se realizaron con bolillos durante los siglos XVI y XVII. Hebras de oro y plata retorcidas de varios gruesos fueron los principales materiales utilizados para su elaboración. También se empleó el metal en forma de laminilla (llanta), que los vendedores envolvían directamente en un bolillo especial destinado a tal fin, así como torzal y canutillo de diferentes gruesos mezclados a menudo con sedas de colores y lentejuelas.

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Encaje extremeño

A pesar de las diversas pragmáticas que prohibieron o limitaron el uso de los encajes, el clero y la nobleza siguió usando y abusando de los mismos, utilizándolos incluso en la ropa interior. Los Mendoza y Cisneros los impusieron en catedrales e iglesias, y la nobleza adornó sus cuellos, puños y bandas con ellos.

ALMAGRO

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Durante el siglo XVII fue cuando más auge tenía el uso del encaje de bolillos en las vestimentas aunque se dice que llegó mucho años antes traído de los Países Bajos y por Carlos I. El encaje como labor remunerada existía ya a fines del siglo XVI y principios del siglo XVII en La Mancha, pues Cervantes, en El Quijote nos ofrece dos citas que así lo confirman: “cómo es posible que una rapaza que apenas sabe menear doce bolillos de randas…”; “…Sanchica Panza gana haciendo puntas ocho maravedíes, ahorros que va poniendo en una alcancía para ayuda de su ajuar”.


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Encaje de Almagro
El uso del encaje de bolillos en la vestimenta tiene su máximo esplendor en el siglo XVII, como se aprecia en algunas obras de Velázquez. En el siglo XVIII y XIX se desarrollará en especial el uso de las espléndidas mantillas de blonda

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El frisado de Valladolid

Queda englobado dentro de los Puntos de España, está realizado con metales nobles y sedas. La fastuosidad y riqueza es natural, debido al uso que estaba destinado: ornamentos sagrados que debían realzar la perfecta policromía de los altares. Las piezas conservadas así lo atestiguan.La mayoría se hicieron con plata sobredorada, que mezclada con sedas polícromas adquiría un maravilloso efecto. La hebra metálica que sirve como guía, se deja ver entre los puntos de festón y también en los anillados planos, que habitualmente forman y unen los motivos del encaje o sirven de ornamentación.

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Encajes de Segovia

Estos encajes se elaboraron en Segovia durante los siglos XVI y XVII.Su dibujo es muy sencillo y el punto empleado es a base de trenzas. Aparece en dechados, camisas noviales, manteles y frontales de cama.Los colores más característicos son el azul, el melado, el blanco y el rojo..

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Soles de Salamanca

Los soles de Salamanca se realizaban ya en los siglos XV y XVI. En el siglo XVII alcanzaron su perfección y fueron muy populares en los siglos XVIII y XIX. Aunque se denominan “Soles de Salamanca”, se realizaron en toda la región de Castilla y León, así como en Extremadura y Cataluña. Los soles de Tenerife y Paraguay derivan de ellos, pero su realización es mucho más sencilla al haber adoptado técnicas diferentes a las nuestras

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 El Punto de Tordesillas

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Una muestra de Punto de Tordesillas se encuentra como encuadernación del Libro de Horas de doña Ana de Austria, conservado en la Bibliothèque de l’Arsenal, de París.
Se trata de un encaje realizado a la aguja con hebras metálicas y sedas polícromas. El colorido le da cierta espectacularidad, utilizándose distintos tonos de un mismo color en degradación


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Encaje Torchon
Muy conocida por sus hermosas redecillas a menudo geométricas.Torchon es un encaje de bolillos que se hizo en todo Europa. Un encaje continuo, simple y de líneas rectas hechas al mismo tiempo que el fondo.Es el típico de Camariñas.

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CAMARIÑAS (La Coruña)

El encaje de Camariñas es un encaje de bolillos hecho a mano entrelazando hilos sobre una almohada siguiendo un dibujo previamente realizado en cartón o picado. Los bolillos pueden ser desde 12 hasta 200. Cuantos más bolillos, más complejidad. El hilo más empleado es el de algodón, aunque también se utilizan en menor medida seda y lino.
Torchon – muy conocida por sus hermosas redecillas a menudo geométricas.Torchon es un encaje de bolillos que se hizo en todo Europa. Un encaje continuo, simple y de líneas rectas hechas al mismo tiempo que el fondo.Es el típico de Camariñas.

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Encaje de Camariñas con su papel de copia.

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Estos apreciados encajes (mantelerías, pañoletas, juegos de cama, paños), con mil combinaciones de dibujo y tono, que nos traen el lejano recuerdo de un “Chantilly” o de un “Valenciennes”, dicen que se deben, originariamente a la antigua influencia navegante de la artesanía flamenca con el puerto de Camariñas.


ISLAS CANARIAS

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El calado es una de las actividades artesanales más importantes de las Islas Canarias. El trabajo del calado consiste en deshilar una pieza de tela, de lino o algodón, logrando diversos y complicados dibujos sobre la trama de la misma. Estos dibujos parecen inspirados muchas veces en la flora o en motivos arquitectónicos.
Aportación de Francisco Javier Feliu Toledano

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LITÚRGICOS

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Encaje para mantel de altar

Un apartado especial y muy importante, dentro de la utilización del encaje, es para la confección de ropajes y ajuar litúrgico, casi siempre realizado por religiosas en los conventos y que consistía en roquetes, manteles de altar, albas y sobre todo en Andalucía, ornamentos para vestir a Vírgenes , Niños Jesus y otras imágenes.

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Los encajes conventuales de los siglos XVII y XVIII están realizados generalmente con hebra muy fina y resultado de la evolución de los encajes flamencos. Son de hilos continuos y los diseños generalmente florales.


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Encaje entredos de bolillos con la Inmaculada rodeada de ángeles, a ambos lados lleva una decoraccion a manera de pinaculos calados y dos corazones.En la parte inferior va la leyenda: VERCINE INMACULATA MIRACULOSA. En la parte superior lleva una cenefa de entredos a bolillo

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Antiguo mantel de altar realizado hacia 1900 Se adorna con encaje de hojilla de oro, en tres de sus lados, con diferentes motivos : Florales, arquitectónicos, etc.Para realzar su brillo, el encaje se superpone sobre un entramadado en plata.

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Roquete: de soberbia factura, con el escudo de León XIII, de un Arzobispo y de dos localidades francesas.

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Mantel de altar de encaje de Milán  Victoria & Albert Museum (Londres)

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LAS MANTILLAS

Los orígenes de la mantilla pueden remontarse a la cultura ibérica, en la que las mujeres usaban velos y mantos para cubrirse y adornarse la cabeza. Posteriormente, durante toda la Edad Media, la mujer siguió usando tocados muy variados, algunos de ellos con ciertas influencias árabes.A finales del siglo XVI el uso del manto, denominado ya por aquella época mantilla de aletas, se generalizó en toda España al considerarse una prenda más dentro de los trajes populares.En el siglo XVII empiezan a usarse las mantillas de encaje, como se aprecia en algunos retratos femeninos de Velázquez, formando parte del guardarropa de algunas mujeres elegantes

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LA MANTILLA

La Reina Isabel II de España, luciendo una mantilla
Fue, pues, en el siglo XIX cuando la mantilla adquirió una relevante importancia como tocado distinguido de la mujer española. La reina Isabel II, gran aficionada a los encajes, impulsó en gran manera el uso de la mantilla. Tanto ella como sus damas la lucieron en numerosos actos, como se manifiesta en varios retratos de la reina plasmada por sus pintores con esta singular prenda.

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Mantilla de encaje de Bruselas

Sin embargo, su uso no se generalizó a las damas cortesanas y de alta condición social hasta bien entrado el siglo XVIII, pues hasta entonces la mantilla era usada casi exclusivamente por las mujeres del “pueblo”. Fue también en este siglo cuando las mantillas de paño y seda fueron sustituidas totalmente por las de encaje.

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Mantilla de blonda

A partir de 1868 el uso de la mantilla se abandonó en algunos lugares. No obstante, en Sevilla y otras ciudades de Andalucía continuó gozando de gran predilección. Algo que también ocurrió en Madrid, donde el empleo de la mantilla estaba tan arraigado a las costumbres que las damas de la nobleza madrileña la convirtieron en símbolo de su descontento durante el reinado de Amadeo de Saboya

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El encaje de Blonda se elabora con dos tipos de seda (retorcida y mate para hacer el tul del fondo y brillante y lasa para los dibujos), y se caracteriza por los motivos grandes de tipo floral, especialmente por los bordes con amplias ondas, llamadas puntas de castañuela

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La pieza estrella de la blonda es la mantilla almagreña, aunque también se hacen pañuelos, aplicaciones decorativas y abanicos.
La mantilla se hace mediante tiras que suelen medir entre 7 y 15 cm. de ancho.
Para unir estas tiras se emplea un punto especial llamado Punto de Ingerir o Entolar.
Y consiste en unir las “asillas” o medio punto de tul de los bordes de cada tira, formando un punto de tul completo de manera que la unión resulta totalmente invisible.
Los extremos de la mantilla terminan en ondas de una belleza exquisita.
Los anchos y las terminaciones de estas puntillas son muy diferentes, pueden tener ondas en uno o dos lados. Cuando la puntilla pasa a tener metraje se convierte en blonda.

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Tambien se utiliza mucho el encaje de Chantilly, que es un encaje más etéreo que la Blonda, y se considera más elegante para la mantilla negra.
Un tercer tipo de mantillas es el de las bordadas en tul. Aunque vulgarmente a estas mantillas se las califica como de encaje, hay que aclarar que únicamente su fondo de tul se incluiría dentro del encaje, pero no así su .ornamentación, ya que los motivos se van bordando    

Fuentes

http://cesartaibo.blogspot.com.es/2012/03/encajes.html

http://elbauldelasantiguedades.jimdo.com/

https://sites.google.com/site/encajesa

http://www.museoencaje.com/los-encajes/tipos-de-encaje.html

http://elprofeabdon.blogspot.com.es/…/el-encaje-y-su-histor…

Iconografía del Niño Jesús

La iconografía es la ciencia que estudia el origen y la formación de las imágenes, las relaciones de las mismas con lo alegórico y lo simbólico, así como sus respectivas identificaciones por medio de los atributos que casi siempre las acompañan.
Muy poco aportaron los Evangelios canónicos a la iconografía del Niño Jesús, como consecuencia de la restringida información y extrema parquedad con que en ellos se trata su infancia, evidenciando el escaso interés de los evangelistas por los primeros años de Jesucristo. Marcos y Juan no hacen alusión alguna, mientras Lucas y Mateo, aparte de las escasas noticias sobre el Nacimiento y las Adoraciones, tan sólo hacen algunas referencias breves e inconcretas sobre episodios de su niñez, entre ellos la Circuncisión, la Imposición de su Nombre, o su presencia entre los Doctores.
Es patente que desde tiempos muy antiguos los católicos hemos tenido mucha devoción al Divino Niño Jesús, y hemos honrado su santa infancia.
En la Antigüedad, el Arte Romano nos ha dejado muestras de representaciones de carácter religioso, en las que se puede apreciar cierta analogía con la forma de realizar posteriormente las imágenes del Niño Jesús, ya que en ambas se ve englobado el sentido del dominio universal. Podemos citar las figuras de dos infantes: uno de la familia del Emperador Trajano y el otro, del también Emperador, cuando niño, Marco Aurelio. Se les representa con el globo imperial en la mano, corona laureada y reclinados sobre troncos de palmera. Estas figuras se encuentran integradas en la colección Brummer, de Nueva York, y en la Galería Borghese, de Roma, respectivamente

Vamos a intentar  un sencillo acercamiento a los orígenes y tipología de las imágenes exentas del Divino Infante, haciendo especial hincapié en la tradición de su presencia casi constante, en nuestros conventos.

El culto al Niño Jesús es muy antiguo, uno de los ejemplos más arcaicos le encontramos en la iglesia de Santa María de Aracoeli (Roma), que según la tradición, fue esculpido en un trozo de olivo del Huerto de Getsemaní, obra del siglo VII y se expone durante las fiestas navideñas en el Belén.

 Hacia el año 1200 San Francisco de Asís dispuso recordar con mucha solemnidad la Navidad haciendo un pesebre lo más parecido posible al de Belén y celebrando así entre pastores, ovejas, bueyes y asnos la misa de la medianoche, que se veneraba al Niño Jesús en la iglesia de Greccio, como uno de los ejemplos barrocos de la devoción a las imágenes infantiles del Señor.

Imagen de San Antonio con el Niño Jesús S.XIX

También, San Antonio de Padua fue un devoto tan entusiasta del Niño Jesús que según las imágenes que de él se conservan, mereció que el Divino Niño se le apareciera. La representación de Antonio de Padua en el arte pictórico o escultórico ha conocido una cierta evolución en algunos de los símbolos característicos. Antonio aparece en las primeras representaciones, además de vestido con el hábito franciscano (sayal y cíngulo que lo ciñe), con el libro de los Evangelios.

LOS PRECEDENTES

Fué en el Renacimiento, cuando en Italia, Flandes y España comenzaron a crearlos como estatua exenta para ponerlo en el foco de la devoción religiosa.

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Los precedentes más directos les encontramos en el Renacimiento italiano, más concretamente durante el Quattrocento, a partir de las figuras infantiles de Andrea del Verrocchio (1435-1488), que recreó distintos tipos clásicos de amorcillos romanos (putti) para presidir algunas fuentes.

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Francesco di Simone Ferrucci (1437-1493) también trabajaría en mármol algunas figuras de Jesús Infante con los atributos de la Pasión, siempre en un formato que apenas sobrepasa el medio metro de altura

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 Fue Desiderio da Setignano (1430-1464), formado en el círculo de Donatello, el pionero en elaborar una serie de imágenes del Niño Jesús en madera y mármol.

 LOS NIÑOS JESÚS DE MALINAS (BÉLGICA)

La producción italiana de figuras infantiles durante el siglo XV tuvo su contrapunto en la ciudad flamenca de Malinas, en cuyos talleres se comenzaron a elaborar unos modelos inconfundibles en madera en torno a los 30 cm

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Niño Jesús de la escuela de Malinas, s.XVI, perteneciente al convento de Santa Isabel de Toledo, llamado el “risitas”

Niño Jesús de la Bola Escuela de Malinas S.XVI en marfil tallado y dorado.

  Con una anatomía esquemática de anchas caderas, brazos en actitud de bendecir, rostros sonrientes, ojos rasgados y cabellos rubios y rizados. estas figuras tuvieron una gran difusión -sobre todo para la devoción particular llegando muchas de ellas a España.

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Niño Jesús ensimismado” colección particular

Será el siglo XVI el que contemple esencialmente la aparición de la iconografía y se continúe con gran auge durante los siglos siguientes.  

LOS GRANDES MAESTROS IMAGINEROS ESPAÑOLES

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Niño Jesús del Sagrario de Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 1568 – Sevilla, 1649)

La cabeza y el busto son de estaño policromado. Descansa sobre peana en madera tallada y dorada y lleva vara de plata.

Se encuentra en la Capilla del Sagrario, adosada a la Catedral Hispalense , con especial protagonismo en los desfiles del Corpus.
El gran imaginero que tantas imágenes realizó, dentro de la Escuela Sevillana, hizo varios Niños Jesus, llamados “Montesinos” siendo el que aparece en la imagen, el mas famoso.

Durante el manierismo, en Sevilla se creó lo que podemos llamar el prototipo del Niño Jesús como escultura exenta destinada al culto, un paradigma muchas veces copiado (sin lograr del todo su calidad expresiva) y “exportado” a muchas regiones del Imperio Español. Se trata de una magnífica obra de Juan Martínez Montañés quien esculpió su famoso Niño Jesús de madera de cedro en el año 1606 o 1607. Hoy se encuentra en la Iglesia del sagrario al lado de la Catedral sevillana.

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Niño Jesús del Sagrario de Martinez Montañés vestido como Niño Eucarístico

Portando un cáliz y una hostia está concebido para presidir las celebraciones del Corpus.
El célebre Niño Jesús que realizara en madera Juan Martínez Montañés en 1606 para la Hermandad Sacramental del Sagrario de Sevilla, la imagen barroca infantil más bella de cuantas se hicieron en Andalucía y la más airosa de España, una auténtica joya de la imaginería a pesar de su aparente simplicidad.

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Juan Martínez Montañés (Alcalá la Real, Jaén, 1568 – Sevilla, 1649)

Talla en madera con la cabeza y el busto de estaño policromado. Descansa sobre una peana en madera tallada y dorada y lleva vara de plata.

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Dulce Nombre de Jesús, titular de la Hermandad del Santo Entierro de Pilas

. Conocido como Niño Dios de las Carreritas. Obra anónima atribuida a Martínez Montañés. 

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Niño Jesús bendiciendo, de Juan de Mesa, discipulo de Martinez Montañés (Escuela sevillana S.XVII
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Huesca, Convento de Santa Teresa Niño Jesús, s. XVII

De la exposición “Signos, Arte y Cultura en Huesca”, 1994, ficha catalográfica de Belén Boloqui Larraya.
(No se menciona su autor, pero por su aspecto podria tratarse de un modelo de Mesa o Montañés.o al menos copia de ellos.)

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Niño Jesus atribuido a la Roldana (Escuela Sevillana) S.XVII Hermandad de la Redención de Huelva

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Niño Jesús Triunfante bendiciendo Atribuido a Alonso Cano (Granada, 1601-1667)

Entre 1634 y 1666 Peltre policromado Museo Nacional de Escultura, Valladolid

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Ya el pleno barroco nos traerá multitud de ejemplos, como el de la Hdad. Sacramental de San Juan de la Palma , obra de Francisco y Gaspar Dionisio de Ribas, donde el movimiento de los ropajes y la peana en forma de nube con querubines aportarán nuevos elementos a los modelos más afamados y del gusto de las corporaciones religiosas. Es costumbre que muchas Hermandades de la Semana Santa andaluzas, tengan un Niño Jesús entre sus imágenes. 

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Hermandad del Dulce Nombre –hoy de la Quinta Angustia– encarga al escultor Jerónimo Hernández la imagen del Niño Jesús, la primera de esta iconografía realizada en la ciudad.de Sevilla

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Francisco Salzillo. Niño Jesús del corazón. s.XVIII. Colección particular

El Niño Jesús del Corazón es uno de los temas más fascinantes, pero, por el contrario, más recientes en el corpus iconográfico cristológico.

LOS NIÑOS JESÚS CONVENTUALES:

El Niño Jesús entregando atributos de la Pasión a Santa Teresa de Jesús y a San Juan de la Cruz The Bowes Museum, en Durham (Inglaterra)

Es un cuadro muy raro, representa al Niño Jesús entregando signos de su pasión a santa Teresa de Jesús y a san Juan de la Cruz. El niño lleva puesto un roquete transparente con bordados, que deja ver todo su cuerpecito ( seguro que para el pintor o para los comitentes tenía algún significado) Los santos que más contribuyeron a difundir la devoción al Niño de Belén fueron Santa Teresa y San Juan de la Cruz, asi Teresa le tenía un amor tan grande al Divino Niño que un día al subir una escalera obtuvo tener una visión en la que contemplaba al Niño Jesús tal cual había sido en la tierra.

Imagen relacionada
Niño Jesús “el Lloroncito” de Santa Teresa. Convento de San José de Toledo

En recuerdo de esta visión la santa llevó siempre en sus viajes una estatua del Niño, y en cada casa de su comunidad mandó tener y honrar una bella imagen del Niño Jesús que casi siempre ella misma dejaba de regalo al despedirse. La hermosa imagen -que recuerda justamente al Niño Jesús de Praga, porque con su mano derecha bendice y con la izquierda sostiene un globo

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Niño Jesús de las Carmelitas de Sevilla

 Asi en museos carmelitas los Niños Jesús, cada uno bautizado con un apodo acorde con su iconografía o alguna de sus características, han sido vestidos de blanco, como se venía haciendo con motivo de la Pascua en los conventos del Carmelo Descalzo desde que fundara la orden Santa Teresa de Jesús. (Museo del Convento del Santo Angel de Sevilla)

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Era tradicional que algunas de estas imágenes fueran aportadas a la comunidad, durante el ingreso de las religiosas, como dote simbólico de su “matrimonio” con Cristo, dependiendo de las posibilidades económicas de las familias la calidad del escultor encargado de la talla y la riqueza de sus accesorios. Su presencia se implantó en todas las dependencias del convento: cocina, costura, lavandería, coro y en las propias celdas

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Curioso Niño Jesús articulado para vestir Escuela española,S. XVII. “Niño Jesús tipo melancólico”

En madera tallada policromada y dorada, con sistema articulado en brazos y piernas, cara de plomo y ojos de pasta vítrea

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Niño Jesús S.XVII Convento de las Carboneras del Corpus Christi (Madrid)

La presencia de pequeñas esculturas representando al Niño Jesús en las clausuras femeninas es un fenómeno extendido y en el que muchas veces se ha reparado, desde el punto de vista de la investigación, la devoción y la religiosidad popular. Acompañando el ajuar de las profesas, las representaciones del Niño Jesús servían de entretenimiento devoto y la posibilidad de modificar su ornamento y de trasformar su aspecto, suponían una agradable distracción.

Niño Jesús del Carmen, anónimo S.XVIII Convento del Santo Ángel de Sevilla
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Niño Jesús de las Carmelitas Descalzas, conocida popularmente como «Las Teresas»de Ecija

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Niño Jesús dormidito sentado Convento de Santo Domingo de Cadiz

Resultado de imagen de Niño Jesús de escuela española de fines del siglo XVI, perteneciente al convento de las Descalzas Reales de Madrid
Niño Jesús de escuela española del siglo XVI, convento de las Descalzas Reales de Madrid

En muchos monasterios femeninos era habitual la presencia de imágenes
del Niño Jesús
en las dotes de las religiosas; reflejo de ello son el largo
centenar de esculturas que se conservan en las Descalzas Reales. En esta
extensa colección se reúnen obras desde el siglo XVI hasta el XX, que
muestran muy variadas iconografías según los gustos artísticos y las
corrientes devocionales de cada época.

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Niño Jesús en Majestad del Monasterio de las Descalzas de Madrid

Las Descalzas Reales fué fundado a mediados del siglo XVI por la hija de Carlos V, doña Juana de Austria y contiene una preciosa colección de imágenes del Niño Jesús. Unos están desnudos, otros están cubiertos con pequeñas túnicas o camisas, los más suntuosamente vestidos con bordados y encajes; y mientras unos son delgados, otros son regordetes o decididamente obesos y con la cabeza llena de rizos.

EL CICLO LITÚRGICO EN LOS CONVENTOS

Resultado de imagen de En el monasterio de Santa Isabel de Madrid, se guarda esta imagen del Niño Jesús, tallada en madera en el siglo XVII.
Niño Jesús “Dormidito” Monasterio de Santa Isabel de Madrid

El ciclo liturgico era celebrado por las religiosas: Entre las actividades del Adviento figuraba en primer lugar la “Canastilla mística”, incitación a las religiosas a practicar la virtud mediante la realización de un pequeño sacrificio elaborando una prenda u ornato para una figura del Niño Jesús.

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Altar de las “Jornaditas· Convento de Santa Rosalía, Sevilla

El 16 de diciembre comenzaban las “Jornaditas”, procesión de las figuras engalanadas de la Virgen y San José por las celdas evocando el rechazo en la búsqueda de posada, Tambien se utilizaba el “Niño de las celdas”, una imagen del Niño

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Niño Jesús, “Tendidito”. Convento de Santa Clara, Montilla.

El día de Navidad se sacaban los mejores paños y objetos de orfebrería para la misa y una imagen del Niño Jesús presidía el refectorio, pasando después por todas las celdas para recibir de cada monja un verso que relataba los principales acontecimientos del año

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Niño de la Paja, Convento de Santa Clara Borja (Zaragoza)

En algunos conventos se celebraba el día 28 los Santos Inocentes y el día 30 la Sagrada Familia, practicándose el “Juego del Niño Perdido”, en alusión a la pérdida de Jesús en el Templo, consistente en esconder una imagen del Niño Jesús que la afortunada en encontrarla podía conservar un tiempo en su celda.

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Niño Jesús sentado Convento de Santa María de Dueñas o Convento de Nuestra Señora de la Consolación, Salamanca

El ciclo terminaba el 1 de enero con la celebración del Nombre de Jesús. Para ello se entronizaba una imagen del Niño Jesús y se le rendía culto con el apelativo de “Manolito”, nombre cariñoso derivado de Emmanuel. Tras la fiestas de los Reyes Magos y de la Purificación de María, conocida como la Candelaria, las imágenes del Niño Jesús, que recibían cariñosos apodos de las monjas, volvían a ocupar los arcones junto a sus ajuares.

LOS NIÑOS PASIONARIOS:

Niño Jesús del Convento de Santa Paula de Sevilla

La representación del Niño dormido responde al modelo de los Niños
de Pasión
que vincula la imagen infantil de Cristo con su futura muerte en
la cruz. A pesar de centrarse en el pasaje más dramático de su vida,
el semblante del Niño trasmite serenidad, fruto del convencimiento de
alcanzar la redención de todos los hombres a través de su Pasión de la que, finalmente, saldría victorioso.

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Niño Jesús del Cnvento del Carmen de Jeréz (Cadiz)

Otro de los modelos más significativos, y al que sencillamente denominaremos como Niño con los atributos de la Pasión, consiste precisamente en esto, una imagen de Jesús Niño a la que se complementa con atributos o elementos, habitualmente de reducido tamaño, identificables con la vía dolorosa.

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Niño pasionario-Convento de las Carmelitas de San José Toledo

Esta iconografía procede de las palabras de Santo Tomás: “Que en el momento de su concepción, el primer pensamiento de Cristo fue para su Cruz”. Es evidente que en el Medioevo se utilizaron los instrumentos de la Pasión, dominaban en la liturgia de las vísperas de la Semana de Pasión, en el canto del himno “Vexilla Regis” y encabezaban las procesiones del Jueves Santo. Será en el siglo XVI cuando se una la Infancia de Cristo con la Pasión, siendo los Jesuitas sus mayores propagadores, apareciendo con frecuencia

Cristo Niño jugaba en su casa de Nazaret tejiendo la corona de espinas, y se pinchaba en el dedo, del cual brotaba una gota de sangre, Como podemos observar en el Niño Jesús del Corazón

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Niño Pasionario de Alonso Cano

La túnica suele arrastrar por el suelo en señal de dolor por los sufrimientos. Sostiene una cruz de mayor tamaño revelando de este modo la aceptación de la Cruz a través de su unión al madero del suplicio.

Niño Jesús Pasionario S.XVIII

  No suelen presentar nimbo ni potencias, aunque por el contrario hay algunos que coronan su cabeza con lacerantes espinas.

El Niño meditabundo, a veces con sus mejillas llenas de lágrimas y otras con sus ojos llorosos, pero generalmente melancólicos, presiente y reflexiona sobre su trágico destino.
 Ordinariamente se presentan de pie aunque también pueden aparecer sentados sobre riscos de piedra o nobles sillones tallados, recostados, e incluso de rodillas.

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Niño Jesús Pasionario. Anónimo 1800. Convento de Jesús Nazareno. Chiclana (Cadiz)

A partir del siglo XVIII estas imágenes acentuaron el uso de postizos, incorporando pelucas reales junto a los ojos de cristal, destacando los ejemplares llegados desde los prestigiosos talleres napolitanos.

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Niño Jesús atado a la columna, es una representación poco usual como subtipo del Niño Pasionario.

Niño Jesús ensimismado de las Clarisas de Llerena (Badajoz)

 El Niño de Pasión también forman parte de este grupo los Niños que adoptan una actitud declamatoria, modelo denominado por algunos autores como “Niño ensimismado” o “Niño melancólico”, y que se representa habitualmente sin elemento iconológico alguno, y dirigiendo su mirada perdida al infinito o hacia el propio espectador; modelo que contó con gran difusión en los siglos XVII y XVIII.

“Niño Jesús dormido sobre la cruz y la calavera” Valladolid

Uno de los subtipos más recurrentes es el del Niño Jesús soñando con la Pasión. Se conservan ejemplares en los que el Niño aparece dormido sobre una cruz y una calavera que representa el triunfo de la vida sobre la muerte

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Niño Apocalíptico Convento de San Francisco de Asís de Sevilla

Las imágenes del Niño Jesús, en que éste aparece dormido o meditabundo sobre una calavera y que se puede interpretar como de Pasión por lo que de imagen premonitoria tiene

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“Niño Jesús dormido sobre la cruz y la calavera” Valladolid 
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Niño dormidito Convento de Santa Catalina Escuela castellana S.XVII Valladolid

Una de las representaciones menos frecuentes que se han  podido comprobar de los Niños estudiados han sido las imágenes de Niños Jesús en cunitas y este al estar recostado sobre la calavera, se le puede considerar entre los Apocalípticos.

 Otro ejemplar con su cuna

La espina, es una premonición de la Pasión de Cristo Es lógicamente esta escena una clara premonición de la Pasión de Cristo realizada a través de una descripción amable y en todo caso melancólica, que contó con una gran aceptación en la plástica colonial.

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Niño en la Cruz Monasterio de Santa María de Gracia

Regentado por las Madres Agustinas de Huelva, niño en la cruz contó con poca aceptación entre los fieles, debido a lo impactante que resultaba, rozando incluso lo desagradable, pero a pesar de haber sido censurada desde la propia Iglesia, se labraron y pintaron imágenes del Niño Jesús clavado en la cruz.


LOS NIÑOS TRIUNFANTES

Imagen relacionada
También llamados Victoriosos. de Jerónimo Hernández

 La Hermandad del Dulce Nombre –hoy de la Quinta Angustia es la imagen del Niño Jesús, la primera de esta iconografía realizada en la ciudad de Sevilla
Tiene que llevar en su mano izquierda una cruz o estandarte, pues la cruz no solo es símbolo de la Pasión sino también de la Resurrección y Victoria.Su tipo deriva muy directamente del creado por Juan Martínez Montañés, utilizado igualmente por Juan de Mesa.
Algunos autores consideran que hacia 1610, creó Martínez Montañés el tipo de Jesús desnudo, bendiciendo, en actitud naturalista, extendiéndose por España. También puede sujetar con la mano izquierda el globo terráqueo y bendecir con la mano derecha.

Niño de Plomo Aracena (Huelva)

Imagen antigua de estilo montañés La imagen esta realizada en metal de plomo policromado y porta una cruz de plata de ley.

NIÑO BUEN PASTOR

Presenta una mezcla iconográfica de dos tipos: bendiciendo con la mano derecha y con la izquierda portando el estandarte, como Salvador del mundo, y también como Buen Pastor, con el báculo o cayado.

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El Buen Pastor de Bartolomé Esteban Murillo

Con este tema, sin embargo se produce una contraposición que raya casi en el antagonismo, entre pintores y escultores de la época.

Divino Pastorcillo de Hinojos, obra atribuida a Gabriel de Astorga.

Los primeros, salvo en raras excepciones, tratan la figura de Jesús Niño de una manera delicada y humana. Vemos Niños en los cuadros de Velázquez, de Zurbarán, pero sobre todo en los del artista que mejor ha sabido distinguir la infancia, Bartolomé Esteban Murillo, copiando sus modelos del natural e inmortalizándolos en lienzos de los que se conservan buena parte en nuestro país, repartidos por diferentes lugares, y muy especialmente en el Museo del Prado. Se representa en pintura al “Buen Pastor”, aparece Jesús Niño con una oveja, rememorando el pasaje evangélico de San Juan: “Yo soy el Buen Pastor y conozco a mis ovejas…

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Niño Pastorcito Divino de la Pastora de Capuchinos, obra de Cristobal Ramos

Su atuendo se compone de traje de pastor con zamarra, calzas y albardas, al que se incorporan, producto de la imaginativa piedad de la época, elementos complementarios como el zurrón, la esquila para llamar a la oveja perdida, sombrero de paja, pellica al hombro, e incluso en algunos modelos hasta navaja

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Niño Triunfante,llamado “Perdidito” de Antequera

Es otro de los modelos más populares y extendidos dentro del rico programa iconográfico de Jesús Infante, y tal vez por esta circunstancia sea uno de los que menos descripción necesita. En él se representa a Jesucristo en edad infantil siguiendo la iconografía bizantina de la Resurrección, muestra además el gesto bendiciente característico del modelo que nos ocupa 

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Niño Rey de Reyes S.XVIII Convento de Dominicas del Corpus Christi de Valladolid

  El Niño Majestad es uno de los primeros modelos del Niño Jesús exento que ha llegado a nosotros es el , modelo iconográfico, que nos muestra al Infante como Rey y Señor, vestido ordinariamente con trajes cortesanos y ostentando atributos propios de su realeza. 

Niño Jesús de la Virgen del Rosario del Convento de Madre de Dios de Sevilla

Niño Jesús entronizado del Convento de Santa Paula de Sevilla
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Niño Salvador del Mundo

Las más antiguas representaciones exentas del Niño Jesús que han llegado a nosotros pertenecen a los últimos años del siglo XV y principios del XVI, y la mayor parte de ellas corresponden al Niño Salvador del Mundo. En este modelo, como en otros tantos, se sigue más o menos libremente la iconografía homónima de la versión adulta de esta advocación. Así, el Niño Salvador o Niño Redentor, es otra interpretación de la realeza de Jesús, y que fue plasmada en la figura de Jesús, si bien derivada del Niño Majestad, despojada de atributos reales, pero mostrando el globo terrestre sobre el que se apoya o sostiene con su mano izquierda.

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Niño Jesús como Salvador del Mundo Convento de las Huelgas de Valladolid

  . 

Bendito Niño del Rosario de la Hermandad de los Remedios (Málaga)


OTRAS REPRESENTACIONES

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Vestido de sacerdote

  Hemos de referirnos también, a una gran variedad de adaptaciones que las figuras recibían en el interior de las clausuras, donde la indumentaria y los accesorios elaborados por las monjas les conferían diferentes caracterizaciones, dando lugar a un extenso catálogo en el que el Niño Jesús puede aparecer como pastorcillo, peregrino, abogado, hortelano, cocinero, fraile, sacerdote, obispo, papa, etc.

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Niño Jesús de la Paz de fraile franciscano La Algaba (Sevilla)

Se representa al Niño Jesús como emblema de una Orden con su propio hábito

 Niño Jesús de vestir Anónimo, siglo XVII
Niño Jesús Salvator Mundi “el Patroncito”   Anónimo, siglo XVII Valladolid

LAS DEVOCIONES EN ESPAÑA

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Algunas imágenes son el origen de célebres fiestas, como es el caso del Bautizo del Niño Jesús en Palencia, que celebra cada 1 de enero la Cofradía del Dulce Nombre del Niño, fundada en el siglo XVI y con sede en la iglesia de San Miguel.

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Santo Niño del Remedio (Madrid)

Es una de las más veneradas en la capital de España, tiene una singular historia: En el año 1898 un encuadernador de la costanilla de los Ángeles posee una talla de madera de un niño que, según creencia popular, posee unas propiedades curativas. Este niño reposó durante unos años en un oratorio particular de las cercanías y pronto la devoción popular del Santo Niño del Remedio se generalizó en Madrid

Bendito Niño Jesús de Ntra. Sra. de las Mercedes de San Fernando. (Cadiz)


LOS NIÑOS JESÚS DE OTROS PAÍSES 

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Santo Niño de Cebú (Filipinas)

Alrededor del mundo, nos encontramos con diversas veneraciones a Jesús Niño. Por un lado, se encuentran las que lo representan como un bebé, y por otro, las que lo caracterizan como un niño más grande. Con respecto a los Niños Jesús del segundo grupo mencionado,además de la veneración de La Rioja, existen otras esparcidas alrededor del mundo, tales como la del Divino Niño, la del Niño Jesús de Praga, la del Divino Niño Alcalde de Cuzco,el Niño Jesús de Perú, entre otras.  

Niño de la Compasión de la ciudad de Malolos.

La religiosidad popular cristiana en Filipinas tiene un ejemplo de ello es este Niño

Niño de la Bola o Santo Niño de la Bola iglesia de St. Michael de Ebersbach (Ravensburg)

  Esencialmente es el que lleva en su mano un orbe real (la bola) como símbolo de su poder sobre el mundo.

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Niño Jesús de Praga Iglesia de Nuestra Señora de la Victoria en Malá Strana

El Niño Majestad lo podemos observar en el Niño Jesús de Praga Muchos de estos modelos alcanzarían una gran popularidad devocional, Esta figura de origen español esta modelada en cera.

Niño Jesús de Aglipay de la ciudad de Malabon (Filipinas)

Esta ataviado de forma principesca.

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El Niño de la Espina (Cuzco- Perú)

  Esta es la historia del autor de una tradición enraizada en los cuzqueños de hoy, se trata del imaginero Antonio Olave Palomino quién realizó el primer Niño de la Espina o Manuelito, una representación del Niño Jesús.con el pie atravesado por una espina.

Santo Niño Jesus de Tucumán S.XVIII Argentina

En Tucumán puede apreciarse una pequeña imagen del Niño Dios, que data del siglo XVIII. Es originaria del Alto Perú y fue realizada en cera.

Algunos ejemplares de la imagineria peruana  la de la ciudad del  Cuzco. estan realizados con  féculas, cañas de maíz y maguey ( vegetal andino) incluso algunos tejidos orgánicos de animales (camélidos andinos)

Niño Jesús de la Demanda de la  la Iglesia de las Mercedes de Guatemala 

Niño de la Espina Cuzco
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Jesús Tinkunaco o Riojano vestido enteramente como un niño incaico 

Imagen del Niño Dios en disfraz de la cultura azteca (México)


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Santo Niño Jesús de las Suertes Concepcionistas de San Bernardo Xochimilco México

El Cabildo, convino que se echara en suertes entre dos conventos (de ahí su nombre de “las Suertes”), y que Dios mismo eligiera a qué convento de todos los de la ciudad quería ir. Se hizo la rifa y salió en suerte el Monasterio de San Bernardo. 

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  En la mayoría de este tipo de imágenes, los Niño Jesús se encuentran revestidos con atributos de autoridades civiles de distintas épocas. Este tipo de representación, comenzó aproximadamente en el siglo XVI en Europa, y desde allí se extendió hacia el resto del mundo. 

Niño de Belen de Xochimilco

 

FUENTES

http://www.lahornacina.com (fotos)

Haz clic para acceder a BVCM002463.pdf

https://prezi.com/h6nofxiczb24/iconografia-del-nino-jesus/

http://islapasionforos.mforos.com/1167541/6059431-imagenes-del-nino-jesus/?pag=3

En varias fotos, recogidas de la web, aparecen los nombres de sus autores.

Las casas a la malicia

Empezaremos por las viviendas de Madrid y concretamente por un tipo de ellas, que proliferaron desde el S. XVI, debido a las necesidades creadas, al instalarse la Corte de Felipe II en la ciudad
Me refiero a las “casas a la malicia”que  fueron el fruto de un delito inmobiliario en el Madrid de los siglos XVI al XVIII, provocado por los privilegios otorgados a los funcionarios de la Corte Real por la ley denominada «Regalía de aposento».
La «Regalía de aposento» obligaba a todo vecino de la villa de Madrid no exento, a “alojar a un funcionario del rey en la mitad de la superficie útil”. La medida había sido provocada por la afluencia de familias al servicio de la Corte de Felipe II al instalarse la nueva capital española en 1561. La ley conllevaba el pago de un canon monetario de compleja recaudación
El origen de las “casas a la malicia” de Madrid está íntimamente relacionado con la picaresca del pueblo español, una “cualidad” que alcanzó su máximo apogeo durante los siglos XVI y XVII. Pero para comprender mejor cuales fueron los motivos que propiciaron la aparición de este tipo de viviendas, lo mejor es retroceder en el tiempo hasta los días en que Madrid aun no era la capital de España

“Casa a la Malicia” que se puede ver todavía en Noviciado

Felipe II por Sofonisba Anguissola 1564  Museo del Prado Madrid

“El Rey Católico, juzgando incapaz la habitación de la ciudad de Toledo, ejecutando el deseo que tuvo el emperador su padre de poner su Corte en la Villa de Madrid, determinó poner en Madrid su real asiento y gobierno de su monarquía”. (Luis Cabrera de Córdoba, 1559-1623)

Entrada de Felipe II en Madrid

Hasta mayo de 1561, la capital de la nación más poderosa del mundo era la ciudad Imperial de Toledo, pero el lunes 19 de mayo de 1561, Felipe II hizo llegar al Concejo de Madrid una Cédula Real en la que se le hacía saber del inminente traslado de la Corte desde la ciudad del Tajo a Madrid, donde debería hallarse instalada al mes siguiente, a tiempo para la celebración del Consejo Real que debería celebrarse en la nueva capital. El día 21 de mayo, el monarca partió de Toledo hacia Aranjuez para inspeccionar las obras del palacio y jardines que allí se estaban construyendo y desde el Real Sitio se dirigiría directamente a Madrid, que a partir de ese momento se convertiría en la capital del España

Maqueta con una de las casas a la malicia

Tengamos en cuenta que Madrid en el siglo XVI no era una ciudad propiamente dicha como lo eran Toledo, Barcelona, Valladolid o Sevilla, era más bien un pueblo grande y amurallado, un “poblachón manchego”, como han escrito algunos, situado en un lugar relativamente privilegiado sobre un altozano, con un río de escaso caudal a sus pies, nuestro entrañable Manzanares.

Juan Bautista de Toledo

Se elaboró un ambicioso plan urbanístico al frente del cual Felipe II, tras hacerle venir desde Italia, puso al arquitecto Juan Bautista de Toledo, que percibiría un salario de 220 ducados anuales. Sin duda otro dato que avala la teoría de la capital renacentista deseada por el monarca.
Pero el ambicioso plan pronto comenzó a encontrase con serias dificultades. Si el plan se hubiese llevado a cabo rápidamente, sin duda la transformación de la Villa de Madrid en una gran capital europea habría sido coherente y homogénea, pero toda clase de dificultades, urbanas, sociales y económicas, hicieron que los trabajos se llevaran a cabo con gran lentitud, y muchas de las reformas acabaron convertidas en “agua de borrajas”

Probable retrato de Juan Bautista de Toledo de el Greco

Aunque según otras opiniones es de su hijo Juan Manuel Theotocopuli.(Lo añado aqui, por si alguien tiene conocimiento de su identidad y lo puede aclarar, yo no lo he conseguido, aunque apuesto por su hijo…)

Maqueta de una de las casas del Museo de la Ciudad

Ante esta grave situación, Felipe II se vio obligado a promulgar un edicto llamado “Regalía de aposento” mediante el cual, todas las casas de Madrid que tuviesen más de una planta, deberían ceder la planta superior mismas a aquellos que se considerase oportuno, habitualmente  al séquito o servicio real, muy exigido de alojamientos en una ciudad que acababa de ser escogida como capital del reino. 
Las “casas a la malicia”, fueron un recurso arquitectónico de los constructores del siglo XVII a requerimiento de los propietarios de las nuevas casas, para engañar a las autoridades municipales.

Plano de casa de “Muy incómoda” repartición

La picaresca inmobiliaria puesta en escena presentaba características exteriores que hacían suponer falsos interiores estrechos, incómodos y en definitiva no aptos para ser incluidos dentro del grupo de edificios que tenían que cumplir con la ley de Regalía de aposento, es decir: ceder la mitad de la casa a un funcionario de la Corte sin que tuviera que pagar alojamiento.

Ejemplo de Casa de Malicia
La casa esconde una fachada de dos alturas en su patio interior

La ley conllevaba el pago de un canon monetario de compleja recaudación, inconveniente que se intentó solucionar años mas tarde, con la llamada Visita General de 1749, medida cuya aplicación quedaba registrada en un azulejo con la clave Visita Casa / Manzana nº (x) (azulejos que pueden verse todavía visible en muchas fachadas de edificios del casco histórico de Madrid)

Libro de los nombres y calles de Madrid

Sobre que se paga incómodas y tercias partes, manuscrito conservado en la Biblioteca Nacional con el nº 5918.

Casa señorial, junto al Convento de San Ildefonso, Trinitarias Descalzas

Los primeros en eludir la imposición real de la Regalía de aposento fueron los propietarios de las clases adineradas dueños de inmuebles en el Madrid convertido en Corte , en que casas de dos pisos e incluso tres alturas se camuflaban destinando de forma aparente  la planta baja a los establos para los animales, la primera a viviendas y la segunda a desván, aunque en realidad  todas las estancias se utilizaran como vivienda

Casa en la calle del Rollo

El Edicto Real establecía que el primer piso pertenecía al Rey, que podía disponer de él e incluso venderlo a quien decidiera. Eso sí, todo se hizo con el acuerdo del Consistorio, que lo aceptaba para que Felipe II no diera marcha atrás en su decisión de trasladar la capital a Madrid.

Imagen relacionada

Para encontrar estas casas, nos tenemos que adentrar en el barrio de la Latina, en la zona más antigua de Madrid, donde el trazado medieval se intuye en las calles angostas y las curvas improvisadas entre la Plaza de Carros, la Plaza de la Morería, el Jardín de las Vistillas, el Mercado de la Cebada, y la Plaza de la Paja

Rótulo de la casa en la calle del Rollo

Las “casas a la malicia” estaban construidas de tal forma, que vistas desde el exterior parecía que sólo tenían una planta a base de distribuciones imposibles y caóticas del interior de las viviendas con sótanos que no pudiesen verse desde fuera, con lo que aun siendo una casa de dos plantas, parecía que solo lo fuera de una, y por tanto no debía acoger a los miembros de la corte, tejados muy inclinados donde se habilitaban buhardillas, medias alturas y patios

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calle de los  de los Mancebos, esquina Redondilla.

El madrileño de entonces, incómodo con aquella ley, y deseoso de esquivarla, ideó este truco de sacar con caos las ventanas de fachada. También se practicó el truco de añadir buhardillas disimuladas, como puede comprobar el paseante de hoy mismo en esta

Azulejo con la clave para identificar las casa, que aun quedan en Madrid

Casa-Museo de Lope de Vega

Un buen ejemplo es la Casa Museo de Lope de Vega en la calle Cervantes)

Vista de una de las casa en la esquina de la calle del Agua con la de Tabernillas

Imagen relacionada
Casa en la Plaza del Alamillo

Hoy solo quedan algunos ejemplos de “casas a la malicia” en el Madrid de los Austrias y en los barrios de La Morería, Las Letras y Universidad, que os aseguro merece la pena intentar localizar mientras paseáis por las calles del viejo Madrid, rememorando un curioso capitulo de la picaresca española y madrileña que alcanzó su máximo apogeo durante los siglos XVI y XVII, durante la monarquía de la Casa de Austria.

Casa en las calles San Andrés con San Vicente, por supuesto muy modificada con reformas

Suele proponerse como ejemplo superviviente de “casa a la malicia” el edificio, bastante reformado, que en el barrio de la Morería ocupa la esquina que forman la calle de Mancebos con la de Redondilla, antes mencionada, cuya construcción original se ha datado entre 1565 y 1590.

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Casas en la Ribera de Curtidores

Pudieron ser a la malicia, muy reformadas también.

La ‘casas a malicia’ o el misterio de las ventanas asimétricas
Fachada en la calle Conde, poco antes de llegar a la plaza de la Cruz Verde

Ejemplo de las ventanas asimétricas, con resultados catastróficos para el urbanismo madrileño ya que los arquitectos recurrieron a argucias poco aconsejables como ocultar las habitaciones superiores mediante escaleras interiores o dejar casi sin luz amplias estancias, apenas iluminadas por pequeños ventanucos.

Fuentes :

https://www.pasionpormadrid.com/2010/06/

https://vramon1958.wordpress.com/2014/09/07/el-real-decreto-de-regalia-de-aposento-y-las-casas-a-la-malicia/

https://es.wikipedia.org/wiki/Casas_a_la_malicia

https://www.lavanguardia.com/local/madrid/20180505/443244808392/casas-a-malicia-ventanas-asimetricas-madrid-secreto.html

y fotos: internet. 

La sociedad madrileña en los S.XVI y XVII

LA SOCIEDAD MADRILEÑA
 
 
Tras dar un repaso a las viviendas madrileñas al uso en los S.XVI y XVII y las picardías empleadas a la hora de su habitabilidad, quisiera que ahora pudiéramos conocer a sus habitantes:
 

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Jan van Kessel III pintado hacia 1680: Vista de la Carrera de San Jerónimo y el Paseo del Prado con cortejo de carrozas

Así, si aún os sentís animados, dotados de paciencia infinita y sobre todo mucha curiosidad, echad un vistazo a su población, reflejo de una sociedad en que convivieron desde el Rey Felipe IV y su corte hasta el último paria que habitaban en los palacios, casas, comercios y calles de Madrid, pasando sobre todo por los ilustres artistas de nuestro Siglo de Oro. Como comprobareis,en muchos aspectos hemos cambiado radicalmente: muchos de los personajes y oficios han desaparecido, dando paso a otros nuevos,impensables en aquella época y que en la actualidad, son de lo mas habitual; pero curiosamente, hay otros que no han cambiado en absoluto y es mas, diría que han proliferado e incluso se han potenciado. A ver que os parece este “comic” del S.XVII.
Gracias por vuestra atención.

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Plano de Madrid, en la época de Felipe IV.
el plano más antiguo de los conocidos sobre Madrid, tal vez debería ser referido con cierta escrupulosidad como de autor desconocido, aunque también resulta posible definirlo como el plano de Marcelli-De Wit. . Este plano, atribuido históricamente a Frederick de Wit hacia 1635, y del que fue el primer editor, pertenece según otros historiadores a Antonio Marcelli en 1622.Una última teoría se le atribuye a Gomez de Mora, que se cree fué el que lo dibujó, siendo coloreado por Marcelli y editado por de Witt..
 
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Copia de Velázquez: Autorretrato, óleo sobre lienzo,, Florencia, Galleria degli Uffizi.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal
Sevilla 1599- Madrid 6 de agosto de 1660
Como todo el mundo sabe, fué nombrado pintor de Corte y Aposentador Real por Felipe IV, por lo que constituyó un personaje destacado de la sociedad de este siglo.
 
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Todas las imágenes aparecidas en el post se han extraido de este libro cuyo autor es Julio Vidaurre Jofré, tanto del texto como de los dibujos, editado por AKAL S.A. bajo el patrocinio del Ayuntamiento de Madrid y la Fundación Caja Madrid, en el año 2000,con motivo de la exposición celebrada en Madrid, en el 4º centenario de Velazquez y Calderón.
Y desde luego, ha sido el inspirador de esta artículo.
 

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Pedro Calderón de la Barca
 
17 de enero de 1600, Madrid-: 25 de mayo de 1681, Madrid
Fué otro importante personaje y ejemplo destacado en aquella sociedad.
, sacerdote católico y escritor español, caballero de la Orden de Santiago, conocido fundamentalmente por ser uno de los más insignes literatos barrocos del Siglo de Oro, en especial por su teatro
 

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Una vez situados en tiempo y lugar, vamos a conocer a los personajes contemporaneos a Velazquez y Calderón , que vivian en la Corte de Madrid, empezando por el escalón mas alto :La Familia Real

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Todos estos en mayor o menor categoría, también eran del servicio de Palacio
 
 
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Lo mismo digo de todos estos

 
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No vivian en el mismo Palacio como los anteriores, pero si en estancias anejas ocupendose de actividades relacionadas con las aficiones de la Corte: Caballerias, cocinas, establos etc  El acemilero mayor se encargaba del cuidado de las mulas del Palacio los demas a lo que designan sus nombres.

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Bufones y enanos son bien conocidos por todos , eran hombres y mujeres de diversión que no faltaban en la Corte y que Velazquez los pintó con todo detalle.
Los otros personajes son del Clero o de la Inquisición
 
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Aqui hay mas cargos y oficios relacionados con la Religión y la Inquisición, por desgracia inevitable en aquellos tiempos.

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Varios cargos de tipo administrativo y jurídico quizá los mas favorecidos por las “Regalías de aposento” (Casas a la malicia)
 
 
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Aqui continuan, estando algunos al servicio directo de Palacio y otros como profesiones libres. Tambien aparecen dos damas
 
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Mas personajes con distintos cargos, algunos subordinados al gobierno y otros liberales

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En los dos grupos anteriores se ven varios componentes de la nobleza española, pertenecieran o no a la Corte, pero que cuando esta se trasladó a Madrid en 1561 no tardaron en instalarse en ella en grandes casonas y Palacios.
 

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Caballeros, Hidalgos y Militares
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Otras profesiones propias del S.XVII que posteriormente fueron desapareciendo en algunos casos.
 
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Esta imagen y la siguiente estan dedicadas a las profesiones relacionadas con la sanidad
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Impresores, encuadernadores y todo lo relacionado con los libros.
 

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El mundo de la enseñanza y las artes escénicas, quedan aqui reflejadas
 
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Artistas de todos los campos: pintores, escultores, doradores etc
 

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Mas artesanos dedicados en la construcción y el ornato de las viviendas ricas
 

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Representantes del mundo de la Música
 
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Este último grupo eran artesanos mas destacados que trabajaban el oro y la plata

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Vendedores mas o menos exclusivos que tenian todo tipo de productos
 
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Se vendía de todo desde objetos caros y elegantes a cosas tan prosaicas y necesarias, como el tocino
 

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Trabajaban con productos necesarios y habituales en cualquier casa y cocina
 

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Y en las cocinas, cada uno tenía su cometido
 
 
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Y no solo en las cocinas de Palacio, sino en colmados, bodegas, posadas, mesones y demas establecimientos de servicios
 

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El curioso oficio de “obligado de nieve” era el encargado de bajar con caballerias, cargamentos de nieve desde los neveros de la sierra, hasta los llamados “pozos de nieve” donde esta se conservaba entre paja y abastecía la ciudad en los meses calurosos.
 
Ganapán: Hombre que se gana la vida llevando recados o transportando bultos de un punto a otro.
 
ChIrrionero: conductor de chirrión o carro

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Servicio de Palacio
 

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En el apartado ocio, no podian faltar jugadores, tahures, busconas, “Celestinas” etc
 
 
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y todas aquellas gentes, que se denominaban “de mal vivir”
 
 

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Y entre las capas mas bajas mendigos, pícaros y gitanos
 

Fuentes:

“El Madrid de Velazquez y Calderón: Villa y Corte en el S.XVII”  editado por AKAL S.A. bajo el patrocinio del Ayuntamiento de Madrid y la Fundación Caja Madrid, en el año 2000.

El árbol de Jessé

Árbol de Jessé es el nombre que tradicionalmente recibe el árbol genealógico de Cristo, a partir de Jessé, padre del rey David. La representación del árbol de Jesé consta de tres elementos básicos:,
que se asocian respectivamente a las figuras de Jessé, María y Cristo.

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La representación más común consta de la figura reclinada de Jessé, padre del rey David, de cuyo cuerpo,generalmente de su vientre, nace un árbol en cuyo tronco y ramas aparecen algunos antepasados de Cristo (David, Salomón y María, entre otros) y por último la flor que es el propio Cristo.

Jessé que aparece casi siempre acostado, aunque también se le ve sentado o de pie, siendo en estos casos en muchas ocasiones por cuestiones del espacio en donde ha de estar localizada la obra. El tronco suele salir de su costado, del estómago, aunque también puede salir del corazón

Sin embargo no es esencial que Jessé esté reclinado, ni que el árbol tenga un
carácter genealógico específico, ni siquiera la representación humana de Cristo o la Virgen.

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Entre los antecedentes de esta compleja representación debe señalarse el candelabro judío de siete brazos o menorá, que fue asumido por la liturgia cristiana,
con su implícito simbolismo de la llegada de El Mesías, al menos desde el siglo XI.
Desde finales del siglo XI y durante todo el siglo XII, se desarrollan todas estas imágenes que evolucionan de una naturaleza simple a otra más desarrollada.

El rey David,  Pedro Berruguete, Iglesia de Santa Eulalia de Paredes de Nava

Según las profecías el Mesías procedería de la Casa de David y nos aparece  en Mateo 1:1-17 y en Lucas 3:23-38; en ambas genealogías, los evangelistas tratan de conectar a Jesús con David por la profecía mesiánica. Jesús mismo en el Apocalipsis de San Juan dice (Ap 22,16) “Yo soy la raíz y retoño de David” incluyéndose dentro de los descendientes de David.

L'enfant Jésus dans les bras de Saint Joseph, par Guido Reni en 1635.

San José con el Niño, Guido Reni 1640  Museum of Fine Arts. Houston (EE. UU.)

También se hace la conexión a través de José, el cual solo era “padre putativo” pero la ley judía acepta este hecho como de pleno derecho genealógico y conexión a la familia del progenitor adoptivo. 

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Los Profetas del Pórtico de la Gloria del Maestro Mateo en Santiago de Compostela

La veneración del arte medieval por el mundo antiguo llevó a la incorporación de algunos de sus personajes más ejemplares en el tema, además de los profetas. Su representación se basó en la creencia de que los paganos tuvieron su propia revelación.

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Ancianos filósofos.  Fresco en el  Sucevita Monastery,  Rumania

En el arte bizantino aparecen filósofos como Platón, con una filacteria que alude al dios desconocido.

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Sibila Eritrea Miguel Angel, Capilla Sixtina Vaticano

En Occidente, con el mismo sentido se representa a las sibilas, en ocasiones de forma personalizada, como la de Eritrea y en otras de forma genérica como simplemente Sibila, seguramente por influencia del drama litúrgico del “Ordo Prophetarum”del ciclo de Navidad.

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El teatro litúrgico u “Ordo Prophetarum”. Santiago de Compostela

(Desde 2001 se representa cada Navidad en la Catedral de Santiago de Compostela).

Es de reconocida opinión que el drama litúrgico de los profetas (Ordo Prophetarum), inspiró las más extensas representaciones de reyes y profetas en el tema del Árbol de Jessé.  A diferencia de otras obras similares no tiene su origen en la dramatización de un episodio bíblico, sino en un sermón atribuído a San Agustín.

 REPRESENTACIONES EN EL ARTE:

Muy numerosas a través de los tiempos y en distintos estilos y soportes

Árbol de Jesé de Bamberg (Baviera)
Tallado en marfil, ca.1200  actualmente en el Museo del Louvre

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Arbol de Jessé Manuscrito 340 Biblioteca Municipal de Douai 

Ciudad y comuna francesa situada en el departamento de Norte en la región Norte-Paso de Calais, capital de la comarca del Douaisis.

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Linaje de Jesús en la catedral de Altar Mayor de Limburg- ca 1400

Distrito de Limburg-Weilburg en Hesse, Alemania. La catedral de San Jorge (Georgsdom), construida sobre la antigua iglesia del monasterio, fue consagrada en 1235

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Variante de un Arbol de Jessé en forma de cepa, con la curiosa representación de la embriaguez de Noé, después del Diluvio.
El Génesis dice que Noé comenzó a labrar la tierra y nos lo muestra plantando una viña, de cuyo vino se embriaga, Cam ve “la desnudez” de su padre y se ríe de él (algunos sabios del Talmud piensan que no solo se rió de él, también abusó de él), el cual al saberlo pronuncia una maldición en contra del hijo de éste, Canaán, del cual profetiza que llegará a ser esclavo de Sem y Jafet, maldición que, según algunos traductores, se cumple cuando Israel (de origen semítico) somete a los Cananeos

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El árbol de Jessé ilustrando una biblia

El árbol de Jessé se ha representado en la cultura cristiana en numerosas ocasiones, como en los códices.

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Ilustración en las “Crónicas de Nuremberg”

Es uno de los más preciados incunables (nombre que se da a los primeros libros salidos de la recientemente creada imprenta, entre 1450 y 1500), con xilografías  de gran valor artístico.

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“Crónicas de Nuremberg” detalle

Las primeras representaciones del tema y en las que aparece una mayor diversidad son las miniaturas de manuscritos como evangeliarios, biblias, leccionarios, salterios o antifonarios.

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Arbol de Jessé en el icono Alabanzas a la Virgen del Círculo Ioannis Apakas c. 1600, Museo Pushkin, Moscú
Esta es otra representación muy frecuente: los iconos

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Icono con el Arbol de Jessé S-XVII

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“Arbol de Jessé” oleo de Jan Mostaert 1500 Rijksmuseum de Ámsterdam

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Arbol de Jessé en una placa de marfil. Museo de Louvre, París.

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Grabado con el Arbol de Jesse, Israhel van Meckenem (German, c. 1445 – 1503 ), Rosenwald Collection

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Vista panorámica del fresco del árbol de Jesse en el Monasterio de Voroneț, que es un monasterio medieval situado en el pueblo rumano de Voroneţ en la actualidad parte de la ciudad Gura Humorului. Es uno de los famosos monasterios pintados del sur de Bukovina, en el distrito de Suceava.
Fue construido por Esteban el Grande en 1488 en tres meses y tres semanas para conmemorar la victoria en la Batalla de Vaslui.

Denominado a veces la “Capilla Sixtina del Este”, los frescos de Voroneț tienen un tono intenso de azul conocido en Rumanía como “azul de Voroneț”.

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Mural con el Arbol de Jessé en una iglesia de Lohja, Finlandia

Posiblemente de la miniatura, el tema salta a los muros y pronto cobra su versión monumental en la pintura mural románica, llegando incluso a techumbres de madera

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Árbol de Jessé. Parteluz del Pórtico de la Gloria  catedral de Santiago de Compostela.
También los relieves románicos monumentales como machones, columnas o enjutas de arcos encuadran el tema.

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Detalle del anterior: Virgen con el Niño.

Esta es la primera vez que se representa en la Península Ibérica este tema en la iconografía religiosa. La columna reposa sobre una base en la que hay una figura con barba recostada sobre el pecho (quizá una imagen de Noé) y dos leones. Una tradición llevaba a los peregrinos a poner la mano entre las cavidades del árbol mientras rezaban cinco oraciones, antes de entrar en la catedral.

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Arbol de Jessé en el machón SO del claustro del Monasterio de Santo Domingo de Silos,  Foto de Sira Gadea

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Arbol de Jessé en la portada de la Catedral de Beauvais c.1400

La catedral de San Pedro de Beauvais esta situado en la localidad de Beauvais, en el valle de Thérain de Picardie.
Es, en algunos aspectos, el logro más audaz de la arquitectura gótica, siendo su construcción coincidente con el ascenso al trono de Luis IX de Francia, y constituye el comienzo del gótico radiante
En el gótico, además de relieves monumentales, las galerías de reyes de Judá de las catedrales góticas francesas y por extensión las de otros territorios europeos, aunque no toman el esquema de árbol, se relacionan con el tema por representar la genealogía de Cristo.

Árbol de Jesse, en cuya copa-peana esta instalada la imagen de Santa María de la Redonda, talla del s. XV. Logroño.

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Retablo de la capilla de Santa Ana de la Catedral de Burgos

Sin embargo no es esencial que Jessé esté reclinado, ni que el árbol tenga un carácter genealógico específico, ni siquiera la representación humana de Cristo o la Virgen y  la genealogía se cumplimenta con la representación del propio Cristo, la de María su madre (a veces entronizada o con el Niño en su seno o como en este caso con Santa Ana 

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Arbol de Jssé en un retablo de la iglesia de Santa María del Castillo en Olivenza, Badajoz
El tema del Árbol de Jessé combina pues varios motivos y de acuerdo a que estén o no presentes, pueden establecerse diversas variantes iconográficas.

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Altar con el Arbol de Jessé en la capilla de Notre Dame de Berven

En Plouzévédé ciudad del departamento de Finisterre , en la región de Bretaña

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Retablo de la capilla del cementerio de Saint Thégonnec, en Bretaña.

La liturgia del tiempo de Adviento, tanto griega como latina, honra especialmente a la Virgen que resume en sí todas las esperanzas mesiánicas.

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Retablo mayor del Convento de Santa Clara en Briviesca, Burgos

Su renacentista Retablo Mayor, empezado a tallar en 1551 por Diego de Guillén pero elaborado fundamentalmente por el artista mirandés Pedro López de Gámiz. Facturado en madera de nogal y dejado sin policromar, posiblemente por problemas económicos,
Dedicado a la exaltación de la Virgen, los grupos escultóricos más destacados son los de la calle central, empezando por el Árbol de Jessé, un trabajo finamente calado con claras reminiscencias tardogóticas. Sobre esta escena se disponen la Virgen sedente rodeada de ángeles y la Ascensión.

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Arbol de Jssé en la iglesia de Saint Aignandistrito de Romorantin-Lanthenay 

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Arbol de Jessé relieve en la Catedral de Worms S.XV Alemania

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Rosetón del transepto sur de la Catedral de Saint Denis (Francia)

La representación en la vidriera gótica de la que es pieza clave en la famosa representación de Saint-Denis, que dio origen a numerosas versiones como la de la catedral de Chartres

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Vitral con el Arbol de Jessé en la iglesia de Saint-Etienne de Beauvais, Francia

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Vitral de la Catedral de Canterbury (Reino Unido)

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Púlpito Iglesia de Santa María en la Arena. Dettelbach (Bayern, Alemania)

Imagen relacionada

 Árbol de Jesse en el techo de la parte inferior del coro barroco en la iglesia de Santo Domingo en Oaxaca México

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El árbol de Jessé Franciscano

Las órdenes religiosas también utilizaron este tema iconográfico en sus representaciones, pero el arbol en vez de ser Jessé la raíz del mismo, es el fundador de la orden el que apareciendo tumbado le sale de las entrañas el árbol, y en cada rama aparecen santos de la orden o los miembros mas destacados de la comunidad. En la reforma de Villacreces, al ser un tema franciscano, tiene coronando al mismo una imagen de la Inmaculada.

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El árbol de la vida del refectorio de Santa Croce de Florencia 
 
Que tiene como antecedente la que con motivos de la vida de Jesús se encuentra en en la Galería de la Academia de Florencia.     foto: Sira Gadea
 
 
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Detalle del anterior. Foto de Sira Gadea
 
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Arbol de Jessé en la Galería de la Academia de Florencia 
 
 

Otro ejemplo de Arbol de Jessé de una orden monástica, en este caso Mercedarios que data de la época colonial, en Potosí, Bolivia S.XVIII

 

OTRAS REPRESENTACIONES:

-Árbol de Jessé. Pintura mural de la capilla de San Juan de Le Liget, Indre-et-Loire

– Árbol de Jessé. Vidriera de la fachada occidental de la catedral de Chartres, h. 1159.

– Árbol de Jessé. Biblia de Saint-Bertin, Champagne (Francia), h. 1170-1180. París.

– Árbol de Jessé. Folio del Hortus Deliciarum, h.1195.

– Árbol de Jessé. Techumbre de San Miguel de Hildesheim (Alemania), h. 1200.

– Árbol de Jessé. Salterio de Ingeburge, h. 1200. Chantilly (Francia), Musée Condé

– Árbol de Jessé. Vitae Sanctorum, Cîteaux (Francia). Dijon, Bibliothèque Municipale

– Árbol de Jessé. Relieve de la fachada de Notre-Dame de Poitiers, Vienne 1130.

 

Fuentes:
 

Murano

Venecia tuvo por maestros a los bizantinos, de quienes aprendió el esmaltado y el dorado de las piezas en la ciudad, y en su vecina islita de Murano labró incontable número y variedad de copas de elevado pie, con apéndices caprichosos, tazas, jarritas con rizos de hilos blancos (latticini) o de color, gemas falsas, etc., distinguiéndose por la finura, elegancia, ligereza, variedad y fantasía de sus productos que hoy se admiran en multitud de museos y colecciones.

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Desde el siglo XIV (hacia 1325) consta en Venecia la fabricación de buenos espejos de vidrio, que tan singular importancia adquirió a principios del siglo XVI.

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Desde 1291, todos los cristaleros de Venecia se vieron forzados a mudarse a Murano debido al riesgo de incendios.
Para prevenir los incendios en tierra firme causados por el proceso de elaboración del vidrio, Murano fue elegida fábrica “flotante” y los maestros vidrieros transformaban la arena en vidrio ayudándose del aire y del fuego creando magníficas piezas.

https://youtu.be/SKiim8oCGnQ


Probablemente, la motivación era puramente proteccionista, que evitaban que los verdaderos conocedores del arte de la fabricación del vidrio, los maestros vidrieros, podrían alejarse de Venecia y llevarse consigo ese conocimiento valioso para el crecimiento económico de Venecia.
Algunas leyendas, y ya sabeis que detrás de todas las leyendas que hay algo de verdad, dicen que fueron enviados asesinos a “instar” el retorno de unos fugitivos con la orden imperativa de matarlos si no eran capaces de convencerlos de volver a vivir en su tierra natal.

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El nombre de Murano es mundialmente conocido por sus fantásticas y únicas piezas de cristalería pero lo que no sabe mucha gente es que Murano es una isla de Venecia que lleva dedicándose al cristal desde el siglo VIII d. C.
Siempre bajo el gobierno del Dux de Venecia hasta 1275 en que fue gobernada por su propio Podestà, capaz de acuñar su propia moneda “la oxea”.

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Durante el siguiente siglo, comenzaron las exportaciones y la isla ganó fama, inicialmente por la fabricación de espejos y abalorios. Durante algún tiempo, Murano llegó a ser el mayor productor de cristal de Europa

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Trasladar los vidrieros a Murano sirvió a la Serenísima República para controlar mejor el gremio, celosa de un arte que le había hecho famosa en todo el mundo. Los maestros vidrieros estaban obligados a vivir en la isla y no podían dejar la capital véneta sin un permiso especial emitido por el Dogo veneciano. Sin embargo, muchos lograron escapar, exportando a países extranjeros sus famosas técnicas.

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Copa del siglo XV, que forma parte de la colección del Museo de Vidrio
La más importante crisis que golpeó la industria local fue la sufrida en el siglo XV, cuando Bohemia comenzó a producir vidrio artístico, quizá inspirados en los vidrieros vénetos de Murano.

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LAGUNA VÉNETA

Murano es una isla de la Laguna véneta, en el noreste de Italia, en la región del Véneto. Se encuentra aproximadamente a 1 kilómetro de la ciudad de Venecia y es famosa por su artesanía del vidrio
En un principio, la isla prosperó como puerto pesquero y gracias a la producción de sal. Asimismo, era un centro de comercio.

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Murano está formado por cinco islas conectadas por puentes. También tiene su Gran Canal y numerosos palacios que se reflejan en ella. La más antigua que queda es sin duda la Palazzo da Mula, del siglo XIII, muestra su fachada con rosetones góticos y el balcón que domina la orilla

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Es una isla, de unos 6.000 habitantes, repleta de casas de estilo renacentista en la que, prácticamente, todos los edificios fueron o son fábricas de cristal. De hecho, durante mucho tiempo, a los cristaleros de Murano, se les tuvo retenidos en la isla para que nadie pudiera averiguar el secreto de tanta belleza.

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Como consecuencia de ser conocedores del proceso de creación del cristal, siendo éste muy complejo y económicamente relevante, los vidrieros fueron autorizados a llevar espada y gozar de algunas inmunidades en la época, pero no fueron nunca autorizados a dejar la República precisamente para no difundir los secretos de su arte.

MONUMENTOS

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Palazzo da Mula

Las atracciones de la isla son la Iglesia de Santa María y San Donato, conocida por sus mosaicos bizantinos del siglo XII y porque se dice que alberga los huesos de un dragón que mató San Donato; la Iglesia de San Pietro Martire y el Palacio da Mula

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En Murano solían existir muchas iglesias antes de que la ciudad se dedicara al negocio del vidrio. Sin embargo, cuando se comenzaron a establecer talleres de soplado de vidrio en la isla, prácticamente todas las iglesias fueron derribadas para hacer espacio para casas y fábricas de vidrio.

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Hoy en día quedan cuatro iglesias en Murano, de las cuales dos pueden ser visitadas por el público en general. Las iglesias que se encuentran abiertas son la de Santi Maria e Donato y la Chiesa di San Pietro.

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IGLESIA DE SAN PEDRO MARTIR (San Pietro Martire)

En la Fondamente Vetrai, encontrarás una interesante iglesia que data del siglo XIV, pero que fue reconstruida en 1511. Esta iglesia está muy bien decorada con obras importantes hechas por Tintoretto y Veronese.
Existe en esta iglesia una pintura muy importante hecha por Giovanni Bellini y dos piezas del altar elaboradas también por el mismo personaje.

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IGLESIA DE SANTA MARÍA E DONATO

La iglesia de Santa Maria e Donato se encuentra en el Campo San Donato.
Reconstruida en en el siglo XII y restaurada en el siglo XIX, pero siendo original del siglo VII, esta iglesia es una de las mejores muestras del estilo Veneciano-Bizantino que se pueden apreciar en nuestros días

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IGLESIA DE SANTA MARÍA E DONATO, abside

Además, esta iglesia es la atracción más importante de Murano, después de las fábricas de vidrio.

El interior de la Santa Maria e Donato es famoso por su gran abside con
mosaico de estilo bizantino veneciano, que se remonta al siglo XII.

y su piso, con dibujos hechos con piezas de marmol que forman multitud de criaturas, incluyendo hermosas águilas.

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CANAL DE SAN DONATO, Via principal de la isla

En siglos posteriores, muchos venecianos construyeron casas de descanso en Murano bajo la creencia de que los hornos y el humo que éstos producían eran benéficos para su salud.

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Vista del canal flanqueado por los numerosos comercios

La mayor parte del vidrio de Venecia es hecho en las fábricas de vidrio de Murano, de las cuales, muchas pueden ser visitadas. En la “calle central” de Murano, puedes encontrar muchas fábricas y la mayoría están abiertas para que los turistas las visiten.

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El Canal de San Donato, con San Pedro al fondo

Durante mucho tiempo Venecia tuvo el monopolio de la producción de vidrio en occidente y los métodos para su producción constituían un secreto muy preciado, al grado de que se consideraba alta traición el hecho de que un trabajador del vidrio abandonara la ciudad.

FÁBRICA DE CRISTAL

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Fábrica de Cristal de Murano Acceso a una fábrica de vidrio en la isla de Murano

Debes saber que las fábricas y talleres más interesantes y fascinantes de la isla no están abiertas al público pues estos lugares se dedican al negocio de hacer vidrio y no de entretener a los turistas y también porque los artesanos son muy celosos con sus técnicas y no desean que algún competidor les robe alguna idea.

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En la actualidad, los artesanos continúan pasando generación tras generación el secreto de la fabricación del cristal y siguen investigando en las aleaciones posibles. Además, abrieron la entrada del islote a los turistas para que puedan conocer los talleres y comprar laguna de las preciadas piezas, aunque nunca desvelarán el secreto.

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Seguro que te sorprenderá la increíble habilidad con la que el artesano cristalero, a partir de una burbuja de vidrio fundido a una temperatura de 1.200 grados centígrados, soplando por un tubo, con la sola ayuda de pinzas de hierro y giros a gran velocidad, crean las formas de elementos decorativos como jarrones, copas, etc

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Vasija reproducción antigua de cristal que imita al romano con pátina arqueológica
Estas piezas únicas por su formato y diseño, la gran mayoría de Saguso, con composiciones y formas muy diferentes a las predecesoras de la Antigüedad, que alcanzaron su plenitud de finura y delicadeza en el periodo Art Deco (años 20 y 30 del siglo XX).

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Piezas antiguas de cristal de Murano, época del Neoclasicismo, donde desde finales del siglo XVIII y sobre todo a mediados y finales del siglo XIX, la ciudad italiana de Murano fabricó una selecta cantidad de reproducciones al estilo de las antiguas piezas arqueológicas romanas de la Antigüedad Clásica.

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PALACIO GIUSTINIAN

Donde se localiza el Museo del Vidrio
Todo aquel turista que arribe a sus costas está prácticamente obligado a comprar una de las muchas obras de este increíble cristal: copas, joyas, lámparas, jarrones, etc…Y obligada también es la visita al Museo del Vidrio situado en el Palacio Giustinian.

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EL CRISTAL DE MURANO

Durante siglos y aún hoy, los vidrieros de Murano mantuvieron a salvo el secreto de la producción del cristal y descubrieron nuevas formas como el millefiori, cristallino, esmaltado y lechoso, incluso, dieron con la clave de fabricación de los antiguos cristales romanos, las actuales murrinas.

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Vetro di murano bicchiere,circa 1450-1500
Tradición artesanal que pasa de padres a hijos, hacen del cristal de Murano un símbolo italiano de lujo e historia. Si a esto le sumamos la pintoresca ubicación de las fábricas en una isla rodeada de espectaculares casas renacentistas, el resultado es inmejorable.

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Galanterie di vetro
El proceso de elaboración de este cristal es bastante complicado ya que al estar elaborado con sílice, coger el punto exacto en el que poder moldearlo es muy difícil. Recordemos que el sílice se vuelve líquido a altas temperaturas y su enfriamiento y, por tanto, dureza es muy rápida.

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Tipetto

Copas de cristal soplado a mano y adornados con rayas y decoraciones en el tallo de la copa.

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Queda a elección del artesano el mezclarlo con otros compuestos como el cobre, el oro, el cobalto, etc. que le van a dar al cristal el color tan llamativo que tienen.

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Ejemplo de varias copas de distintos colores, obtenidos con aditamentos especiales a la pasta de sílice

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Desgraciadamente, la belleza inicial del Cristal de Murano se va perdiendo con el paso del tiempo debido a la falta de elementos que permitirían una mejor conservación. Algunas piezas antiguas han perdido transparencia, mostrando un aspecto empolvado, presentan pequeñas gotas de agua, lo que se denomina “vidrio llorón” e incluso se vuelve quebradizo.

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Copas de cistal Retinato, trabajadas en un molde especial para formar este patrón diamante precioso
Definitivamente vale la pena visitar Murano, aún si no deseas comprar ninguna pieza de vidrio, la isla tiene mucho que ofrecerte

No hay ninguna descripción de la foto disponible.Juego de color “Rubí rojo” que se crea con una solución de oro que produce un color rojo brillante.

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Juego de copas de cristal de murano pintado a mano con oro de 24 k

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Otro hermoso juego, decorado con oro.

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Por lo general, el vidrio fabricado en Murano es de excelente calidad, sin embargo, es posible encontrarse con todo tipo de piezas, incluyendo algunas que muchos considerarían grotescas o mal hechas. Pero debes saber que la gran mayoría de los trabajos en vidrio que encontrarás en Murano durante tu visita, serán hermosas.

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Jarrón de Glass Filigrana tiene filamentos finos de hilo en un patrón o una espiral suave.

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Jarrón con diseño modernista

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Araña de “Crystal Venezio”, también conocido como cristal veneciano, de vidrio claro fué el primero creado. Se utiliza para lámparas y esculturas., Esta lámpara se encuentra en el Pałazzo Compagni

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Lampara veneciana de Murano Museo Cerralbo (Madrid) Hacia 1880.
La araña consta de 752 piezas de cristal coloreado opaco y translúcido Un gran jarrón de flores de base sirve de punto de partida al resto de los brazos de luz, de donde surgen un total de treinta. El efecto magistral de esta lámpara lo encontramos en dos largos brazos laterales que recuerdan la figura de una góndola, apareciendo rematados con centros florales en cuyo interior sobresalen unos jarroncillos con asas sobre las que se aplican a su vez pequeños remates en forma de pagoda

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Araña de cristal tipo “Venezio”

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Murano sigue fabricando de manera artesanal todo tipo de lámparas, como esta y las que vienen a continuación. Entre los enlaces que he puesto hay algunos donde se puede ver un catálogo de todas las piezas con sus respectivos y elevados precios.

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Como habreis visto, la fantasía y colorido que ponen en sus diseños es inagotable y a muchos de vosotros os fascinarán y otros serían incapaces de ponerlos en sus casas
Lo del precio que alcanzan, ya sería otro cantar…

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Tambien se continua con la tradición de los espejos venecianos, de los que existen muchos modelos. (ver enlaces)

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Pisapapeles de cristal millefiori.
El cristal millefiori se produce cortando haces de varillas de vidrio
La técnica millefiori implica la producción de los bastones de vidrio o varillas, conocidos como murrine

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Pisapapeles Millefiori
se hacen por la superposición de un número variable de capas de vidrio de varios colores en un molde, y tirando del vidrio blando de ambos extremos hasta que la caña ha alcanzado el espesor deseado. A continuación se corta en segmentos cortos para su posterior procesamiento.

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Piedras de murano utilizadas como abalorios de collares y pulseras.

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“Perlas” de vidrio Millefiori 1920 hecho a mano, en Murano y que puede ser utilizado en la artesanía y joyería

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Vasitos con distintos diseños.

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Cómo llegar a la Isla de Murano
Llegar a Murano desde la parte central de Venecia resulta sumamente sencillo usando los servicios de los vaporetti, o autobuses acuáticos, operados por la autoridad del transporte de Venecia, la ACTV. Una vez en Murano, podrás andar a pie sin problemas.
Desde la Plaza de San Marcos
Cerca de la Plaza de San Marcos se encuentra la parada San Zaccaria. Desde ahí puedetomar el vaporetto 42 que te llevará a Murano, pasando por Fonamente Nuove y el Cementerio San Michele en un viaje que dura aproximademente 40 minutos.Desde Fondamente Nuove

Fondamenta Nuove es el lugar desde donde muchos botes hacen paradas en la costa norte de Venecia.Desde ahí puedes tomar el vaporetto 41 para llegar en tan solo 10 minutos a Murano (a la parada Colonna). También puedes tomar el vaporetto LN que llega a la parada Faro en Murano, antes de seguir hacia Burano y Torcello.

Desde la Piazzale Roma y la Estación de Trenes

La línea Diretto Murano (DM) del vaporetto pasa por la Piazzale Roma y viaja directamente a Murano en un viaje que dura aproximadamente 17 minutos.
También, desde la Piazzale Roma puedes tomar el vaporetto 41 que llega también a Murano pero haciendo varias paradas antes.
Desde el Aeropuerto Marco Polo

Las pinturas de castas

La pintura de castas fue un fenómeno artístico que existió principalmente en la Nueva España en el siglo XVIII, existiendo también ejemplares en Perú.

Las pinturas eran, en parte, producto de la Ilustración e intentaban representar las muchas castas, el producto de la mezcla de razas, que existían en el Nuevo Mundo.
Asi que durante el siglo XVIII en los virreinatos de Nueva España y Perú se desarrolló un género de pintura ahora llamado los “cuadros de casta”.

Por documentos, sabemos que el origen de estas obras se puede rastrear hacia 1710, cuando el virrey Fernando de Alencastre , duque de Linares, quiso darle a conocer al rey Felipe V y a su corte, las diferentes mezclas raciales de la Nueva España.
Distinto del concepto de “raza”, típicamente representado en la sociedad contemporánea, la casta en Hispanoamérica integraba representaciones culturales más que las biológicas.

El Imperio Español clasificó a las personas, según “razas” y “cruzas” étnicas, para organizar un sistema social estratificado en sus posesiones de América.

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El diccionario de la Real Academia Española de 1780 define “casta” como “generación o linaje.”

Definiciones de la RAE (actual):

  1. Ascendencia y descendencia de una persona o de un animal.
  2. Variedad de una especie animal que reúne ciertos caracteres hereditarios.
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    El sistema de castas, no solo se dió en las posesiones española, en otros países también aparecieron, asi en: Sudafrica (apartheid), Estados Unidos, la India (llamados yati o ‘clan), el Imperio británico (separación entre blancos e indígenas), el Imperio alemán, y también separación entre blancos y negros en Ruanda-Burundi y entre negros hutus y tutsis…)

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El diccionario indica el sentido de que también existen las castas en ciertos animales, como los caballos, perros, etc y en esta imagen se muestra la diferencia de tamaños, colores, pelajes, etc entre algunas de las más de 300 razas de perros, que han sido criados selectivamente para conseguir características específicas durante miles de años. Se trata de juntar, a propósito el macho y la hembra de cada especie para que de su procreación salga determinada casta.”
Las castas se desarrollaron de un proceso de intercambio cultural, y las raíces étnicas que forjaron la identidad mestiza en Nueva España: fueron los indígenas, los españoles, los negros y escasas veces los asiáticos.

<img src=”https://image.slidesharecdn.com/lascastasdelanuevaespaa-091109164351-phpapp02/95/las-castas-de-la-nueva-espaa-5-1024.jpg?cb=1257785063&#8243; alt=”Las actividades en la Nueva España estaban estrechamente ligadas a este complicado sistema de clasificación:

  • Gobie…”>
    Las listas que se presentan aquí probablemente son las que el artista conocía o prefería, la que el cliente pidió, o una combinación de ambos. Es importante aclarar que estos cuadros tenían como objetivo ser apreciados por un público europeo, ávido de conocer los detalles exóticos de las nuevas tierras. Por ello, en los cuadros no sólo aparecen personas, sino también sus alimentos, carácter y manera de ganarse la vida etc, siendo una rica fuente de información para el estudio de todo ello.

    Muchos autores, al referirse a la población de la Nueva España consideran primero a los grupos mayoritarios y su importanc...
    Un “mestizo” era producto de la mezcla de un español más un indígena. Por ello, algunos mestizos fueron educados como caballeros y damas españoles porque la Corona consideraba humillante que un hijo de español fuera educado entre los indígenas. Otros eran negados y discriminados y a veces se les tomaba por españoles o indígenas, pero sin ser aceptados totalmente por ninguno de los dos grupos.

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    Castas mexicanas (Fragmentos de los óleos de Cabrera)

    Hoy sabemos que la pigmentación de la piel está determinada por los genes biológicos y no por la “sangre” de las personas, de manera que estas pretendidas nomenclaturas raciales plasmadas en los cuadros, científicamente no son ciertas y sólo son propias de la forma de pensar que se tenía trescientos años atrás.

    LOS VIRREINATOS
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    Los Virreinatos de Nueva España en 1819

    El virreinato de Nueva España fue una entidad territorial integrante del Imperio español, establecida en gran parte de América del norte por la Corona durante su dominio en el Nuevo Mundo, entre los siglos XVI y XIX, etapa conocida como período colonial mexicano. Fue creada tras la caída de México-Tenochtitlán, evento principal de la Conquista la que propiamente no concluyó sino hasta mucho después, pues el territorio de Nueva España siguió creciendo hacia el norte, a costa de los territorios de pueblos indígenas del desierto.
    La mayoría de las imágenes de castas, salen de Nueva España (lo que principalmente es México hoy en día) durante los años 1780. Los cuadros de castas también se pintaron en el Perú y otras partes de los virreinatos.peru
    El Virreinato del Perú fue una entidad territorial situada en América del Sur, integrante del Imperio español y que fue creada por la Corona durante su dominio en el Nuevo Mundo, entre los siglos XVI y XIX.
    El inmenso virreinato abarcó gran parte del territorio de Sudamérica, incluida Panamá. Quedó fuera de él, también como bien realengo, Venezuela y Brasil, que sobre el océano Atlántico, pertenecía a Portugal.
    Sin embargo, durante el transcurso del siglo XVIII su superficie sufrió tres importantes mermas al crearse -con parte de su territorio- dos nuevos virreinatos de la corona española: el Virreinato de Nueva Granada y posteriormente el Virreinato del Río de la Plata. Al mismo tiempo el Brasil lusitano extendía sus fronteras hacia la Amazonia.

    LAS CASTAS Y SUS REPRESENTACIONES:

    Con este abundante racismo, se llegaría a intentar definir las tantas «mezclas» como personas había, aplicando para ello decenas de nombres para todo tipo de «resultados» surgidos.

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    Los nombres de las castas varían de región en región y cambiaban a través del tiempo y en cualquier caso, los genetistas e historiadores modernos no aceptan que existan las llamadas razas puras, siendo quizá la totalidad de la población mundial el producto de diversas mezclas, algunas de más compatibilidad fenotípica dando apariencia racial.

    Muchas de las series de pinturas de castas, se encuentran incompletas y sin autoría, mientras que hay otras de pintores como: Ignacio de Castro, José Joaquín de Magón, Andrés de Islas, y por supuesto, Miguel Cabrera.

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    Indios gentiles de Andrés de Islas, (1774)
    Cartela: Expresión de las Castas de gentes de que se compone este Reyno de Mexico; los motivos porque resultó la diversidad; y los nombres con que se distinguen todas las calidades: Hecha en Puebla de los Angeles”, ca. 1750.

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    Sor Juana Inés de la Cruz por Andrés de la Islas, (una de sus obras mas conocidas).
    Al margen de sus pinturas de castas, este artista pintó a una de las pocas figuras de la cultura mexicana durante el período colonial, que fueron más populares y despertaron más interés que, la que tras entrar en religión, tomó el nombre de Sor Juana Inés de la Cruz. Mujer de gran cultura, literata de renombre y protegida de virreyes, desde muy temprana edad dedicó la mayor parte de su vida a la lectura y el estudio, pasando pronto a realizar sus propias composiciones en diferentes géneros

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    Pintura de castas de Luis de Mena (C. 1750). Museo de América, Madrid.

    Otra serie muy interesante, porque reflejan la vida de la sociedad novohispana del siglo XVIII. anónimo.
    Los cuadros de castas se presentaron con mayor frecuencia en series de dieciséis lienzos individuales agrupados a modo de mural en dieciséis compartimentos. Cada serie suele representar por lo general a un hombre, mujer y niño
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    Pintura de castas anónimo del S.XVIII. Museo Nacional del Virreinato (Tepotzotlán)
    Lista anónima:
    1. Español con India, Mestizo
    2. Mestizo con Española, Castizo
    3. Castiza con Español, Española
    4. Español con Negra, Mulato
    5. Mulato con Española, Morisca
    6. Morisco con Española, Chino
    7. Chino con India, Salta atrás
    8. Salta atrás con Mulata, Lobo
    9. Lobo con China, Gíbaro (Jíbaro)
    10. Gíbaro con Mulata, Albarazado
    11. Albarazado con Negra, Cambujo
    12. Cambujo con India, Sambiaga (Zambiaga)
    13. Sambiago con Loba, Calpamulato
    14. Calpamulto con Cambuja, Tente en el aire
    15. Tente en el aire con Mulata, No te entiendo
    16. No te entiendo con India, Torna atrás
    (Transcripción literal de la lista)

    Obras del pintor novohispano Miguel Cabrera (1695-1768)

    En México resalta el arte novohispano de Miguel Cabrera, quien realizó una serie de obras inspiradas en las castas del México colonial.

    Esta serie de pinturas data del año 1763, en ellas se representan a las familias (padre madre y prole) de diferentes castas y estrato socio económico, en situación cotidiana (mercado, hogar o calle) en las que se puede apreciar claramente la diferencia entre los estratos sociales y la relación que tiene dicho estrato con la casta a la que pertenecía el individuo. Actualmente esta colección se encuentra en el Museo de América, en Madrid
    Resultado de imagen de LA ILUSTRACION EN NUEVA ESPAÑA

    El problema en torno a las razas y al mestizaje como consecuencia de la unión entre los tres grupos raciales de la colonia: españoles, indios y negros, contó en el siglo XVIII con un gran auge entre los estudiosos que en el marco de las reformas Borbónica y la Ilustración, realizaban por todo el nuevo continente un exhaustivo trabajo de observación y clasificación de la naturaleza, su flora, su fauna, los recursos naturales y entre esta naturaleza, los seres humanos.
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    “Mulatos de Esmeraldas” de Andrés Sánchez Gallque (1599) Museo de América, Madrid.
    Antes del siglo XVIII, la mayoría de los mestizos era considerada “gente vil” y se les negaba el derecho de ocupar cargos reales, eclesiásticos o municipales. Por ello, el papel de los mestizos en la Colonia fué desde un principio un factor de inestabilidad, pues no tenía un lugar definido en la sociedad de su tiempo. Los mestizos fueron rechazados tanto por los indígenas como por los españoles

    Castas de origen Casta resultante
    español indígena mestizo
    indio negro zambo
    negro zambo zambo—prieto
    español negro mulato
    mulata español morisco
    español morisca albino
    albino español saltatrás
    indio mestizo coyote
    español coyote harnizo
    coyote indio chamizo
    chino india cambujo
    cambujo india tente en el aire
    mulato tente en el aire albarazado
    La imagen puede contener: 3 personas
    Indios gentiles (Cabrera)

    Se denomina indios o indígenas a los descendientes de los habitantes nativos de América –a quienes los descubridores españoles, por creer que habían llegado a las Indias, llamaron indios. El adjetivo gentil, se refiere a una persona, que no es cristiana ni pertenece a alguna religión y no esta bautizada

    Aquí se presentan dos listas de castas de diferentes conjuntos de retratos de castas. que solo están de acuerdo en los nombres de las primeras cinco combinaciones, en su mayoría las que son entre blancos e indígenas. No hay acuerdo en los nombres, ni definiciones, de las mezclas con negros.
    A continuación pongo la serie de Miguel Cabrera y las que llevan la cartela que corresponden a Mexico (Álbum del mestizaje)
    Comprobareis que aunque muchos coinciden en los nombres asignados, en otras difieren totalmente, según el autor.
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    De español e india nace mestizo

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    De español e india nace mestizo (Cabrera)
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    De español y mestiza nace castizo
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    De español y mestiza nace castizo (Cabrera)

    Los castizos surgieron entre la mezcla de europeos con mestizos, su aparición comenzó después del mestizaje entre europeos (españoles en su mayoría) y amerindios junto con la continua llegada de otros europeos al continente americano una vez establecido el colonialismo.

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    De español y negra nace mulata (Cabrera)
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    De español y negra nace mulata
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    De español y mulata nace morisca (Cabrera)
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    De español y mulata nace morisca

    De español y morisca, nace albino (Cabrera)
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    De español y morisca nace albino

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    De español y albina nace torna atrás (Cabrera)
    En este punto, hay que precisar que el blanqueamiento no se aceptaba para la «raza» negra. Por ejemplo, un torna atrás era una persona nacida de la unión sexual de dos «blancos», pero que tenía características fenotípicas de «negro». Esto era porque la sociedad hispanoamericana colonial asociaba un atavismo ( es decir, tendencia a reproducir tipos originales) a los negros. El miedo era que no importaba cuántas generaciones de «blancos» una persona podía tener: si finalmente un abuelo o bisabuelo había sido «negro» o «indio», los rasgos raciales negros o indígenas volvían a aflorar en sus descendientes en mayor o menor medida.
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    De español y albina nace torna atrás
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    De lobo e india nace albarazado (Cabrera)
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    De sambaigo e india nace albarazado

    El apelativo “lobo” cambia en esta serie a “Sambaigo”
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    De español y torna atrás nace Tente en el aire (Cabrera)
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    De lobo torna atrás e india nace tente en el aire
    Esta es otra acepción de “torna en el aire”
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    De castizo y mestiza sale Chamizo (Cabrera)
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    De albarrado e india nace cachimboreta

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    De albazarado y mestiza sale barcino
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    De indio y barcina nace zambaiga
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    De lobo e india sale sambaiga

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    De negro e india sale china cambuja

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    De chamizo e india nace cambujaLa imagen puede contener: 4 personas

    De mestizo e india nace coyote

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    De mestizo e india sale Coyote

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    De chino cambujo e india nace Loba

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    De negro e india nace lobo

    jerarquias castas

    La sociedad americana se organizó como una pirámide jerárquica que ubicaba en la cúspide a los “españoles” (peninsulares y criollos), y bajo ellos, a la mayoría de la población integrada por “indios” o “naturales” (pueblos originarios), “negros” (traídos como esclavos de África) y “castas” (descendientes de relaciones sexuales entre las tres grandes ramas étnicas anteriores)
    El primer estrato de esta sociedad discriminatoria por la piel está ocupado, por el sector blanco de la población. Lo constituye una minoría de españoles peninsulares ricos y muy influyentes (los llamados “gachupines” en Nueva España y “chapetones” en Perú) y de criollos que les siguen por prestigio socioeconómico.

    Resultado de imagen de piramide castas

    Los negros y mulatos suelen representarse como cocheros, los indios como vendedores de comida, y los mestizos como sastres o zapateros. Las mulatas y mestizas, como cocineras o costureras.
    A medida que la sociedad colonial se había ido estructurando durante la anterior centuria, se fue dando mayor importancia a la pureza de sangre, derivando en un sentido jerárquico y aristocrático, perfectamente conformado a principios del siglo XVIII.
    Tal fue la importancia atribuida a la limpieza de sangre (que en muchos casos no era limpieza absoluta de sangre blanca) que con frecuencia los individuos de este sector recurrieron en este período a la Audiencia para certificarla
    Fuentes:

    http://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?
    http://www.scielo.org.ar/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1852-96152012000200009
    https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_de_castas
    https://alcolonial.wordpress.com/2012/12/09/pintura-de-castas-miguel-cabrera-imagenes/
    http://genealogiaegusquiza.blogspot.com.es/2010/12/las-pinturas-de-las-castas-en-america.html
    http://ablaevariteprobatum.blogspot.com.es/2013/04/miguel-cabrera-y-la-pintura-de-castas.html