Santa Teresa de Ávila

Santa Teresa nació en Ávila (España) el 28 de marzo de 1515. A los 18 años ingresó en el Carmelo y a los 45 años, buscando responder a las gracias extraordinarias que recibía del Señor, emprendió una misión renovadora. Por ello, junto a San Juan de la Cruz introdujo la gran reforma carmelitana.

«La educación de Santa Teresa»

Desde sus primeros años mostró una imaginación vehemente y apasionada. Su padre, aficionado a la lectura, tenía algunos romanceros.

Teresa con seis o siete años de edad. era muy aficionada a la lectura de libros de caballerías pero también le gustaban las vidas de santos.

Jardín de la casa de Teresa, con su hermano Rodrigo

Desde niña, meditaba mucho sobre que el infierno y del paraíso fuesen para toda la eternidad. Con su hermano Rodrigo, dos años mayor que ella, repetía las palabras «Para siempre, siempre, siempre»

José de Espinoza de los Monteros: Escapada de Santa Teresa y su hermano

Incluso llegó a planear una escapada infantil por lo que a los 7 años convenció a su hermano Rodrigo para que se fugase con ella de casa y se fueran «a tierra de moros», buscando el martirio.

Convento de agustinas de Nuestra Señora de Gracia, Ávila

Teresa entró como alumna en julio de 1531 en el convento de las monjas de la Orden de San Agustín que estaba junto al Alcázar. Este convento tenía una pensión donde se enseñaba a las jóvenes, labores de bordado y prácticas religiosas.

Reproducción de la alcoba de Santa Teresa en su casa.

Al poco tiempo, afectada por una enfermedad de la que se tienen escasas referencias, Teresa volvió a su casa y tras permanecer en su casa tres años y a pesar de la oposición de su padre, el 2 de noviembre de 1535, Teresa quiso entrar como postulanta en el Convento de la Encarnación, de carmelitas, en Ávila.

Monasterio de la Encarnación de Ávila

El Carmelo, es una orden religiosa de vida contemplativa, fué fundada a mediados del siglo XII por ermitaños en la Capilla de Santa María del Monte Carmelo, en Tierra Santa.

El Profeta Elías

Donde el profeta Elías demostró el poder del Señor ante los sacerdotes de Baal en el siglo IX a. C.

Teresa de Jesús por José de Ribera 1630


En 1538 cae de nuevo enferma, tras entrar al convento su estado de salud empeoró. y, ante el fracaso de los médicos, su padre le lleva a una curandera cuyo tratamiento «deja a la enferma medio muerta» El 15 de agosto de 1539 (solemnidad de la Asunción de María) sufrió un ataque repentino y violento (que ella llamó paroxismo) de su enfermedad, una serie de convulsiones seguidas de pérdida de conocimiento.

Llegaron a darle la extremaunción, pues creyeron que estaba muerta. Oficiaron una misa de difuntos en su honor, y también cavaron su tumba. Un par de días después, cuando su hermano Lorenzo estaba junto al lecho de Teresa, esta recuperó el conocimiento: Se había tratado de un coma profundo que duró cuatro días.

Imagen de San José y el Niño- Luis Salvador Carmona. Iglesia de San José, Madrid

Al cabo de un mes de estar muy postrada, pidió volver al convento, pero allí, tuvo que permanecer tres años mas en reposo, hasta que logra retomar la vida conventual en abril de 1542.​ Teresa atribuyó esta mejoría a la intercesión de San José.
Aunque no abandonó la lectura, sí iba dedicando menos tiempo a la oración y pasaba muchas horas en el locutorio del convento con visitas, ya que las costumbres del convento eran relajadas.

Aparición de Cristo Salvador a santa Teresa de Jesús, Alonso Cano

Según su testimonio, hacia 1543 se le apareció Jesucristo, reprendiéndola para que dejase de ver a una persona con la que se reunía a charlar habitualmente de cosas mundanas en el locutorio.​

La Santa con Cristo atado a la columna. Copia del original destruido de Gregorio Fernandez
Museo de Ávila

En 1554, cuando rondaba los 40 años, tuvo lugar su conversión definitiva ante un Cristo llagado. «Ese día nace Teresa de Jesús y comienza la segunda etapa de su vida. La de su fecundidad espiritual, mística y literaria.

«El éxtasis de Santa Teresa» de Bernini Éxtasis de Santa Teresa, por Gian Lorenzo Bernini, (Barroco Italiano), Capilla Cornaro, Iglesia de Santa Maria della Vittoria, Roma, Italia, 1644—1652

El Éxtasis de Santa Teresa es también conocida como la Transverberación de Santa Teresa. El 29 de junio de 1559, mientras estaba rezando, tuvo la sensación de que Cristo estaba a su derecha y le hablaba y en abril de 1560, cuando estaba en casa de Guiomar de Ulloa, se produjo la Transverberación o éxtasis:

Santa Teresa recibió la aparición de un ángel muy hermoso que identificó como un querubín. Dicho ángel llevaba en la mano una larga espada de oro cuya punta parecía encendida. Le religiosa sintió que el ángel le hundía la espada en su corazón y le traspasaba las entrañas.

Descripción del Éxtasis
Bernini, autorretrato

Su autor, Bernini fue el mejor escultor de su época, no solo en Italia sino en toda Europa, ademas de gran arquitecto y pintor. Durante su vida, Bernini gozó del favor y la protección de siete papas, para los que realizó numerosas obras. Sin embargo fueron tres los que mayores obras le encargaron. En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII.

En la escultura, Santa Teresa aparece acostada, flotando suspendida en una nube que se funde con su ropaje de extraordinarios pliegues. Dichos pliegues transmiten el desmayo y el cuerpo sensual que se oculta debajo, a pesar que solo podemos ver la cara, las manos y los pies descalzos de Teresa.

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Con la boca entreabierta y los ojos entrecerrados dan una expresión de sumisión y entrega total.

El ángel, que esta flotando sobre el cuerpo de la santa, esta a punto de clavar el dardo amoroso en su corazón y la contempla con la cabeza ladeada con una expresión de dicha y ternura. De esta manera el artista tenía que hacer visible lo que él sabia del éxtasis corporal. El rostro de una mujer en la cima de la euforia sexual.

El conjunto de la Capilla Cornaro

La Reforma del Carmelo

Convento de San José , Ávila

Su ideal de reforma de la orden se concretó en 1562 con la fundación del convento de San José. Se inicia entonces una nueva etapa en su vida, en la que la dedicación a la contemplación y la oración es compartida con una actividad extraordinaria para conseguir el triunfo de la reforma carmelitana.


Empezó entonces a ser favorecida con visiones «imaginarias» e «intelectuales», visiones que habrían de sucederse a lo largo de su vida y que determinaron sus crisis para averiguar si aquello era «espíritu de Dios» o del «demonio».

San Pedro de Alcántara confesando a Santa Teresa
Autor: ¿Taller napolitano?

Su encuentro en 1560 con el santo franciscano Pedro de Alcántara resultó providencial para alcanzar la paz.

Poco antes había tenido oportunidad de conocer a Francisco de Borja


Tras estos encuentros, a pesar de haber sido incomprendida, perseguida y hasta acusada en la Inquisición, fundó nuevos conventos, optando por una vida más austera, sin vanidades, ni lujos.

Convento de Santa Teresa (Casa natal)

Los Conventos :
El lugar por excelencia para conocer obras carmelitanas es Ávila, ciudad que vio nacer a la religiosa. Siete son los enclaves que hay que ver allí: Convento de Santa Teresa, Iglesia de San Juan Bautista, Los cuatro postes, Convento de Nuestra Señora de Gracia, Monasterio de la Encarnación, Monasterio de San José (Las Madres) y el Real Monasterio de Santo Tomás.

Plano de Ávila
Fachada del convento de Santa Teresa

En primer lugar, su casa natal, donde hoy se ubica la iglesia de la Santa. Una imponente talla de Teresa de Jesús escritora labrada saluda desde la fachada.

La Merced del collar de Gregorio Fernandez

El presbiterio del templo alberga uno de los grandes temas de la iconografía teresiana: «La Merced del Collar», grupo tallado por Gregorio Fernández con la Santa entre la Virgen y San José.

Convento de San José o de las Madres

Otro destino abulense es el Convento de San José, su primera fundación (1562). Un artista destaca en él: Alonso Cano, responsable de varias imágenes que siguen los modelos de Gregorio Fernández.

«La Santa en la cocina» cuadro del pintor Francisco Rizi, que se guarda en el Convento de San José.

«La Santa en la cocina», hace referencia al tema «entre pucheros anda el Señor».

Monasterio de la Anunciación de Nuestra Señora de Carmelitas Descalzas de Alba de Tormes

Rizi, coetáneo de Velázquez o Zurbarán, es también el artista más destacado de la iglesia del Monasterio de la Anunciación de Nuestra Señora de Carmelitas Descalzas de Alba de Tormes (Salamanca) ya que fue allí donde murió la Santa.

La Sagrada Familia con la Santa , Francisco Rizi (Alba de Tormes)
Monasterio de la Encarnación de Peñaranda de Bracamonte (Salamanca)

En Peñaranda de Bracamonte (Salamanca), el convento, fundado por Gaspar de Bracamonte y Guzmán, alberga una excelente colección de pintura barroca italiana.

La Transverberación

Seis de las obras pertenecen al napolitano Luca Giordano, entre ellas, una referente a «La Transverberación».

Fundaciones:
Hay nueve de fundaciones en Castilla y León (Ávila, Alba de Tormes, Salamanca, Segovia, Palencia, Soria, Segovia y Burgos). y otras muchas en el resto de España.

Apoyada por el general de la Orden del Carmen, recorrió todos los caminos de España fundando conventos. Fueron 16 en apenas 20 años: Ávila, Medina del Campo, Malagón, Valladolid, Toledo, Pastrana, Salamanca, Alba de Tormes, Segovia, Beas de Segura, Sevilla, Caravaca, Villanueva de la Jara, Palencia, Soria, Granada y Burgos. Pero no pudo cumplir su deseo de fundar un convento en Madrid.

Palacio Ducal de Pastrana

Una fundación destacada, por sus peculiaridades, fué en Pastrana:
En 1569, los Príncipes de Éboli mandan llamar a Santa Teresa de Jesús con el fin de fundar un convento de Carmelitas Descalzas, creando el de San José para mujeres y el de San Pedro (hoy del Carmen) para hombres.

Convento de San José de Pastrana

El Convento de San José es una reunión de casas, realizándose en el S.XVII la hermosa y sencilla iglesia actual. Perteneció a la Reforma del Carmelo, hasta que, tras los problemas con la Éboli, fue ocupado por monjas Franciscanas Concepcionistas.

Convento de San Pedro, hoy día del Carmen (Masculino)
Iglesia de San José, Madrid

Esta iglesia de San José fue el primer convento de carmelitas (reformados) que hubo en Madrid. Teresa no llegó a fundarlo personalmente y fué iniciada su construcción por fray Nicolás de Jesús y María en 1586

Iconografía de la Santa

Se acepte o no la denominación de santa, es innegable que el carisma de Teresa ha servido de inspiración a prestigiosos artistas.

Teresa de Jesús de P.P.Rubens

En ella se fijaron pintores como Zurbarán, Velázquez o Rubens, y escultores de la talla de Gregorio Fernández o Bernini.

Se trata de obras pertenecientes fundamentalmente al arte barroco, periodo en el que «se desarrolla la vida, los hechos y la herencia de Santa Teresa»

Santa Teresa de Gregorio Fernandez Museo de Escultura de Valladolid

Determinados artistas que trabajan para los conventos carmelitas». Así ocurre en Castilla con el imaginero Gregorio Fernández, que crea un modelo repetido hasta la saciedad.

Teresa de Jesús por Fray Juan de la Miseria

La difusión de la imagen de Teresa de Jesús partió del convento de San José de Sevilla a partir de copias del retrato realizado por fray Juan de la Miseria
La obra precursora corresponde a una pintura realizada por Fray Juan de la Miseria en 1576, cuando la religiosa tenía 61 años. «Es un rostro de una mujer mayor, nada idealizado» Esta pintura determinó toda la iconografía de Santa Teresa «durante 40 ó 50 años».

La Santa como escritora, pintada por José de Ribera, Museo del Prado

Con motivo de su beatificación y siglos antes de que Pablo VI la declarara Doctora de la Iglesia (1970), aparece un segundo tipo iconográfico: la Santa escritora, «con su hábito y su capa, Teresa de Jesús sostiene una pluma con su mano derecha y un libro con la izquierda, mientras recibe la inspiración del Espíritu Santo»

La consolidación de esta iconografía se puede ver en las primeras tallas procesionales que se hicieron en Salamanca y Alba de Tormes. Será también el modelo más utilizado en la escultura del siglo XVII, donde uno de sus mejores intérpretes fue Gregorio Fernández, quien trabajó para los Carmelitas Calzados y los Descalzos.

Convento de la Concepción del Carmen de Valladolid

Gregorio Fernández firma también las imágenes del Retablo Mayor de la Iglesia del Convento de la Concepción del Carmen de Valladolid
El monasterio, que cumple los principios de austeridad de la «arquitectura teresiana», reúne también obras de Alejo de Vahía y Juan de Juni, además de cartas autógrafas y un manuscrito original del «Camino de Perfección»

Monasterio de San José del Carmen, en Medina del Campo

Otro importante destino vallisoletano para descubrir arte relacionado con la Santa es el Monasterio de San José del Carmen, en Medina del Campo, su segunda fundación.

Pinturas :

Primer milagro de Santa Teresa de Jesús. Luis Madrazo

En 1561, Gonzalo de Ovalle sobrino de la santa, niño de corta edad, apareció muerto en su casa de Ávila, que se estaba adecuando para convento carmelita. El niño volvió a la vida tras las oraciones de la Santa. En la pintura de Luis de Madrazo

Santa Teresa por Francisco de Zurbarán

Una de las pinturas de Santa Teresa más significativas en la Archidiócesis de Sevilla está en la Sacristía Mayor de la Catedral: la realizada por Francisco de Zurbarán, fechable hacia 1650.

Santa Teresa por François Gerard

Hay una tierna y sobrecogedora imagen idealizada de Santa Teresa de Jesús a través de Madame Juliette Recamier, por François Gerard, (Romanticismo), 1827, París

La Obra literaria:

obras

Algunas de sus obras mayores:

Libro de la Vida (escrito entre 1562 y 1565),
Las Relaciones espirituales
El Libro de las fundaciones (iniciado en 1573 y publicado en 1610)

y sus cerca de quinientas Cartas.


Para ayudar a sus religiosas a la realización de su ideal de vida religiosa compuso :

Camino de perfección (escrito entre 1562 y 1564 y publicado en 1583)

Las moradas o Castillo interior (1578).

Y muchos otros como:«Meditaciones sobre los Cantares», «Exclamaciones», «Fundaciones», «Visita de Descalzas», las «Constituciones» para sus monjas, poesías y medio millar de cartas además de 66 «Cuentas de conciencia» para sus confesores.

Beatificación y santidad.
En 1614 fue declarada beata, y en 1622 fue canonizada por Gregorio XV. (Santa Teresa había muerto 30 años antes)

Este lienzo representa a los nuevos santos. Es una obra de Guy François de Le Puy-en-Velay, (siglo XVII).

En este célebre acto de la canonización se incluyó en el libro de los santos, junto con esta santa carmelita, a Ignacio de Loyola, Francisco Javier, Isidro Labrador,

La Santa Doctora
Obstat sexus «el sexo lo impide». Con esta lapidaria respuesta, anunciaba el Papa Pío XI, por boca de Monseñor Aurelio Galli, su negativa a que Teresa de Jesús fuese declarada Doctora de la Iglesia, allá por el año 1923.

Pero por fin, fue votada su admisión por unanimidad y el Papa Pablo VI, aprueba el doctorado el 2 de julio de 1969, y el 2 de marzo de 1970 la Orden Carmelitana Descalza recibe de la Santa Sede la comunicación oficial» siendo la primera mujer que recibía esta distinción.

Teresa como doctora. Carmelitas Descalzas de Antequera

Junto con san Juan de la Cruz, se la considera la cumbre de la mística experimental cristiana

San Juan de la Cruz, a los 25 años el 1567, es ordenado sacerdote y se traslada a Medina para cantar su primera misa; allí se encuentra casualmente con Santa Teresa que tenía entonces 52 años y ya es fundadora.
La intuición de la Madre fue certera y nunca quedó desmentida. Desde entonces los dos grandes autores místicos de la Cristiandad caminan juntos en la historia del Carmelo

LA VIRGEN Y LOS SANTOS CARMELITAS

Nuestra Señora del Monte Carmelo con Santa Teresa de Jesús, Santa María Magdalena de Pazzi, San Ángel de Sicilia y San Simón Stock, óleo de Pietro Novelli conservado en el Museo Diocesano de Palermo.

Escudo de la Orden

FUENTES:

Libro de la Vida


https://es.wikipedia.org/wiki/Teresa_de_Jesús


file:///C:/Users/ch/Downloads/TESIS448-140205.pdf Iconografía de Santa Teresa


https://www.abc.es/local-castilla-leon/20140818/abci-tras-arte-santa-201408181050.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Orden_de_los_Carmelitas_Descalzos

El infierno en el arte

El infierno, proviene del latín infernum o inferus que significa “subterráneo” o “inferior”.
Según muchas religiones, el infierno viene de la palabra hebrea (Sheol) y griega hades y según muchas religiones es el lugar donde después de la muerte son torturadas eternamente las almas de los pecadores.

Es equivalente al Gehena del judaísmo, al Tártaro de la mitología griega, al Helheim según la mitología nórdica y al Inframundo de otras religiones.
Sin embargo, de acuerdo a las investigaciones , su origen viene de civilizaciones muy antiguas de Medio Oriente como las sumerias, babilónicas, egipcias y otras.

El infierno de otras civilizaciones

El averno no siempre había sido considerado un lugar de sufrimiento, antes podía ser simplemente un lugar de tránsito indefinido, así lo veían los hebreos con el Sheol, el Arallu babilonio o el Hades de los griegos.

Arallu

Babilonia
Se le daba el nombre de Arallu y hay un personaje destacado en su cultura:

La ramera de Babilonia cabalgando sobre la bestia de siete cabezas (grabado ruso del siglo XIX).

La ramera de Babilonia que aparece en el libro bíblico del Apocalipsis, concretamente en los capítulos 17 y 18.

Beato de Facundo, El Dragón da su poder a la Bestia

Se asocia con el Anticristo y la Bestia del Apocalipsis por su conexión con el reino de las siete cabezas y diez cuernos.

Avici (Infierno del budismo) Reino de los Narakas, uno de los seis reinos del samsara

Budismo
Reino de los Narakas, nombre dado a uno de los seis reinos del samsara de mayor sufrimiento de toda la cosmología budista.

El alma del difunto es llevada por Anubis, que tras el pesaje, lo presenta a Osiris

Egipto
Para los egipcios, su paraiso se llamaba Aaru y para llegar a él, el alma debía atravesar las 12 tierras del infierno, conocido como Duat, donde el espíritu del muerto debía ir y venir de un lado a otro, esquivando seres malignos.

El Duat

Este lugar incluso estaba «cartografiado» y mostraba una tierra dividida por dos caminos, estos estaban separados por un río de fuego
El Libro del Amduat o “Libro de lo que hay en el otro mundo” es una composición religiosa, surgida en el Reino Nuevo, que describe el viaje nocturno del Sol (Ra) por el mundo del Más Allá

Finalmente, al atravesar el Duat, el alma se encontraba con Osiris, el señor del inframundo, frente a quien debía jurar que no había violado las leyes divinas, y era aquí cuando su corazón era pesado en una balanza por Anubis; si era inocente, entraría al paraíso, si no, seria arrojada a la bestia Ammitt.

Valle de Hinom

Judios
Entre los judíos, los fariseos y los esenios admitieron la creencia de un infierno a su modo. Este dogma lo habían transmitido ya los griegos a los romanos, y lo adoptaron los cristianos. Lo llamaron Gehena y estaba en el Valle de Hinom. El valle estaba fuera de la muralla sur de la antigua Jerusalén, y se extiende desde el pie del Monte Sion hasta el valle de Cedrón. Los muertos no pecadores iban al Sheol.

Islam
En cuanto a la estructura del Infierno islámico, el Yahannam, el libro más descriptivo es el de Las mil y una noches. En la Noche 493, este libro habla de un edificio de siete pisos, separados uno de otro por «una distancia de mil años».

Según el Corán, solo Alá sabe quién irá al Yahannam y quién al Paraíso, la Yanna.

El Zaqum  es un árbol que crece en el Yahannam. Los condenados se ven obligados a comer su amarga fruta

Malik es el ángel que guarda el Yahannam, asistido por 19 zabaniya

Cultura grecorromana

Hades y Perséfone con el Can Cerbero


Grecia
Cerca del siglo V a.C. los griegos comenzaron a creer en una parte reservada del Hades como un lugar de castigo. Según la mitología, tras la muerte las almas de los hombres iban a parar a un lúgubre reino subterráneo, gobernado por el terrible dios Hades y su esposa Perséfone.

Orfeo y Eurídice en el infierno, Peter Paul Rubens

Héroes como Orfeo, Heracles o Ulises se atrevieron a visitarlo; el primero de ellos, Orfeo, lo hizo para rescatar a su amada Eurídice, pero no pudo culminarlo.

Hermes guiando a los difuntos Adolf Hirémy-Hirschl (1898) Galería Belvedere, Viena.

Hermes, mensajero de los dioses y guía de las almas hacia el inframundo, aparece rodeado de los espíritus de los difuntos que esperan a orillas del Estigio para ser transportados por Caronte al reino de Hades.

La barca de Caronte, Sueño, Noche y Morfeo, por Luca Giordano
La «geografía» del infierno

Tras entrar por cualquiera de las bocas del infierno existentes, el difunto se dirigía a la orilla del Estigia, el río que rodea el inframundo y que cruzaba a bordo de la barca de Caronte.

El volcán Hekla en el sur de Islandia , ha producido unas 20 grandes erupciones desde el siglo IX. y durante la edad media se le describía como «la prisión de Judas» y una de las entradas al infierno. 
Rubens, «Hércules y el Cancerbero», 1636]

En la otra ribera del Estigia, el alma se encontraba con el guardián Cerbero y con los tres jueces del inframundo

Óbolo de Caronte

Era costumbre colocar en la boca o en los ojos del difunto una moneda (óbolo) para pagar el viaje a Caronte.

Caronte y Psyché de John Roddam Spencer Stanhope

Si el alma no disponía de moneda, se veía obligada a vagar durante cien años por las orillas del rio Estigia

Roma

La llamada Plutonium o Puerta del Infierno en Hierápolis

En los siglos I y II. Hierápolis, una antigua ciudad perteneciente a este imperio, se encontraba en su mejor momento después de haber sido reconstruida tras un terremoto durante el año 17. En este lugar se encontraba el Plutonio, también conocido como «la puerta del infierno»

 Gian Lorenzo Bernini, recrea el rapto de Perséfone por el dios Hades (Plutón), soberano del inframundo, contemplado por el can Cerbero. 1622. Galería Borghese, Roma.

La cueva, que se creía que marcaba el paso hacia el inframundo, estaba gobernada por el dios Plutón, el llamado Hades por los griegos . Fue esposo de Proserpina, a quien raptó para casarse con él. La madre de Proserpina, Ceres, se afligió tanto que provocó el invierno.

Plutón, de Agostino Carracci (1592).

El palacio de Plutón, se ubica en mitad del Tártaro y de los dioses del panteón romano, soberanos que controlan el mundo, él es el único que nunca ha de temer la insubordinación o la desobediencia

En Roma, los primeros que se burlaron de los infiernos fueron los poetas. Virgilio unas veces se ocupa de ellos hablando seriamente en la Eneida, y otras veces se burlaba de ellos en las Geórgicas. Lo mismo hicieron Lucrecio, Horacio, Cicerón y Séneca

El Cristianismo

Las Catacumbas de San Calixto en Roma

El cristianismo es la religión que se ha dado el lujo de añadir características cada vez más temibles a ese lugar de desdicha y sufrimiento, siendo la Edad Media la época en la que se llegó a un punto máximo de miedo por el averno.

Orígenes

Ya en el siglo III, Orígenes sostuvo la hipótesis que lleva por nombre Apocatástasis o Restauración, que implicaba la idea de que, al final de los tiempos y luego de sufrir diversas penalidades, todos los condenados al Infierno -incluyendo a Satanás y a los restantes ángeles caídos serían liberados.

Tormentos a los condenados en el Infierno. Fresco italiano del siglo XIV.
Sainte Foi de Conques, tímpano

Veremos que el tímpano de Conques es un sorprendente presagio de lo que se llamará pronto el Purgatorio, un concepto formalizado en el Concilio de Lyon en 1275 , que aparece además del infierno.

«El angel caído», por Gustave Doré ilustración para «El paraiso perdido»de John Milton

El infierno, de acuerdo con la doctrina católica, designa no solo el estado de los condenados, sino también el lugar donde son eternamente castigados los ángeles rebeldes y los hombres que murieron en pecado mortal.

Los ángeles, fueron enviados a la tierra capitaneados por Azael y Shemhazai a enseñar a los hombres, pero al revestirse de carne, se impregnaron de sus pasiones y perdieron las alas. Son los Nefilim o “Caídos”

Bartolomé Esteban Murillo – La escalera de Jacob durante su sueño

A los que los arcángeles Rafael y Miguel hubieron de encerrar en una cueva por sesenta generaciones, tras regresar al cielo por la escalera de Jacob.

Relación con los Santos

Michel Parcher , los padres de la iglesia latina: San Jerónimo de Estridón, San Agustín de Hipona,  
San Gregorio Magno y San Ambrosio de Milán

Muchos Padres de la Iglesia no creyeron en la eternidad de las penas, mientras que otros, creían no solo en la doctrina de la inmortalidad del alma, sino en la condenación eterna de los pecadores

San Agustín de Hipona

Pero fue el filosofo y teólogo San Agustin, quien estableció permanentemente la idea de que si no seguías el reglamento cristiano, tu alma estaría condenada al eterno sufrimiento hasta el fin de los tiempos.

El diablo ofrece el Libro de los Vicios de San Agustín, Michael Pacher, 1483

Fue en su obra «Ciudad de Dios» en la que justificó el infierno como «reparación infinita del pecado.

San Francisco de Asís durante la practica un exorcismo contra los demonios de Arezzo
fresco de Giotto. Basílica de San Francisco en Asís

San Francisco, durante la guerra civil de Arezzo, exhortó al hermano Silvestre a que expulsara los demonios que habitaban en la ciudad. Mientras que el santo se presenta concentrado en sus rezos y oraciones, Silvestre ejecuta la acción propuesta

El tormento o tentaciones de San Antonio abad

El tormento de San Antonio
Es la pintura más antigua conocida de Miguel Ángel, pintada como una copia cercana del famoso grabado de Martin Schongauer cuando solo tenía 12 o 13 años. Ahora se encuentra en el Museo de Arte Kimbell en Fort Worth, Texas

San Millán luchando con un demonio. Arqueta de marfíl
Monasterio de Yuso (La Rioja)

San Millán

La arqueta de San Millán es de pleno siglo XI, cuando las reliquias del santo son trasladadas de Suso a Yuso

San Miguel mata al dragón, Josse Lieferinxe (1493-1508)

San Miguel

Ha sido el mas representado, venciendo al demonio a sus pies, ya que desde principios de la edad media se pensó que Miguel y sus ángeles arrojaron del Paraíso a Satán y sus secuaces

Iglesia de San Pietro al Monte, Pedale cerca de Civate (Lecco) donde se representa el capítulo XII del Apocalipsis

“Después hubo una gran batalla en el cielo: Miguel y sus ángeles luchaban contra el dragón (diablo); pero no prevalecieron, ni se halló ya lugar para ellos en el cielo. Y fue lanzado fuera el gran dragón, la serpiente antigua, que se llama diablo y Satanás, el cual engaña al mundo entero; fue arrojado a la tierra, y sus ángeles fueron arrojados con él.”( Apo. 12,7-8.) (El dragón que aparece en el Apocalipsis, del apóstol Juan, y en otras tradiciones posteriores, en el arte cristiano del Medievo simboliza el pecado y suele aparecer bajo los pies de los santos y mártires)

San Miguel de Valdés Leal, Convento del Carmen Calzado de Córdoba
San Miguel Arcángel peleando y venciendo al Diablo, en la Basílica de la Merced (Barcelona).

El infierno en los Códices
A comienzos del siglo V, esta doctrina se enseñó en todo el cristianismo occidental y fue reafirmada oficialmente por los papas y los concilios a lo largo de la Edad Media.
La edad media abunda en descripciones de los infiernos y en relatos de viajes infernales, y en su difusión colaboraron entre otros, los codex.

La navegación de San Brandán

Auténtico best seller de la Edad Media, La navegación de san Brendán. relata el viaje oceánico realizado por un monje irlandés en el siglo VI junto con diecisiete compañeros en busca del Paraíso

“La Visión de Tundal”

La Visión de Tundal
Es un interesantísimo y bellísimo texto medieval que tuvo una enorme popularidad en la Edad Media durante al menos tres siglos, escrito en latín en el siglo XII por un monje benedictino irlandés llamado Marcus
En 1484 se imprime en la ciudad de Den Bosch (Países Bajos), y en ella se describe el viaje iniciático de Tondalus, un caballero del siglo XII de origen irlandés, que visita durante tres días el más allá y a su vuelta opta por la vida monacal.

La Babilonia Infernal, de Giacomino de Verona

Giacomino da Verona fue un poeta italiano de la segunda mitad del siglo XIII. Fraile menor, escribió dos poemas en vernáculo veneciano, De Babilonia civitate infernali y De Jerusalem celesti.

El Libro de las tres escrituras, de Bonvesin de la Riva

Dividido en tres partes: «La escritura negra» ilustra la vida del hombre y su caída al infierno, «La escritura roja» ilustra una recreación de la pasión de Cristo y la «Escritura dorada» ilustra las alegrías del cielo

Pseudomonarchia Daemonum 1583, del médico holandés Johann Weyer

También conocido como la Falsa Jerarquía de Demonios, es un gran compendio del siglo XVI que enumera los nombres de sesenta y nueve demonios. Esta lista apareció inicialmente como apéndice del primer libro de Johann Weyer sobre demonología

Otras representaciones infernales:

Beato de Santo Domingo de Silos
Codex De Predis. El´juicio final. el círculo del infierno, el agua fría. 1476. Cristoforo de Predis
«Le trés riches heures du Duc de Berry»
Es un libro de horas profusamente iluminado, realizado por el taller de los hermanos Herman, Paul y Johan Limbourg hacia 1410 por encargo del duque Juan I de Berry, Museo Condé en Chantilly, 
Códice alemán


En todos estos, en Virgilio y probablemente también en la tradición árabe se inspirará Dante para escribir su Infierno, de la Divina Comedia.

El demonio

El libro de Enoch, textos antiguos descubiertos en Etiopía en 1768

La historia de Lucifer, según los Libros de Enoch y del arameo Targum, de donde, la tradición cristiana tomaría la creencia sobre el origen del diablo.

Platón y Aristóteles en «La Escuela de Atenas» de Rafael, Vaticano

Será, sin embargo, el neoplatonismo quien aporte las claves fundamentales sobre la naturaleza y creencia de los “ daimones ” o demonios (hábil, conocedor) y de los ángeles guardianes.

El Juicio Final por Giotto di Bondone

En muchas imágenes se recrea el Juicio Final, donde al lado de los bienaventurados o del paraíso siempre aparece el lugar de los condenados y del infierno, así como en las habituales representaciones de los pecados, tentando a los seres humanos.

Capilla Sixtina: Tentación del diablo y expulsión de Adán y Eva Miguel Angel Buonarroti

El pecado de Satán
Según el cristianismo, el Diablo también conocido como Lucifer o Luzbell, es un ser sobrenatural maligno y tentador de los hombres (un demonio). En el Nuevo Testamento se le identifica con el Satán hebreo del Libro de Job (1:6-8), con el Diablo del Evangelio de Mateo (4:8-10), con la serpiente del Génesis (3:1-5) y con el gran dragón del Apocalipsis (12:9)

«Apartate de mi Satanás!» Duccio Bounisegna.

Tras la aparición del Cristianismo y los Evangelios se le otorga a este ser a ese término un carácter personal como enemigo de Cristo y también como un «anticristo«


Sinónimos de Satanás:

Lucifer, Luzbel. Belcebú, Leviatán, Diablo , Demonio, Satán, Maligno, Mefistófeles, Anticristo , ángel Caído, Pedro Botero y hasta Demontre! y Diantre! que se usan (o se usaban) como exclamaciones

«El Angel Caido» de Ricardo Bellver, Parque de el Buen Retiro de Madrid 1885

La imagen del Diablo, dentro de la cultura cristiana ha sido representado en ocasiones con la imagen de un ángel caído del cielo, un ejemplo de ellos es en el monumento de la Fuente del Ángel Caído en Madrid

En otras culturas, incluida la demonología y las ciencias ocultas, se le denominó y representó de diferentes maneras:

En demonologíaBuer es un demonio, presidente de la 2ª orden de los infiernos. Tiene cabeza de león y cinco patas de cabra dispuestas en una rueda y moviéndose como tal.

El Dragón rojo por William Blake

Belcebú es el “Señor de las Moscas”, porque en los rituales de adoración con sacrificios, la carne de los sacrificados se corrompía y siempre sus templos estaban infestados de moscas. es en cierto modo otra versión del Diablo.

Satán de William Blake (1757-1827) para «El paraiso perdido»

La pintura de Blake, basada en visiones fantásticas de rico simbolismo, tiene cierta influencia de Miguel Ángel, por la musculatura de sus figuras y los escorzos a los que las somete. Aplicó su arte pictórico para ilustrar tanto composiciones propias como ajenas: «el Paraíso perdido» de Milton , fué uno de sus favoritos

Relieve Burney, Babilonia (1800 a. C. – 1750 a. C.).

A Lilith, se la considera la primera esposa de Adán, anterior a Eva. Según la leyenda, abandonó a Adán para irse del edén.

Asmodeo

Luego se instaló junto al mar Rojo, junto a sus hijos, y allí se unió con Asmodeo  ( demonio mazdeista, mencionado en el Talmud y en el Libro de Tobias), convirtiendose en demonio también. 

Algunos expertos, como por ejemplo Emil Kraeling, han identificado a la figura femenina del relieve como Lilith, antiguo demonio sumerio, basándose en una interpretación errónea de una traducción obsoleta del Poema de Gilgamesh


Adramelec es un dios de la mitología fenicia, es el demonio del orgullo excesivo, y se aparece bajo la forma de un burro con las plumas de un pavo real.

Baal

Baal cananeo que fue adorado por los fenicios, cartagineses y sirios.

Moloch o Moloch Baal fue un dios de origen canaanita. Era considerado el símbolo del fuego purificante. Griegos y romanos lo identificaban con Cronos y Saturno, respectivamente.

Mara

En el budismo, se le conoce como Mara, quien intentó evitar que el Buda Siddharta Gautama alcanzara la iluminación

El Tío de las minas

Una representación de la imagen del Diablo en la región andina conocido como El Tío de las minas de los Departamentos de Oruro y Potosí, Bolivia.

Descripción de un exorcismo asirio

El exorcismo
Es la práctica religiosa o espiritual realizada contra una fuerza maligna, utilizando diversos métodos cuyo fin es expulsar, sacar o apartar a dicho ente de la persona, objeto o área que se encuentra poseída por el maligno

André_Brouillet: «El Exorcismo» Museo Bellas Artes de Reims
Ritual en el mundo islámico
San Francisco de Borja realizando un exorcismo con un crucifijo, de Francisco de Goya

Iconografía

En el románico

Satanás induciendo a Herodes a la matanza de los inocentes
detalle de una dovela de Santo Domingo de Soria (foto:Javier Gago)

La figura del diablo ha estado presente en la cultura popular desde tiempo inmemorial y su abundante representación en el arte románico da buena muestra del interés o preocupación que su horripilante imagen despertaba en las gentes del medievo.

Portada de las Platerías Santiago de Compostela

Los maestros del románico, lo reflejaron de forma recurrente en grandes pórticos de monasterios o iglesias, «la mayor propaganda que se podía hacer en esa época»y su importancia fué muy grande.

Calahorra de Boedo, pila bautismal románica de la Iglesia de la Purificación de Nuestra Señora

Lo vemos representado en portadas, en claustros, incluso en pilas bautismales

Iglesia de Arenillas de San Pelayo. (Foto: Garcia Omedes)

Por supuesto tanto en la escultura de las iglesias románicas como en sus pinturas y frescos, se interpretaron escenas infernales, seres demoníacos y representaciones de distintos pecados y sus correspondientes castigos

Sainte Foi de Conques , tímpano de la portada principal.

En casi todas las imágenes se recrea el Juicio Final, donde al lado de los bienaventurados o del paraíso siempre aparece el lugar de los condenados y del infierno, así como en las habituales representaciones de los pecados, tentando a los seres humanos.

Ermita de Santa Eulalia. Barrio de Santa María (Palencia)

Las pinturas del presbiterio sur muestran en dos registros superpuestos los tormentos que sufren los condenados. En el superior varios demonios los arrojan de cabeza a una caldera suspendida con cadena sobre el fuego que atizan con fuelle otros dos personajes diabólicos. En el registro inferior, otro esbirro de Lucifer flagela con látigo de bolas a dos condenados

San Salvador de Cifuentes, Guadalajara
San Salvador de Cifuentes, Guadalajara
(Estas dos fotos han sido aportadas por Javier Gago
)

Iglesia de San Julián y Santa Basilisa de Rebolledo de la Torre, Burgos
(foto: Javier Gago)

Donde se ve a un demonio con aspecto de basilísco, amenazando a un pecador: el avaro.

Y otras dos, también de Javier Gago de la portada de la catedral de Tudela (Navarra)
Capitel románico Colegiata Saint Pierre Chauvigny. SXII Francia

Gótico:

Quimeras neogóticas de Notre Dame de París recreadas por Viollet-le-Duc

Durante el periodo gótico, la fantasia en la iconografía demoniaca, se desató, siendo las gárgolas sus ejemplos mas característicos:

Gárgola de la Catedral de Segovia

En la arquitectura de la Edad Media, especialmente en el arte gótico, son muy usadas en iglesias y catedrales y suelen estar adornadas mediante figuras intencionadamente grotescas que representan además de hombres y animales, monstruos o demonios. Probablemente, tenían la función simbólica de proteger el templo y asustar a los pecadores

Friso de la Catedral de León
Frescos de Santa Eulalia de La Loma, Cantabria. foto de Javier gago
Satanas en el infierno Giotto di Bondone Capilla de los Scrovegni (Florencia)

El Renacimiento
La intención que tuvieron muchos artistas medievales y renacentistas al representar el reino satánico llenándolo de escenas grotescas fue extraordinariamente piadosa, por ejemplo, en el siglo XVII muchos pensaron que El Bosco era atéo.

Cristo desciende a los infiernos, El Bosco

El Bosco
Y es que el mundo de los sentidos está muy presente en las causas que le llevan a uno al Averno, pero no lo estaba menos en las sátiras de Hyeronimus Bosch, un artista especialmente preocupado por la música que opinaba que todo lo que fuesen movimientos descoyuntados, equilibrismos raros, caprichos musculares, era diabólico por necesidad.

El tríptico abierto de Las tentaciones de San Antonio (El Bosco, c. 1501) Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa

Varios de sus cuadros también contienen alusiones a creencias demoníacas y brujeriles con seres imaginarios y movimientos insólitos (así, en una de Las Tentaciones de San Antonio, podemos ver la imagen clásica de la pareja que se traslada por los aires al Sabbat montada en un pez volador).

Pero El Bosco, que era sin duda un místico, pintaba para censurar; y por eso al piadoso Felipe II le dio por coleccionar su obra, de ahí que hoy tengamos en El Prado lo mejorcito de él.

El jardín de las delicias de El Bosco, Museo del Prado

En el tríptico abierto se incluyen tres escenas. La tabla izquierda está dedicada al Paraíso, con la creación de Eva y la Fuente de la Vida, mientras la derecha muestra el Infierno. La tabla central da nombre al conjunto, al representarse en un jardín las delicias o placeres de la vida. Entre Paraíso e Infierno, estas delicias no son sino alusiones al Pecado, que muestran a la humanidad entregada a los diversos placeres mundanos. Adquirida en la almoneda del prior don Fernando, Felipe II la llevó a El Escorial en 1593.

Óleo de Dante Alighieri con una imagen de ‘El Infierno’

La divina comedia, de Dante Alighieri

No podemos dejar de mencionar a Dante el primero que describió un viaje al Infierno.
En la obra de Dante, La Divina Comedia, Virgilio aparece como su guía a través del Infierno y del Purgatorio. Además de la admiración de Dante por Virgilio, está el antecedente del descenso de Eneas al infierno para recibir los consejos de su padre Anquises, en el Canto VI de la Eneida de Virgilio.


Dante describe el Infierno en forma de embudo incrustado como un enorme valle cónico y está dividido en nueve niveles o círculos, cada cual más profundo y estrecho que el anterior y en cada uno de ellos los condenados son sometidos a distintas penas, según la gravedad y el tipo de pecado.

El Mapa del Infierno de Botticelli

Llamado habitualmente El Abismo del Infierno o La vorágine del Infierno, es uno de los pergaminos que el famoso pintor italiano diseñó para ilustrar una edición de La Divina Comedia de Dante Alighieri. Fue pintado entre 1480 y 1490, con la técnica de la «punta de plata»( Material duro y rígido, también llamado stilum o punta metálica, con la que se puede dibujar).

Priamo della Quercia: Dante y Virgilio en el Canto XXXII del Infierno

Virgilio, el más célebre de los poetas latinos, conduce a Dante Alighieri, a través del Infierno, donde las almas pecadoras del mundo son atormentadas sin cesar.

Dante y Virgilio en la entrada del infierno de Edgar Degas

Círculo primero
El círculo primero es el Limbo, donde están quienes, sin haber cometido falta alguna, han muerto sin haber recibido el bautismo.

El rey Minos, Gustave Doré

Círculo segundo
A la entrada del círculo segundo está el rey Minos, y entre ellos se encuentran Francesca da Rimini y Paolo Malatesta, por lujuriosos

Círculo tercero
El círculo tercero está guardado por Cerbero, el perro de tres cabezas. Aquí se castiga el pecado de la gula.

los avaros acarreando piedras como castigo. Gustave Doré

Círculo cuarto
El círculo cuarto está guardado por Pluto, el dios romano de la riqueza, y en él se encuentran los pródigos y los avaros

Eugène Delacroix: Dante y Virgilio en el Infierno (1822)

Círculo quinto
En el círculo quinto está la laguna Estigia, y enfangados en ella, luchando eternamente unos contra otros, a golpes y mordiscos, están los condenados por el pecado de la ira

Círculo Sexto
En el círculo sexto se condena a los herejes. Está sembrado de tumbas en cada una de las cuales arde el jefe de una secta herética.

Círculo Séptimo
El círculo séptimo está custodiado por el Minotauro, en él se castiga a los violentos y está dividido en tres recintos: violentos, suicidas y blasfemos

Círculo octavo
En el círculo octavo se condenan las distintas clases de fraude, y se llama Malasbolsas, porque está dividido en diez recintos o bolsas. Está separado del anterior por el río Flegetonte y a este anillo se accede descendiendo un gran acantilado custodiado por Gerión.

Un gigante, dibujo de William Blake

Círculo noveno
El último círculo está rodeado por los gigantes que forman una muralla humana que sobresale hasta la altura del círculo octavo.

Gustave Doré

En él se castiga a los traidores, sumergidos en hielo y ya en el mismo centro de la Tierra, donde está Lucifer, se encuentran quienes traicionaron a sus benefactores

Lucifer

Dante, queda sorprendido por la presencia de Lucifer, al ver que su cabeza tiene tres rostros, uno por delante, y los otros dos se unen a éste por medio de los hombros y se juntan por detrás en lo alto de la coronilla. Judas Iscariote aparece con su cabeza metida dentro de la boca de Lucifer y agita fuertemente las piernas fuera de ella. De las otras dos fauces salen las extremidades de Bruto y Casio, que provocaron la muerte a Julio César.

En el barroco

Estatua de Asmodeo en Rennes- le- Château, Francia

Ademas de este terrible demonio, que antes mencioné, en general en el barroco. existe abundante representación escultórica de tradición cristiana, suficientemente conocida y en el campo de la mitología, un tema en particular:

Orestes acosado por las Erinias o Furias, de William Adolphe Bouguereau.

Las furias:
Se refiere originalmente a las diosas infernales de la venganza en la mitología griega, que perseguían a los culpables de ciertos crímenes. Las Furias eran, pues, los cuatro moradores del Hades grecolatino, al que habían sido condenados por haber desafiado a los dioses

Pero en España, desde el siglo XVI, se conoció con este nombre a los lienzos que Tiziano dedicó a Ticio, Ixión, Tántalo y Sísifo, utilizándose desde entonces este término para designar esta temática.

(El Museo del Prado expuso ‘Las Furias. De Tiziano a Ribera’ en 2014)

Carlos V en la batalla de Mülhberg . Tiziano Vecellio

Las Furias aparecen como conjunto en la historia del arte en 1548, cuando María de Hungría encargó a Tiziano para su palacio de Binche, a las afueras de Bruselas, cuatro lienzos con los personajes de Ticio, Tántalo, Sísifo e Ixión identificados como los príncipes alemanes que se habían alzado contra su hermano, el emperador Carlos V, y a quienes había derrotado un año antes en Mülhberg.

Colección de Las Furias de José Ribera

Ticio, de Tiziano

Ticio, cuyo hígado devoraba un buitre por intentar violar a una amante de Zeus.

Tántalo, de Ribera

Tántalo, castigado a procurarse en vano alimento por servir a su hijo de festín a los dioses

Sísifo de Tiziano

Sísifo, condenado a portar una enorme piedra por haber delatado las infidelidades de Zeus.

Ixión por José de Ribera

Ixión, castigado a dar vueltas sin fin en una rueda por querer seducir a Hera

Ticio de Miguel Angel

La exposición, incluyó un dibujo de Miguel Ángel procedente de la Royal Collection de Londres, nunca antes expuesto en España


Siglos XVIII al XIX

Oleo de Bouguereau

No sabemos qué pasa en ese círculo del infierno, pero todos se pelean al fondo. Arriba, un demonio sobrevuela la escena con los brazos cruzados y una blanca sonrisa.

Divina Comedia: Muerte de Francesca da Rimini y de Paolo Malatesta, Alexandre Cabanel, 1871

En definitiva, principalmente encontramos representación pictórica (existe también representación escultórica) de los siglos XVIII-XIX, sobre todo de Gustave Doré, Giovanni Stradano, Bouguereau, William Blake y por supuesto de nuestro gran Goya

«El aquelarre o el gran cabrón» de Francisco de Goya. (Pinturas negras) Museo del Prado
Goya con otro oleo representando el aquelarre, que se guarda en al Museo Lázaro Galdeano

Se cree que Goya realizó estas pinturas sobre brujas y el demonio, influenciado por su amigo el escritor Leandro Fernandez de Moratín, que rescató del olvido el escrito del Auto de Fe del Juicio contra las brujas de Zugarramurdi de 1610.

FUENTES:


https://www.europapress.es/cultura/exposiciones-00131/noticia-museo-prado-expone-furias-tiziano-ribera-20140120144733.html


https://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/viaje-las-almas-mas-alla-el-infierno-de-los-griegos_11314/3


https://www.e-torredebabel.com/Biblioteca/Voltaire/infierno-Diccionario-Filosofico.htm


http://www.romanicoaragones.com/3-Somontano/990385-Chibluco1.htm


http://www.arquivoltas.com


http://blogderomanico.es/viaje-al-infierno-cristiano/


http://artebiblica.blogspot.com/2015/08/el-infierno.html


https://www.nationalgeographic.com.es/historia/actualidad/los-moradores-del-infierno_7947/4


https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Personajes_del_Infierno


https://web.archive.org/web/20050313185908/http://www.fortea.us/spanish/teologicos/nombres.htm


https://enciclopediamedieval.wordpress.com/2019/01/07/la-voragine-infernale-de-sandro-botticelli/


https://www.misterica.net/los-nueve-circulos-del-infierno-de-dante/


https://www.elestudiodelpintor.com/2016/10/dante-alighieri-la-divina-comedia-i-inferno/


https://www.taringa.net/+apuntes_y_monografias/10-versiones-del-infierno-interesantes_hiifz


https://hiveminer.com/Tags/g%C3%B3tico,infierno (fotos)


https://www.wattpad.com/188040528-biblia-satanica-los-nombres-infernales

Fotos: de románico y gótico: Javier Gago y de la web.

BIBLIOGRAFÍA:


Dante Alighieri: La Divina Comedia.


Pedro Luís Huerta «A propósito de Satán». Fundación de Santa María la Real de Aguilar de Campoó

Las fontanas de Roma

Fuente del Dragón en la Villa Borghese

Los romanos han tenido siempre una gran pasión por las aguas públicas , como por lo tanto, todavía los acueductos y los baños termales de la antigua Roma, era el elemento central de la vida social. en las termas y después de los siglos de la decadencia de la Roma Imperial, retoman, con gran entusiasmo y jugar con el agua.

 Roma cuenta con más de 2000 fuentes , más que cualquier otra ciudad en el mundo.

La relación de los romanos con el agua es ahora menos singular: el agua fue un don de los dioses y cada una de las fuentes

La ninfa Egeria, en el jardin d´Horta de Barcelona

Un detalle que ha pasado a formar parte de numerosas leyendas como la de la ninfa Egeria, amante y mujer de uno de los siete reyes de Roma, Numa Pompilio y considerada la ninfa de las aguas.

Acueducto Aqua Claudia, en el Parque de los Acueductos

Mas adelante, andando el tiempo la abundancia de agua en el territorio de Lacio, que se canalizó a través de los acueductos, fue la ocasión de manifestar el poder  de la Iglesia de Roma, cuyos representantes se sirvieron de las fuentes para embellecer la ciudad al mismo tiempo que imprimían su sello.

Acueductos de la época romana

Aqua Appia, Aqua Vetus, Aqua Marcia, Aqua Tepula, Aqua Iulia, Aqua Virgo, Aqua Alsietina, Anio Novus,  Aqua Claudia, Aqua Traiana, Aqua Alexandrina

Ya en la época de los papas, se construyeron otros como:

Acqua Felice: nuevo acueducto construido por el papa Sixto V en 1586 por Domenico Fontana, reutilizando las nacientes de Acqua Alexandrina. Llegaba a Roma por la porta Tiburtina (actual porta San Lorenzo) y terminaba con la Fuente del Moisés, hoy visible en la plaza San Bernardo,  suministrando agua a numerosas fuentes. Otros fueron el Acqua Paola y el Acqua Pía.

Termas de Caracalla 

Las termas de Caracalla, o termas Antoninas, fueron unos baños públicos de la Roma imperial. Se construyeron entre 212 y 217 d. C

Varias de las gigantescas bañeras de mármol, esculpidas en un solo bloque, se trasladaron al centro de Roma para usarlas como fuentes

Todas estas fuentes: Con tritones, con águilas y dragones, ranas, tortugas que lanzan al aire unos niños, con una loba nodriza, con dos victorias aladas, tres náyades mojadas, con un caballo encabritado, con forma de barcas o toneles, o con columnas, escalinatas, blasones , conchas y mascarones. Con grutescos, cuatro libros antiguos, caballetes de artistas, y obeliscos egipcios.

Con estatuas fastuosas o muy modestas , con caballotes marinos, leones capitolinos,  babuinos, con un moro y dos delfines y ánforas de travertino, que en vez de agua vierten vino… Con el Río de la Plata, con el Ganges, con el Danubio y el Nilo. Con gorgonas, con Neptuno, con sirenas y cupidos, con diosa con lanza y yelmo… y con Moisés…

Todas ellas con su caracter propio y su historia unida casi siempre a grandes artístas renacentistas y barrocos y muchas reaprovechando restos romanos de las termas y otros edificios.

A ver si podemos describir algunas de ellas, desde las mas grandiosas y populares como la cinematográfica Trevi, hasta la mas humilde de cualquier rincón romano y no por ello menos hermosa e interesante…

FONTANA DEI QUATTRO FIUMI (Fuente de los Cuatro Rios)

Después de la Fontana di Trevi esta es sin duda la fuente más popular de la ciudad. Se sitúa en la siempre animada Piazza Navona y está rematada por un impresionante conjunto escultórico barroco obra, una vez más, del genial Bernini. Al fondo la iglesia de Santa Agnesse de Borromini

Vista de los rios Nilo y Ganges, al fondo

Detalle del pedestal con el Ganges en primer término

La Plaza Navona reúne un conjunto de fuentes monumentales: la principal es la Fuente de los Cuatro Ríos, construida en 1651 por Bernini en el centro de la plaza. La fuente sirve de base a un obelisco y representa los cuatro continentes conocidos en aquella época, a través de sus mayores ríos: el Danubio por Europa, el Nilo por África, el Ganges por Asia, y el Río de la Plata por América.

(El Nilo,  aparece con los ojos tapados porque no se conocía dónde se originaba el manantial).

Detalles de la fontana

Autorretrato de G.L. Bernini 1623

Pensada por Lorenzo Bernini y situada en el centro del antiguo Estadio de Domiciano, la actual plaza Navona, fue realizada por los alumnos del artista: Baratta, Fancelli, Poussin y Raggi.

La Piazza Navona, por Canaletto

Para soportar el gran peso del obelisco, de época de Domiciano,  Bernini ideó una gran estructura pétrea en mármol de travertino de forma triangular con cuatro apoyos principales que dejan sendos huecos en medio, espacios éstos aprovechados por Bernini para sorprendernos colocando diferentes animales como un caballo o un león

Escudo de Inocencio X

Modelo en terracotta del león de la fuente

La astucia y picardía que tuvo Bernini para realizar este proyecto, y porqué no decirlo, también las «malas artes», obtuvieron su recompensa. La leyenda cuenta que Bernini dejó una maqueta de la fuente en plata (realizada por su cuenta) en casa de la influyente Olimpia Pamphili, también conocida como Donna Olimpia, cuñada del Papa Inocencio X, quien después de ver tan bellísima creación, no dudo un segundo en convencer a Inocencio X para construirla

La envidia y los celos de su rival,  Borromini dejándolo al margen de este proyecto fueron tan fuertes, que la Iglesia de Santa Inés en Agonía, diseño de Borromini, posee una ligera inclinación hacia la Plaza Navona, amenazando con caerse y destruir la Fuente de los Cuatro Ríos de Bernini

Vista de la Piazza Navona

FONTANAS  DEL NETTUNO Y DEI MORI

En los dos extremos de la plaza Navonna, fueron construidas otras dos fuentes: la Fuente de Neptuno, cuya pileta fue construida en 1576 siguiendo el diseño de Giacomo della Porta

y la Fuente del Moro, la otra gran fuente de la Plaza Navona, tambien creada por Giacomo della Porta y rematada por Bernini, quien añadió los delfines.

 FONTANA DE TREVI

La Fuente de Trevi es el punto terminal del antiguo acueducto «Acqua Vergine» (Aqua Virgo, en Latín), mandado construir por Marco Vipsanio Agrippa.

La fuente de la que deriva el nombre de la plaza, como la podemos admirar hoy en su magnífico aspecto marmóreo es obra perenne de Nicola Salvi (1732-1751) quien tomó el trabajo ya empezado noventa años antes por Bernini. y tambien de Giuseppe Pannini que trabajaron en ella entre los años 1732 y 1766.

En el centro se encuentra una gran estatua del dios del Océano en una concha tirada por dos caballos dirigidos por Tritón.

Tritón soplando en una caracola y tirando del caballo

A los lados de la divinidad se pueden admirara las estatuas de la “Salubridad” y de la “Abundancia”

FONTANA DE LA BARCACCIA (Fuente de la Barcaza)

La Fuente de la Barcaza en la Plaza de España, frente a la escalinata de conduce a Santa Trinidad dei Monti y obra del padre de Gian Lorenzo, Pietro Bernini, fue creada entre 1627 y 1629 con forma de barca, tal vez para recordar que allí fue encontrada una embarcación tras desbordarse el río Tíber.

El viejo Bernini construyó la fuente con forma de una barcaza que se hunde, para recordar, según dice la tradición, una barca que, a causa de la inundación del Tíber en la Navidad de 1598, se encontró en este sitio.

En realidad el artista resolvió con este artificio un serio problema técnico: la presión del agua era demasiado baja para construir una fuente más elevada.

En la fuente están esculpidas las abejas, símbolo de la familia papal, los Barberini.

FONTANA DEL TRITÓNE  (Fuente del Tritón)

No lejos de aquí, en la Plaza Barberini, se encuentra la Fuente del Tritón de 1643. Realizada por Lorenzo Bernini, ideada en 1642 para Urbano VIII Barberini, del que la plaza ha tomado su nombre (Piazza Barberini)

Detalle del tritón

Presenta con cuatro delfines, que llevan, encima de sus colas trenzadas, una concha con las dos valvas abiertas, que sujetan un tritón que sopla la caracola, de la que surge el agua de la fuente, y que según la mitología calmaba las tempestades.

Esta original invención barroca, tiene  presentes las abejas, por ser un encargo de un Barberini.

FONTANA DELLE NAIADI (Fuente de las Náyades)

La Fuente de las Náyades en la Plaza de la República presenta una figura masculina, el Glauco, que abraza un delfín, el nombre lo toma de las figuras de bronce de las Náyades que lo rodean. Es una obra de Mario Rutelli y fue terminada en 1914.

Esta ubicada en el centro de la Plaza de la República y fue construida después de la unificación de Italia.

Al fondo se puede ver la Iglesia de Santa María de los  Angeles y los Mártires, llamada asi por haber sido  diseñada en 1562 por Miguel Ángel sobre la base del aula central de las Termas de Diocleciano, tambien sede del Museo.Nacional Romano, que se localiza en su claustro del siglo XVI

Sus cuatro leones de piedra fueron sustituidos por las estatuas de cuatro ninfas desnudas, las náyades, para escándalo de la pudorosa burguesía romana de la época.

FONTANA DELLE API

Otra obra de Bernini (1644) es la ‘Fontana delle Api’ (Fuente de las abejas), en la esquina de la Plaza Bernini, desde donde parte la Vía Veneto. Las abejas son parte del escudo de la familia Barberini, que como habréis visto aparecen en casi todas las fontanas.

FONTANAS DE LA PLAZA DE SAN PEDRO

La Plaza San Pedro está decorada por dos grandes fuentes cuyos chorros caen en dos grandes tazas monolíticas de granito oriental rescatadas de otros monumentos romanos.

La historia de las dos fuentes de la plaza empieza en 1613 cuando el arquitecto Carlo Maderno quitó una fuente preexistente del siglo XV.

La fuente fue reconstruida en posición retrasada hacia la Basílica y se le hizo una modificación arquitectónica revolucionaria dándole la vuelta a la cuenca superior y creando un efecto a cascada.

La segunda fuente idéntica a la primera fue realizada sesenta años después por el arquitecto Gian Lorenzo Bernini.

FONTANA DELLA PIAZZA DEL PANTHEÓN  (Fuente de la Plaza del Pantheon)

Construida en 1578 por el arquitecto Giacomo della Porta, muestra una bella cuenca cuadrilobada de mármol gris antiguo.

El aspecto actual es de principio de 1800 cuando fueron quitados el tronco y la cuenca originales, y en su lugar fue colocado un obelisco egipcio procedente del templo de Isis y una pedrera de inspiración berniniana.

Frente al Panteón, uno de los edificios más impresionantes de Roma, se alza un obelisco egipcio de la época de Ramsés II en cuyos pies brota el agua fresca de una fuente. Antes era usada por los comerciantes que ponían allí sus puestos en el mercado para limpiar los productos traídos del campo; hoy es usada por los turistas para refrescarse.

FONTANA DELLE  TARTARUGHES  (Fuente de las Tortugas)

Una pequeña joya escondida en medio de la plazoleta Mattei, detrás del Pórtico de Ottavia y junto al antiguo guetto judío

Fue construida entre 1581 y 1584 siguiendo un diseño de Giacomo della Porta. Sólo en 1658 se agregaron las tortugas que según la leyenda son una concepción de Bernini.bastante recogido

Elegante obra de  mármol y bronce en cuyo centro aparecen los efebos que vierten el agua de cuatro delfines en conchas y que con las manos sujetan las cuatro tortugas que la dan nombre.

Permitidme que os diga que esta fontana, entre todas las de Roma, es mi favorita

FONTANA DEL PARCO DEGLI ARANCI

Realizada a finales del siglo XVI originariamente estaba colocada en la Plaza Montanara y después había sido transferida junto a la muralla del Parque de los Naranjos en el monte Aventino.

FONTANA DE CASTOR Y POLUX (FONTANA DEI DIOSCURI)

La Fuente dei Dioscuri, está compuesta por un obelisco procedente del Mausoleo de Augusto, del grupo de Castor y Polux procedente de las Termas de Costantino y de una fuente de granito gris sacada del Foro Romano.

FONTANA DELLA DEA MINERVA IN CAMPIDOGLIO  (Fuente de la Diosa Minerva en Capitolio)

La fuente, situada en el fondo de la Piazza del Campidoglio, tiene una historia bastante compleja vinculada a los acontecimientos de una de las plazas más importantes de Roma, que ha sido el ayuntamiento desde el siglo XII y fue diseñada en el siglo XVI por Michelangelo Buonarroti (1475-1564).

La idea de hacer una fuente en el Capitolio es tan antigua como la organización de la plaza misma.

Solamente con la llegada del Agua Feliz sobre el monte capitolino,  toma consistencia en 1593, realizando una fuente debajo del palacio Senatorio en el centro, entre las estatuas antiguas del Tiber y del Nilo, fue colocada la estatua de Minerva dicha también «Diosa Roma»

FONTANA  DEL MOSÉ O DEL AQUA FELICE  (Fuente de Moisés)

Realizada en 1587 por Domenico Fontana como salida terminal del Agua Feliz cuyo acueducto fue restablecido por Sisto V (1585-1590), está constituida por un arco con tres bóvedas con un altísimo ático completado de inscripción dedicatoria.

En el centro la enorme estatua de Moisés obra de Leonardo Sormani.

FONTANA DEL PUTTO  (Fuente del Amorcillo)

Situada en la esquina entre la calle Julia y el vicolo del Cefalo, remonta al año 1520 y ha sido atribuida al arquitecto Antonio da Sangallo el Joven.

Ya no sale más agua y el modelado está muy consumido, pero la calidad artística de la obra es totalmente evidente.

FONTANA DEI LEONI DEI IN PIAZZA DEL PÓPOLO

Esta parte del Campo Marzio comenzó a urbanizarse solo a mediados del siglo XVI y una primera fuente en el centro de la plaza fue construida ya en 1572, diseñada por Giacomo della Porta (1533-1602), arquitecto del pueblo romano.

Entre los siglos XVI y XVII, la plaza se hizo cada vez más monumental: en 1589 el obelisco se erigió en el centro a instancias del Papa Sixto V (1585-90); durante el siglo XVII, la Porta del Popolo fue transformada por Gian Lorenzo Bernini y se construyeron las iglesias gemelas de S. Maria dei Miracoli y S. Maria di Montesanto.

FONTANA DEI LEONI CAPITOLINI  (Fuente de los Leones Capitolinos)

Son dos fuentes, colocadas simétricamente al comienzo de la escalinata del Campidoglio ,  compuestas por dos leones negros de basalto egipcios del «Iseo Campense«, el templo construido por Domiziano en Campo Marzio, en honor a las deidades egipcias Isis y Serapis.

Fueron colocados en la cabecera de la escalinata por Giacomo della Porta, en 1582, sobre dos altas bases decoradas en la cara frontal con el escudo del pueblo romano

FONTANA DELLA MADONNA DEI MONTI  (Fuente de la Virgen de los Montes)

Llamada así por su proximidad al Colegio de Neófitos o Catecúmenos del siglo XVII, la fuente fue diseñada por el arquitecto Giacomo della Porta (1533-1602) y alimentada por acqua de Felice como parte del programa de reurbanización de la ciudad promovido por el Papa Sisto V Peretti (1585-1590

FONTANA DELLA NAVICELLA  (Fuente de la Navicella)

Construida durante el papado de León X en los primeros años de 1500, debe su nombre al pequeño barco que época romana, colocada en el centro de la fuente, que probablemente era un ex voto a la Diosa Isis protectora de los marineros.

FONTANA DELLA ANFORE  (Fuente de las Anforas)

La  Fuente de las Ánforas, ubicada en Testaccio , un barrio de Roma ,se completó en 1927, por Pietro Lombardi . En la antigüedad, gran parte del comercio del río Tíber tuvo lugar aquí, y los restos de vasijas de arcilla rotas ( ánforas ) se apilaron creando la colina artificial de Testaccio, que hoy es una fuente de mucha importancia arqueológica en cuanto a la historia de la vida romana antigua

FONTANA DELLE QUATTRO FONTANE  (Fuente de las Cuatro Fuentes)

El grupo de las cuatro fuentes está situado en la intersección de Via delle Quattro Fontane y Via del Quirinale. En dicha cruce se encuentra una de las iglesias mas características del barroco romano:

SAN CARLO ALLE QUATTRO FONTANE o SAN CARLINO 

La pequeña iglesia romana de San Carlo alle Quattre Fontane, también llamada San Carlino, fue construida entre 1634 y 1667 por Francesco Borromini,

Borromini

Continuada por su sobrino después de su muerte. El nombre de esta iglesia se debe al hecho de que en cada una de las cuatro esquinas que se forman en la intersección de la Via del Quirinale, con la Via Felice, hay cuatro fuentes con deidades paganas que representan los cuatro ríos, tres de ellas diseñadas por Domenico Fontana, y la restante es obra de Pietro da Cortona.

El proyecto fue un encargo del papa Sixto V, dentro del proyecto de expansión urbanística de la ciudad, llevado a cabo por este papa y su construcción se realizó,  entre 1588 y 1593.

FONTANA DE PIAZZA CAMPITELLI  (Fuente de Plaza Campitelli)

La fuente fue diseñada por Giacomo Della Porta en 1589 y ejecutada por el cantero Pompilio De Benedetti. Recientemente alimentado por Acqua Felice, se compone de una cuenca de travertino octagonal, colocada sobre una base, en la que descansa una copa portasanta de mármol en medio de la cual fluye el agua.

FONTANA DE PIAZZA DELL´ARA COELI   (Fuente de la Plaza del Ara Coeli)

El autor de esta fuente es el arquitecto Giacomo della Porta quien en 1570 la colocó en el centro de la homónima plaza.

En una restauración de 1700 ha sido añadida una piscina circular enterrada como última cuenca de recogida.

FONTANA DI PIAZZA FARNESE  (Fuente de la Plaza Farnese)

Las dos fuentes de granito proceden de las Termas de Caracala y al principio en el siglo XVI, habían sido colocadas en la Plaza Venecia.

Solamente en un segundo momento fueron desplazadas en a Plaza Farnese utilizando el acqua Paola y elevàndolas dentro de dos cisternas, bajo proyecto del arquitecto Girolamo Rainaldi.

FONTANA DI PONTE SISTO  (Fuente del Puente Sixto)

Fue construida por papa Pablo V en 1613 delante del Puente Sisto para llevar el acqua Paola en la zona de la Regola, pero con las obras de 1800 de la muralla para contener el Tiber fue movida a la otra orilla trasteverina siempre delante del Puente Sisto.

FONTANA DI SAN ANDREA DELLA VALLE  (Fuente de San Andrea del Valle)

Construida en 1611 por el arquitecto Carlo Maderno, originariamente estaba colocada en la plaza Scossacavalli.

Durante las obras para la abertura de la calle de la Conciliación en 1933, la fuente fue desmontada y almacenada hasta la posguerra, cuando fue recompuesta en la plaza de San Andrés del Valle.

FONTANA DI SANTA MARIA IN TRASTEVERE (Fuente de Santa Maria en Trastevere)

Realizada a mediados de 1400 sobre los restos de la Fuente Alsietina de época romana, tenía originariamente una cuenca de recogida de las aguas que luego desapareció.

detalle de las conchas que la adornan.

En el curso de los siglos ha sido restaurada muchas veces y con la llegada del acueducto Felice fue trasladada al centro de la plaza.

FONTANA DELLA TERRINA  

La fuente, delicada obra de 1590 así llamada por su forma, es obra de Giacomo della Porta

La fuente de la Terrina pertenece al numeroso grupo de fuentes desmontadas y reconstruidas; de hecho, originalmente estaba ubicado en el centro de Campo de ‘Fiori, que tuvo que dejar para que situaran el monumento de Giordano Bruno.

FONTANA SALLUSTIANA  

Pequeña fuente de elegante factura y estilo barroco ubicada en la esquina entre la calle Sallustiana y la calle Bissolati a pocos pasos de la Embajada Americana.

Imagen relacionada

FONTANONE SUL GIANÍCOLO   (Gran Fuente sobre Gianicolo)

Erigida durante el pontificado del Papa Pablo V (1605-1621) por F. Ponzio y por G. Fontana, está formada por una cuenca semicircular dominada por un arco triunfal con tres huecos mientras en el ático encontramos la inscripción dedicatoria con la insignia de los Borghese.

LAS ESTATUAS PARLANTES: IL PASQUINO

Hay en Roma seis estatuas, que han sido depositarias de numerosos pasquines en verso, a menudo irreverentes, con los que de un modo anónimo el pueblo se mofaba de los personajes públicos de la Roma de los siglos XIV y XV. Como alguna de ellas se trata de una fuente, las incluyo, y también por su interés histórico.

IL BABUINO

Il Babuino, es una de las seis estatuas parlantes de Roma.Es la representación de un sileno yacente, llamado por el pueblo de Roma “babbuino” por su aspecto bruto y deforme, más similar a un simio.

En 1571 el papa Pío V mandó realizar una fuente de uso público, y la estatua fue colocada como ornamento de la misma.

Tras diversas peregrinaciones en 1957 el Sileno retornó a su lugar de origen, junto a la iglesia de San Atanasio dei Greci.

MARFORIO

Marforio es otra de las seis estatuas, la más conocida después de la de Pasquino.

Es una enorme escultura de mármol, de la época romana, realizada en el siglo I, que representa quizá a Neptuno, o al río Tíber. Fue encontrada en el Foro de Augusto

Imagen relacionada

IL FACCHINO

Il Facchino, es una de las estatuas parlantes de Roma. Situada en otro tiempo en el Corso, hoy en día se encuentra en la Fontana del Facchino (La fuente del portero), en una de las paredes del Banco de Roma. Se construyó en torno a 1590, basada probablemente en un diseño de Jacopino del Conte.

FUENTES:

http://www.turitalia.com/ciudades/roma/roma.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Fuentes_de_Roma

http://elcuadernoliquido.blogspot.com.es/2012/04/las-fuentes-de-roma.html

http://www.vigoenfotos.com/roma/plazas_y_fuentes.html

http://www.cornisa.net/historia_olvidada/borromini-vs-bernini-historia-de-la-rivalidad-que-esculpio-roma

Casa Museo de Lope de Vega (Madrid)

La casa representa la típica vivienda común del siglo XVII. Se construyó hacia 1578. El poeta vivió en ella los últimos veinticinco años de su vida. La compró en 1610 por 9 000 reales y la habitó con su segunda esposa, Juana Guardo, hasta su fallecimiento en 1635. El inmueble lo heredó una hija y posteriormente un nieto, quien la vendió en 1674.

Tras pasar por diferentes propietarios, en 1929 su propietaria, Antonia García de Cabrejo, creó en ella una fundación para enseñar encaje a las niñas huérfanas. Al no tener herederos, la fundación pasó en 1931 a la Real Academia Española, su actual propietaria, que la destinó a Casa-Museo de Lope de Vega. Después de un laborioso proceso de restauración, en 1935, coincidiendo en aquella ocasión con el tercer centenario de la muerte de Lope de Vega, el inmueble pasó a ser casa museo y con tal motivo la RAE organizó de nuevo allí una sesión plenaria. Terminada la Guerra Civil, el edificio abrió sus puertas en 1941 y, ya en los años ochenta y noventa del siglo xx, se acometieron nuevas obras de restauración. La recreación de ambientes, cuyo objetivo es que se respire la presencia de Lope, evoca la vida cotidiana del Siglo de Oro y nos acerca a su intimidad. El equipamiento de la casa incorpora obras de arte, mobiliario, enseres y ediciones bibliográficas vinculadas al literato y su tiempo.

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Lope Félix de Vega Carpio (Madrid, 25 de noviembre de 1562- 27 de agosto de 1635)

Fue uno de los más importantes poetas y dramaturgos del Siglo de Oro español y, por la extensión de su obra, uno de los más prolíficos autores de la literatura universal.

El llamado Fénix de los ingenios y (por Miguel de Cervantes) Monstruo de la Naturaleza renovó las fórmulas del teatro español en un momento en el que el teatro comenzaba a ser un fenómeno cultural de masas. Máximo exponente, junto a Tirso de Molina y Calderón de la Barca, del teatro barroco español.

Casa de Lope de Vega, fachada

Tras su restauración, la casa de Lope de Vega fue inaugurada en 1935. Ese año fue declarada Monumento Nacional. Entre 1973 y 1975 fue restaurada de nuevo por Fernando Chueca Goitia, quien reconstruyó las diferentes habitaciones: oratorio, estrado, comedor, cocina, estudio y alcobas del poeta y de sus hijas en el primer piso y en el segundo las habitaciones de huéspedes y servidumbre. Lope disfrutaba de un huerto-jardín interior frecuentemente mencionado en sus poemas y escritos y que hubo de ser reconstruido también.


En la puerta una inscripción que se podría traducir:
“Lo pequeño, siendo propio, es grande / Lo grande, siendo ajeno, es pequeño”

Algunos objetos pertenecientes al poeta y conservados en el convento de las Trinitarias, donde profesó una hija suya, han sido cedidos a la casa-museo. En su interior se exhiben varios cuadros prestados por el Museo del Prado y el mobiliario, del siglo XVII, procede de la Fundación García Cabrejo.

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El interés de la Academia por la casa en la que Lope de Vega pasó los últimos veinticinco años de su vida (1610-1635) se remonta a 1862. Con motivo de la celebración del tricentenario del nacimiento del autor de La Dorotea, el académico Ramón de Mesonero Romanos propició una serie de iniciativas, entre las que destacan la colocación en la fachada de una lápida en recuerdo del poeta y la celebración de una sesión extraordinaria del pleno de la corporación en su interior.

Convento de las Trinitarias, cercano a su casa, donde profesó su hija Marcela y donde reposan sus restos
Los distintos objetos personales ―destaca el depósito que realizaron las Madres Trinitarias, quienes guardaron enseres que fueron de Lope de Vega―, mobiliario y obras de arte recrean el pequeño oratorio, el comedor, la alcoba donde murió el escritor o su estudio, que alberga un importante patrimonio bibliográfico del siglo XVII, depósito de la Biblioteca Nacional.

ORATORIO
La época que auspició la ordenación sacerdotal de Lope de Vega fue de una profunda crisis existencial, impulsada quizá por la muerte de parientes próximos: La noche del 19 de diciembre de 1611 el escritor fue víctima de un intento de asesinato del que pudo escapar apenas. Doña Juana de Guardo sufría frecuentes enfermedades y en 1612 Carlos Félix murió de fiebres. El 13 de agosto del año siguiente, falleció Juana de Guardo, al dar a luz a Feliciana. Tantas desgracias afectaron emocionalmente a Lope, y el 24 de mayo de 1614 decidió al fin ser ordenado sacerdote


SALA PRINCIPAL
El inventario del testamento del escritor de 1627, el legado de su hija Antonia Clara de 1664 y la documentación histórica sobre la finca fueron las referencias principales utilizadas para emprender la reconstrucción interna de los diferentes ambientes de la vivienda.

SALA PRINCIPAL
Se observa en la foto uno de los pocos medios que tenían los madrileños para calentarse: el brasero de latón o bronce.
En 1932 la vivienda pasó a ser oficialmente propiedad de la Academia, tras un legado de la Fundación Antonia García Cabrejo. A estos y otros hechos históricos relacionados con la casa de Lope dedicó Alonso Zamora Vicente uno de los capítulos de su Historia de la Real Academia Española, el titulado «Un museo excepcional».

La sala de estrado

Constituyó una parte esencial de la vivienda española hasta el siglo XIX, era el espacio doméstico destinado a la señora, donde recibía a sus visitas, cosía e incluso comía. Constaba de una tarima, que podía estar delimitada por una barandilla, de madera o corcho cubierta por esteras de junco o alfombras sobre la que se disponían los almohadones que servían de asiento (las mujeres se sentaban en el suelo por herencia árabe sobre todo en Andalucía). Para que el ambiente resultara más agradable, en invierno se calentaba con braseros (dentro de ellos se ponían huesos de aceituna para perfumar el ambiente) y en verano se colocaban recipientes con agua perfumada.

y el candíl de mecha para iluminarse

ESCRITORIO
Lope de Vega Carpio, procedente de una familia humilde natural del Valle de Carriedo, comarca del Pas-Miera, en Cantabria, fue hijo de Félix de Vega, bordador de profesión, y de Francisca Fernández Flórez. No hay datos precisos sobre su madre. Se sabe, en cambio, que tras una breve estancia en Valladolid, su padre se mudó a Madrid en 1561, atraído quizá por las posibilidades de la recién estrenada capitalidad de la Villa y Corte

ESCRITORIO
Se le atribuyen unos 3000 sonetos, tres novelas, cuatro novelas cortas, nueve epopeyas, tres poemas didácticos, y varios centenares de comedias (1800 según Juan Pérez de Montalbán). Amigo de Francisco de Quevedo y de Juan Ruiz de Alarcón, enemistado con Luis de Góngora y en larga rivalidad con Cervantes, su vida fue tan extrema como su obra

Libreria

Escalera al piso superior

Alcoba de Lope de Vega

Durante su vida, Lope de Vega fue un hombre harto aficionado a los amoríos, que más de una vez le trajeron dificultades. En total tuvo 15 hijos documentados entre legítimos e ilegítimos:

Alcoba de las hijas:que tuvo de varios matrimonios y amoríos.

Manuela, al parecer la primogénita de toda su prole. Bautizada el 2 de enero de 1581, falleció el 11 de agosto de 1585.

Antonia, nacida probablemente en 1589, fallecida en 1594, al parecer poco antes que su madre.
Teodora, nacida en noviembre de 1594, fallecida en la infancia entre 1595 o 1596.

Jacinta, bautizada en Madrid el 26 de julio de 1599, posiblemente fallecida en la infancia
Feliciana, nacida el 4 de agosto de 1613. La única de la descendencia legítima en sobrevivir a la infancia,
Angela
Mariana
Marcela, bautizada el 8 de mayo de 1605. El 2 de febrero de 1621 se consagra en el Convento de Trinitarias Descalzas, con el nombre de sor Marcela de San Félix
Antonia Clara (Clarilis), nacida el 12 de agosto de 1617. La menor de toda su descendencia y la alegría de su vejez, se fuga del hogar paterno el 17 de agosto de 1634 con don Cristóbal Tenorio, caballero de la Orden de Santiago, un protegido del conde-duque de Olivares y ayuda de Cámara de Su Majestad. Lope nunca se recuperó de este golpe.

Alcoba de los hijos


Carlos Félix, bautizado el 28 de marzo de 1606, por lo que se cree nació el año anterior, en 1605. Hijo predilecto de su padre, falleció el 1 de junio de 1612,
Félix, bautizado el 19 de octubre de 1603.
Lope Félix, nacido el 28 de enero de 1607. Muchacho de naturaleza díscola, es encerrado por su padre, debido a su mal comportamiento, en el asilo de Nuestra Señora de los Desamparados, en 1617. Con inclinaciones literarias como su padre, al final se vuelve militar, muriendo en 1634 en un naufragio

De relaciones mas fugaces tuvo otros dos hijos:
Fernando Pellicer, Fray Vicente, habido con una valenciana.
Fray Luis de la Madre de Dios, de madre desconocida.

Como curiosidad debemos mencionar la existencia del cuarto de huéspedes que como consecuencia de la Carga de aposento o Regalía de aposento, impuesta en Madrid desde 1561 por Felipe II al establecer la Corte en la ciudad. Obligaba a los propietarios de las casa con mas de dos alturas a alojar a militares o miembros de la corte en su vivienda. Motivo por el cual el Capitán Contreras se encuentra alojado en la casa de Lope de Vega

Ropa de la casa

Aprovecho para mencionar aqui a las esposas y amantes, de quienes tuvo a todos sus hijos, a saber:

María de Aragón (llamada Marfisa en las obras de Lope), hija de un panadero flamenco

Isabel Ampuero de Alderete Díaz de Rojas y Urbina (1ª esposa)

Juana de Guardo, su segunda esposa desde el 25 de abril de 1598.

Micaela de Luján, actriz (amante)

Marta de Nevares (amante)

Alcoba del servicio de Lope de Vega

Cocina
Francisco Martínez Montiño en su libro “Arte de Cocina, Pastelería, Vizcochería y Conservería”, titula su capítulo I “De la limpieza de la cocina”, dejando claro la importancia que ya en el Siglo de Oro se le otorgaba a la limpieza y la manipulación de alimentos.
«Pienso tratar en este Capítulo de la limpieza que es la más necesaria e importante, para que cualquier cocinero de gusto en su oficio. Y para esto es necesario guardar tres o cuatro cosas. La primera es, limpieza: y la segunda, gusto; y la tercera prestreza; que teniendo estas cosas aunque no sea muy grande Oficial, gobernándose bien, dará gusto a su señor, y estará acreditado.
Ha de procurar, que la cocina esté tan limpia, y curiosa, que cualquier persona que entrare dentro se huelgue de verla: y ha de tener buenas herramientas curiosas para cosas particulares y extraordinarias… Puesto que todo muy bien lucido, y colgado por buena orden que no anden las piezas rodando por las mesas ni por el alvadar.
Los asadores en su lanceta muy lucidos, y los palos de masa, y los cucharones de maniar blanco, has de tener en una tabla que estará colgada con unos clavos de palo torneado, como los tiene los boticarios, y otros para cedacillos y estameñas.
Esto ha de ser en la parte más desembarazada de la cocina, y si allí puedes acomodar la mesa para las cosas de masa, y ponerles encima un cielo de lienzo para que no caiga polvo de arriba; es cosa muy necesaria.
Si fuese posible no había de estar ninguna Cocina debaxo de ninguna casa, si no a un lado debaxo de un cobertizo, de madera, que no hubiese encima vivienda de gente; salvo si es de bóveda, que con eso, y buena luz estarán bien.
El agua la tendrás en tinajas, o en tinacos con sus cuberteras; y tendrás cuatro o seis cántaros en una cantarera de palo que no llegue con los suelos al de la Cocina. Estos serán vidriados con sus tapaderas; del agua de estos cántaros echarás para cocer todos lo que se hubiere de guisar, y la otra será para lavar y fregar las herramientas.
No consientes que se corten ninguna cosa sobre las mesas, sino sobre un rajo, que tendrás hincado en el suelo a una punta de la mesa, donde embarace menos, allí cortarás toda la carne y quebrarás los huesos: y las mesas las harás de pino blanco, y que las frieguen cada día con agua hirviendo, y ceniza, y estarán muy blancas»….. y asi, sigue aconsejando todas las condiciones que debe tener una cocina.

Puerta de salida al jardín trasero y escalera de servicio
Jardín-huerto trasero


Jardín: en primer plano la garrucha del pozo

Jardín

Lope de Vega murió el 27 de agosto de 1635. Doscientos autores le escribieron elogios que fueron publicados en Madrid y Venecia. Durante su vida, sus obras obtuvieron una mítica reputación. «Es de Lope» fue una frase utilizada frecuentemente para indicar que algo era excelente

El propio Félix Lope de Vega definía su casa como “Mi casilla, mi quietud, mi güertecillo y estudio» en una carta dirigida a un amigo. Demostrando su humildad ya que su casa no era ni mucho menos pequeña.

Sor Marcela de San Félix. Obra anónima del siglo XVII. (Casa-Museo de Lope de Vega, Madrid).
Sor Marcela de San Félix viendo pasar el entierro de su padre, Lope de Vega. Ignacio Suárez Llanos. 1862. (Museo del Prado, Madrid).


En sus últimos años de vida Lope de Vega se enamoró de Marta de Nevares, en lo que puede considerarse «sacrilegio» dada su condición de sacerdote; era una mujer muy bella y de ojos verdes, como declara Lope en los poemas que le compuso llamándola «Amarilis» o «Marcia Leonarda«, como en las Novelas que le destinó. En esta época de su vida cultivó especialmente la poesía cómica y filosófica, desdoblándose en el poeta heterónimo burlesco Tomé de Burguillos y meditando serenamente sobre la vejez y su alocada juventud en romances como las famosas «barquillas».

Corral de Comedias de Almagro (Ciudad Real) prototipo de lo que fueron los teatros del siglo de oro


El teatro de Lope de Vega

Relación de la Historia de la literatura española, vol. 3: Siglo de Oro: teatro (Ariel)
Las dataciones proceden (salvo indicación de otra fuente) de la base de datos del teatro de Lope de Vega

Preceptiva Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) Comedias de capa y espada Las ferias de Madrid (comedia picaresca, 1585-1588) El caballero del milagro (1593) La viuda valenciana (1595-1600) El vaquero de Moraña (comedia y drama histórico, 1599-1603) El sufrimiento premiado (1603)21 La prueba de los amigos (1604) La noche toledana (1605) El anzuelo de Fenisa (comedia picaresca, 1606) La discreta enamorada (1606) El acero de Madrid (1608) Los melindres de Belisa (1608) La niña de plata (1610-12) Servir a señor discreto (1610-1612) La dama boba (1613) La malcasada (1615) Santiago el verde (1615) El sembrar en buena tierra (1616) La moza de cántaro (1618) La cortesía de España (1619) Quien todo lo quiere (1620) Los locos de Valencia (1620) Amar sin saber a quién (1620-1622) ¡Ay, verdades que en amor! (1625) Sin secreto no hay amor (1626) La noche de San Juan (1631) Las bizarrías de Belisa (1634) Comedias palatinas Los embustes de Fabia (de historia antigua, 1588-1595) Los donaires de Matico (1596) La quinta de Florencia (drama palatino, 1600) La discordia en los casados (1611) El perro del hortelano (1613 El valor de las mujeres (1616) Amor, pleito y desafío (1621) Los Tellos de Meneses (1620-1628) La hermosa fea (1630-1632) Pastoriles Belardo el furioso (1586-1595) El verdadero amante (1588-1595, si bien Lope afirmaba que la compuso c. 1575, con unos 13 años) La Arcadia (1615) Caballerescas Los celos de Rodamonte (antes de 1596) El marqués de Mantua (1596) La mocedad de Roldán (1599-1603) Bíblicas La historia de Tobías (1609) La hermosa Ester (1610) El robo de Dina (1615-1622) Los trabajos de Jacob (1620-1630), también titulada Sueños hay que verdad [o verdades] son De santos Lo fingido verdadero (1608) La buena guarda (1610) El divino africano (1610) Mitológicas, cortesanas y zarzuela Adonis y Venus (1597-1603) El laberinto de Creta (1610-1615) La fábula de Perseo o la bella Andrómeda (1611-1615) El marido más firme (1620) La bella Aurora (1620-1625) El vellocino de oro (1622) La selva sin amor (1629) El amor enamorado (1630) Tragedias y dramas históricos Los comendadores de Córdoba (1596) El remedio en la desdicha (drama morisco, 1596) Vida y muerte del rey Bamba (1598), también titulada El rey Bamba o simplemente Bamba. Roma abrasada (1598-1600) El postrer godo de España (1600), también titulada El último godo La imperial de Otón (1600) El castigo del discreto (c. 1600) El gran duque de Moscovia (1606), también titulada El gran duque de Moscovia y emperador perseguido Peribáñez y el comendador de Ocaña (1605-1608) El duque de Viseo (1609) El villano en su rincón (1611) Los ponces de Barcelona (1610-1612) El bastardo Mudarra (1612) La locura por la honra (1612) Las paces de los reyes y judía de Toledo (1612) Fuenteovejuna (1614) La discreta venganza (1620) El mejor alcalde, el rey (1620-1623) El caballero de Olmedo (1620-1625) Porfiar hasta morir (1628) Contra valor no hay desdicha (1625-1630) El castigo sin venganza (1631) Autos sacramentales La adúltera perdonada (1608) El pastor lobo y cabaña celestial La venta de la zarzuela La siega 

Casa Museo Lope de Vega Dirección C/ Cervantes, 11 28014, Madrid Horario Martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas.

Fuentes

http://www.rae.es/la-institucion/casa-museo-lope-de-vega/historia#sthash.Kn91KHZg.dpuf

http://www.casamuseolopedevega.org/es/

https://es.wikipedia.org/wiki/Casa-Museo_de_Lope_de_Vega




El arte de la piedra dura

La práctica de componer imágenes a base de insertar piezas coloreadas de diversos materiales como vidrio, barro o piedras duras, conocida como mosaico, fue dominada a la perfección entre los antiguos romanos en el llamado opus sectile, o taracea de mármoles y piedras duras polícromas, una técnica rara y costosa que vivió su apogeo durante la época del emperador Augusto

Tigresa atacando a un ternero, opus sectile en mármol en la Basílica de Junius Bassus Museos Capitolinos Roma

El llamado mosaico florentino es el arte de tallar las piedras duras de manera que cortadas y ensambladas unas con otras, según sus diferentes colores y vetas forman una composición pictórica.

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Capilla de los Medici
El emblema de los Grandes Duques florentinos, coronados por gigli de pietra dura, incrustada

Reciben este nombre de una manera general debido a que surgió en Florencia en el transcurso del siglo XVI, con un grado tal de perfección que después ha podido ser igualado, pero nunca superado. Aunque tiene sus orígenes en el mosaico clásico, el opus sectile de los romanos y la técnica es en esencia la misma, pero ahora las piedras se cortan y tallan en la forma deseada por el artista aprovechando las manchas naturales de las piedras duras.

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Capilla de los Medici. Florencia

Para la ejecución de su sorprendente revestimiento de mármoles incrustados con mármoles de color y piedras semipreciosas, se estableció el taller de piedra dura gran ducal, el Opificio delle Pietre Dure. El arte de commessi, tal como se le llamó en Florencia, juntaba los fragmentos como puzzles de trocitos de piedras para formar los diseños del revestimiento que cubren totalmente las paredes.
El laboratorio fue fundado oficialmente en 1588 por Ferdinando I de’ Medici, con el fin de decorar la Capilla de los Príncipes, el mausoleo de los Medici

Foto: Olga Torrego Lopez

La imagen puede contener: personas sentadas, mesa e interior
La tabla Farnese, Diseñada por Jacopo [Giacomo] Barozzi da Vignola (Italia, Roma Vignola 1507-1573)

Se trata de uno de los más bellos y sugestivos piezas de muebles renacentistas en existencia. La parte superior es una losa de mármol blanco con incrustaciones al antiguo estilo romano con muchos colores diferentes mármoles y piedras semipreciosas y con las llamadas Piedras Duras. Tan rica es la incrustación de que la matriz de mármol blanco es visible sólo en las líneas que rodean varias fronteras y las figuras geométricas más grandes, que incluyen medallones, cartelas, rectángulos y óvalos.

Los Reales Laboratorios de Piedras Duras de Nápoles y Madrid

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La corte española no fue una excepción a esta costumbre. Importación primero y manufactura después, serán las principales vías de adquisición de este tipo de obras de  arte en nuestro país.

Figura clave en todo este proceso es la de Carlos III. Aficionado a estos trabajos desde que en 1732, siendo aún infante, visitase en Florencia la Galleria dei Lavori patrocinada por los Duques de Toscana, una de sus primeras medidas como rey napolitano será la creación del Real Laboratorio de Piedras Duras de Nápoles, en 1737. A finales de 1759, Carlos III regresa a la Península para hacerse cargo del trono de España. Entre su equipaje se trae consigo la mayoría de las piezas encargadas a la manufactura napolitana y que habían sido sufragadas personalmente por él. Una vez aquí, en 1762, ordena la fundación de otra real fábrica, heredera de su antecesora italiana, que trabajase en el doble campo del mosaico y la talla. Tal fue su interés que fue el único soberano que fundó dos manufacturas; la primera en Nápoles, en 1737 cuando regía en aquel territorio, y la segunda en Madrid, en el Buen Retiro, cuando ocupa el trono español en 1759. En ambos casos hubo de recurrir a operarios florentinos, que seguían siendo los maestros más reputados. El Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro produjo las nueve maravillosas mesas

Así, con la creación del Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro, se acaba con la necesidad de importación de este tipo de obras. Lástima que su vida no fuese más duradera. En 1808, con la invasión napoleónica, su actividad quedó clausurada y no se reanudó nunca más después de la guerra


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Mesa de Felipe II 

En Roma continuaron fabricándose obras importantes como el maravilloso tablero del Museo Nacional del Prado, donado en 1587 a Felipe II por el cardenal Michele Bonelli, sobrino de Pío V 
La pieza de mayor tamaño, es el Tablero de mesa de Felipe II, está decorada con motivos abstractos, geométricos y florales sobre fondo negro

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Mesa de Felipe II Museo del Prado imagen donde se aprecian los leones de bronce, que forman las patas.
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Los leones,son de bronce fundido y esferas de pórfido, 72 cm de alto, cada uno de los cuales apoya una garra sobre una bola de caliza de color rojizo, fueron encargados por Velázquez durante su segundo viaje a Italia para decorar el Salón de los Espejos del antiguo Real Alcázar de Madrid, dado que a su cargo de Pintor de Cámara unía el de Aposentador Real.

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Tablero del Duque de Osuna . Museo del Prado

Obra realizada en Florencia en 1614 por encargo de don Pedro Tellez Girón, duque de Osuna, cuyas armas se representan en el centro del tablero. El escudo está realizado por Giacomo di Gian Flasch y los vasos con flores se deben a Jacopo Ligozzi.En medio de un octógono se ve un escudo con las armas del duque de Osuna unidas a las de Castilla y León y rodeadas por las de Portugal y por el Toisón de Oro. Alrededor se disponen ocho compartimentos, separados por filetes blancos decorados con lapislázuli y rosso antico, que contienen panoplias, peltae, banderas, yelmos y otras armas y símbolos bélicos en varios mármoles de color (verde antico, bianco e nero di Aquitania, semesanto y giallo antico) y lapislázuli.

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Tablero de mesa en piedras duras, talleres romanos (después de 1565) Museo del Prado

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Mesa de don Rodrigo Calderón
Con leones de bronce (1651) Museo del Prado
. Lapislázuli, Mármol blanco, Mármol verde, 119 x 119 cm.

Este tablero de mesa procede de la almoneda de Don Rodrigo Calderón (conde de la Oliva de Plasencia, marqués de Siete Iglesias), según aparece descrito en el inventario del Alcázar de Madrid de 1636, donde estaba situado en la Pieza Nueva junto a dos espejos, uno de ébano y otro de piedras embutidas. No se cita en el juicio llevado contra Rodrigo quien fue ejecutado en la Plaza Mayor de Madrid el 21 de octubre de 1621, aunque sí figura en el inventario del Alcázar de 1686, en la testamentaría de Felipe V (1747) y en la de Fernando VII (1834). 
Felipe IV, coleccionista y mecenas extraordinario, adquirió obras de gran valor, como la mesa decorada con símbolos bélicos y turcos que perteneció a don Rodrigo Calderón. Posteriormente, el Estado español adquirió en una subasta en Nueva York este tablero, destinándolo al Museo Nacional de Artes Decorativas

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Tablero de mesa
Principio del siglo XVII. Alabastro, Paragone, Piedras duras, preciosas y semipreciosas, 126,5 x 83 cm.

Óvalo central de alabastro enmarcado por volutas de la rara breccia pavonazza del Suffragio y dos cuadrados de alabastro cotognino y alabastro fiorito sobre fondo de lumachella. La cenefa, separada del rectángulo central por filetes de paragone, está dividida en compartimentos mixtilíneos, óvalos y rombos en diferentes materiales (broccatello, alabastro, verde antico, y lumachella). Realizado en Roma. Es similar a muchas de las composiciones de mármoles polícromos que existen en iglesias romanas a partir del inicio del siglo XVII. El diseño de esta pieza parece estar pensado más para un recuadro parietal que para una mesa

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Bufete del Nuncio Massimo 1624. Calcedonia, Jaspe rojo, Paragone, 152 x 107,5 cm.

Sobre un campo de mármol negro de Bélgica, o paragone, se dispone una guirnalda de flores en cuyo centro un papagayo pica una cereza. Alrededor, en los lados del largo del bufete, hay seis ramos de flores, cada uno de una especie, y otros cuatro ramos más pequeños; en los lados del ancho se ven dos ramos de otras flores y otros ramos menores, parecidos a los primeros. Alrededor de la guirnalda vuelan algunas mariposas y se disponen varias flores cortadas. En el borde, una banda de jaspe rojo con filetes de oro y rosetas de calcedonia. En todo el conjunto se utilizan las más excepcionales piedras duras de la manufactura florentina.

MUSEO DEL PRADO
Posee una serie de seis (o de ocho, si se incluyen otras dos mesas parecidas) que se elaboraron en el Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro, fundado por Carlos III en 1759.

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Consola
1775 – 1780. Bronce dorado, Calcedonia, Lapislázuli, Paragone, 95 x 182 cm.

La composición central circundada por una cinta azul y amarilla de lapislázuli y calcedonia, representa, sobre un fondo de calcedonia blanca, dos hombres que juegan a los bolos junto a tres personajes que pasean, y a dos pedreros trabajando.

El fondo arquitectónico comprende ruinas romanas, como la pirámide Caio Cestio y la tumba de Cecilia Metela en relación con el vedutismo veneciano y el paisaje arqueológico romano. Alrededor de esta composición una cenefa de paragone contiene frutas de varios tipos, instrumentos musicales y científicos, varios libros y una bandeja con una toalla y una vaso de plata. En la cartela central del faldón lleva una torre, motivo heráldico español.

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Consola
1779 – 1781. Bronce dorado, Calcedonia, Jaspe rojo, Lapislázuli, Paragone, 95 x 180 cm

.El tablero incluye una gran escena central, sobre fondo blanco de calcedonia, con varias figuras en un puerto, dos de las cuales, de gusto oriental, están claramente inspiradas en Tiépolo. Una cinta de lapislázuli y calcedonia amarilla enmarca esta escena; alrededor, sobre fondo de paragone, un grupo de objetos variados: busto de un niño, cesta con peras, conchas, violín, anteojos, planos arquitectónicos e instrumentos de este arte; en alto, ala izquierda, una paleta de pintor con una corona de laurel que cubre la mitad superior de un pequeño cuadro con la Inmaculada Concepción. La técnica de factura es exquisita y destaca la utilización de piedras de diferente gradación de colores

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Consola
1775 – 1783. Bronce dorado, Jaspe, Paragone, 95 x 180 cm.

Tablero que presenta una decoración a base de motivos concebidos con recurso de trampantojos y dispuestos como “mesa revuelta”. Un retrato a silhouette y dos cuadros, el primero con dos personajes orientales y un “pulcinela”, y el segundo con un paisaje bucólico. Alrededor de los cuadros se ven dos anamorfosis, una gironda, un libro con partituras musicales y otros libros, uno de los cuales lleva escrito en el lomo Plinio. Natural T.I, un bastón y un fuelle con una cinta.

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Consola
1774 – 1783. Bronce dorado, Lapislázuli, Paragone, 97 x 190 cm.

Mesa con un cuadro con una marina y su marco al revés, naipes y varias fichas, una regla, un martillo, un compás y otros instrumentos de carpintería, dos hebillas, un llavero y varios dibujos sobre fondo de paragone o mármol negro de Bélgica. La representación del cuadro está directamente inspirado en las composiciones del pintor francés Joseph Vernet (1714-1789), cuya obra fue muy apreciada por Carlos III y Carlos IV. Los motivos relacionados con el juego como naipes están inspirados en modelos franceses contemporáneos de V. Penot.

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El juego del balón, consola
1782 – 1788. Bronce dorado, Calcedonia, Lapislázuli, 95 x 176 cm.

Sobre anchas cenefas de lapislázuli se disponen en la mesa conchas, frutas y flores. La escena central sobre fondo claro de calcedonia, está enmarcada por una guirnalda que incluye rocailla asimétrica. La escena de jugadores de balón con varias figuras que conversan en un paisaje con arquitectura clásica, en el que aparecen la leona de basalto del Capitolio y la pirámide Cestia de Roma. Está inspirada en modelos que Giuseppe Zocchi realizó en los años 1748 y 1765 para el emperador, gran duque Francisco de Lorena. Esta mesa y su pareja, fueron las últimas realizadas en el Real Laboratorio del Retiro ya en el año 1788. Aunque mantienen muchos elementos barrocos y rococó

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El juego del volante (consola de piedras duras)

Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro Mosaico. Bronce dorado, calcedonia, lapislázuli, 95 x 176 x 100 cm Hacia 1782-1788 Museo Nacional del Prado

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Mesa de piedras duras
1738 – 1749. Ágata, Amatista, Bronce dorado, Calcedonia, Madera de ébano, Jaspe, Lapislázuli, Paragone, 85 x 111 cm.
Museo del Prado

Mesa de centro, rectangular. El tablero en taracea de piedras duras sobre fondo de paragone están adornados con volutas en calcedonia enmarcados por un entrelazo de flores, frutos y hojas con pájaros y mariposas en distintos tipos de jaspe, amatista y ágata; en el centro hay un espacio vacío ocupado tan solo por un collar de perlas con un lazo de lapislázuli. El borde, en bronce dorado, tiene cartelas asimétricas en las esquinas que cuelgan sobre la alta faja de ébano, cuyos lados tienen cartelas parecidas con placas de lapislázuli. Pies triangulares, con placas en lapislázuli, y festones en bronce dorado con frutas en piedra dura.

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Mesa de piedras duras con pájaros y mariposas
1749 – 1763. Ágata, Bronce dorado, Calcedonia, Madera de ébano, Jaspe, Lapislázuli, Paragone, 92 x 150 cm.
Museo del Prado

El tablero en taracea de piedras duras sobre fondo de paragone tiene las esquinas moldeadas y está orlado con una faja de lapislázuli. Sobre él se representan flores y frutas con pájaros, insectos y volutas; todo en varios tipos de jaspe, lapislázuli, calcedonia y ágata. Los soportes, entre cartelas de bronce dorado con mascarones grutescos, tienen forma de pie de caballo y están adornados con placas de lapislázuli. A ambos lados de la alta faja lignita, situada bajo el tablero, hay cartelas en piedras duras con marcos de bronce, unidas por festones dorados a las cabezas femeninas que adornan las esquinas, simbolizando las Estaciones, cuya autoría se debe a Giovanni Morghen
El pie de bronce, realizado por Giovanni Battista Ferroni, sigue el modelo de las consolas napolitanas de la primera mitad del siglo, el de las «espagnolettes»

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Tablero para consola Museo del Prado

Paisaje con perspectiva arquitectónica y obelisco roto rodeado por cenefa decorativa en trampantojo. Hacia 1779.

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La Gruta de Posilipo
Buen Retiro

Del Real Laboratorio de Piedras Duras, sobre cartón de van Wittel (fines del siglo XVIII-inicios del siglo XIX) Cuadro de mosaico y piedras duras, 38,3 x 48,4 cm

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Vista de Bermeo

Buen Retiro, Real Laboratorio de Piedras Duras, sobre cartón de Paret y Alcázar (fines del siglo XVII-inicios del siglo XIX) Posible tablero para mesa, 40,5 x 81,5 cm

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Paisaje con ruina de un templo
1766 – 1800. Piedras duras, preciosas y semipreciosas, 33,3 x 26,4 cm.

Cuadro de piedras duras, seguramente realizado en los últimos años de actividad del Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro (1762-1808), bajo la dirección de Luis Poggetti. Este y otros cinco cuadros más aparecen citados en la Testamentaría de Fernando VII de 1834 y en el inventario manuscrito del Prado de 1857. En una serie de documentos de 1811 se mencionan los cincos cuadros de mosaico que Luis Poggetti había salvado y conducido desde Madrid a Cádiz, sede del gobierno español bajo la ocupación francesa.

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Paisaje con ruina de un templo
1766 – 1800. Piedras duras, preciosas y semipreciosas, 33,3 x 26,4 cm.

Cuadro de piedras duras, seguramente realizado en los últimos años de actividad del Real Laboratorio de Piedras Duras del Buen Retiro (1762-1808), bajo la dirección de Luis Poggetti. Este y otros cinco cuadros más aparecen citados en la Testamentaría de Fernando VII de 1834 y en el inventario manuscrito del Prado de 1857. En una serie de documentos de 1811 se mencionan “los cincos cuadros de mosaico” que Luis Poggetti había “salvado”

OTRAS PIEZAS EUROPEAS

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La oración en el huerto. Oficio delle Pietre Dure (Galleria dei Lavori)

Según una pintura de Benedetto Veli, c. 1604. Galleria dei Lavori

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Tablero para mesa de piedras duras italiana atribuido a Pietro Antonio Paolini, Toscana, alrededor del año 1735

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Detalle de la mesa anterior

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Detalle de la mesa anterior

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Detalle de la mesa anterior

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Detalle de la mesa anterior

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mesa de estilo egipcio

Materiales: madera, tallado, pintado, y en parte dorada; encimera de granito negro no es original a la mesa.Probablemente hecha en Nueva York
Como bibliotecario del cardenal Alessandro Albani colector (1692-1779), Winckelmann pasó nueve años en el intenso estudio de la cultura etrusca, griega, romana clásica, y las obras egipcias. La presencia constante de arte egipcio en Italia en ocasiones inspiró a artesanos de épocas posteriores a incorporar sus misteriosos motivos decorativos en sus propias invenciones.

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Mesa de inspiración gótica c.1860 Madera y piedras duras.

A pesar de que el fabricante de esta mesa es desconocido, se produjo probablemente en Nueva York después de un diseño por el arquitecto británico Augustus Welby Northmore
El tablero de la mesa se apoya en peana inspirada en la arquitectura de contrafuertes que se extiende desde el eje central.Es un excelente ejemplo de cómo los muebles neogóticos emplean características reservadas para el uso en edificios durante el período gótico (siglo XII al XV)

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Theophil Hansen (Dinamarca, Copenhague 1813-1891 Viena)

Top ejecutado al Opificio delle Pietre Dure, Florencia, Italia ca. 1855-1860
mármol belga y piedras semipreciosas; pino pintado, fruitwood ebanizado, latón esmaltado, de bronce dorado. Peana en madera tallada gradas forma de jarrón con decoración de putti

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Armería Imperial, Tula (al sur de Moscú), Rusia Fecha: ca. 1780-1785

De acero, plata, cobre dorado, bronce dorado, tilo; cristal del espejo reemplazado por piedra dura.
Desde 1712, cuando el arsenal imperial en la ciudad de Tula, al sur de Moscú, fue fundada por Pedro el Grande (r. 1682-1725) 
En 1785 la emperatriz Catalina la Grande, durante cuyo reinado (1762-1796) floreció la fábrica de Tula, envió a dos de los trabajadores siderúrgicos con más experiencia del arsenal a Inglaterra con el fin de perfeccionar sus habilidades y ampliar sus perspectivas e ideas creativas;

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Caja de piedras duras
1650 – 1700. Madera de ébano, Piedras duras, preciosas y semipreciosas, 19 x 33 cm.

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Cofre ochavado con entalles, piedra dura y camafeos

Segundo tercio del siglo XVII. Ágata, Carneola, Crisoprasa, Esmalte, Granate, Heliotropo, Jaspe bandeado, Lapislázuli, Olivino, Ónice, Ópalo de fuego, Oro, Plata dorada, Prasio, 12,5 x 19,8 cm.
Cofre octogonal prolongado, con la base formada por una plancha de plata, sobre la que se elevan cuatro paredes de acero con cantoneras y molduras de oro. La tapa es plana, a ocho aguas, se apoya sobre diez bolitas de materiales diversos: ágata, lapislázuli, carneola. Toda su superficie está ricamente decorada por una trama de oro esmaltado, con diseño de hojas picudas y granos, entrelazadas y huecas, de donde surgen otras menores

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Vaso de jaspe con camafeos de Neptuno y Anfitrite
1687 – 1689. Ágata, Calcedonia, Jaspe multicolor, Jaspe rojo agatizado, Lapislázuli, Ópalo

Se compone de dos piezas de jaspe rojo y dos importantes monturas con veinte camafeos. Cuerpo a modo de tazón, con perfil en arco rebajado, de boca redonda, y una pieza anular lobulada, en forma de flor, adherida en su fondo. La tapa es de oro, con sobrepuestos de cintas y hojarasca en oro esmaltado de blanco, con toques negros y púrpura, así como de verde trasflor. En el ala se engastan cinco camafeos grandes, dispuestos en vertical, y cinco pequeños, con escenas mitológicas

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Mesa de piedras duras, como un muestrario, capturada al barco británico Westmorland y depositada en el Gabinete de Historia Natural de Madrid. En la actualidad en el Museo Nacional de Ciencias Naturales de Madrid. Colección de Geología.



Fuentes:

Haz clic para acceder a ma_PIEDRASDURAS_OyE_HISTORICA.pdf

https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/real-laboratorio-de-piedras-duras-del-buen-retiro/4fbfe253-c809-4055-a0cd-46a33045172b

http://www.all-sa.com/Prado16.htm https://www.museodelprado.es/coleccion/obras-de-arte?search=hardstone%20tabletop&ordenarPor=pm:relevance

https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Tipos_de_m%C3%A1rmol TIPOS DE MÁRMOL

nota: en la relación que adjunto de las fuentes consultadas, hay un link, donde aparecen los distintos tipos de mármoles y piedras duras que existe.

Murallas y puertas de Madrid

La villa de Madrid estuvo protegida por:
Dos murallas: la árabe y la cristiana y tres cercas: del Arrabal, de Felipe II y de Felipe IV
Las murallas, árabe y cristiana, eran defensivas para proteger el Alcázar, la Almudayna y la Medina.
Las “cercas”, más modernas, servían para el control de los movimientos de la población, para medidas sanitarias y, sobre todo, para recaudación de impuestos. Con este fin, proliferaron las Puertas, Postigos y Portazgos.

«Matritvm Urbs Regia» es una obra pictórica de Pierre Schild pintada en 1956, y publicada como lámina por primera vez en 1962 en el libro Madrid, «Crónica y guía de una ciudad impar», de Federico Carlos Sainz de Robles. El cuadro se conserva como parte de la decoración del restaurante Sobrino de Botín, en Madrid


Es necesario, entonces hablar de las murallas y cercas de Madrid, para entender donde se encontraban sus puertas y portillos .Además, al haber desaparecido muchas de ellas, es imprescindible utilizar planos de Madrid como el de Texeira o el de Gómez de la Mora (1622), grabados antiguos, fotos y proyectos de archivo, para sustituirlas. En bastantes casos, me limitaré a poner fotografías actuales de sus localizaciones.

Emplazamiento de Madrid
                                              • La fortaleza se ubicó
                            ...

Probablemente, os parecerá este artículo farragoso y algo confuso; no os faltaría razón porque la comprensión de la situación, recorrido y localización de cercas y puertas, de por si ya lo es, en un Madrid completa y continuamente transformado a lo largo de los siglos.
En la descripción de cada muralla o cerca, añadiré solo, las puertas que no estuvieran en las anteriores, ya mencionadas.
De algunos portillos no he encontrado apenas documentación escrita y ninguna imagen.

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Puerta de Hierro
Aunque no esta en Madrid capital, he querido incluirla, porque para mi gusto es la mas bonita y ademas difícil de ver al estar aislada entre dos carreteras.
Es un monumento de la segunda mitad del siglo XVIII, que a diferencia de las otras tres puertas monumentales de la ciudad (las de Alcalá, Toledo y San Vicente), la Puerta de Hierro no se encuentra en el casco urbano, sino en las afueras. Tal ubicación responde a su función original. Fue erigida como entrada al Real Sitio de El Pardo, una zona de caza históricamente reservada a la monarquía española

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MURALLA ÁRABE (S. IX)
1) Puerta de la Vega; 2) Arco de Santa María; 3) Puerta de la Sagra
La primera muralla, y quizás la fundación de Mayrit, se puede situar en el siglo IX, cuando el Emir Mohamed I ordenó construir una atalaya en el lugar donde hoy tenemos el Palacio Real. Madrid formaba parte del sistema defensivo de atalayas a lo largo del valle del Tajo que controlaban el posible paso de los cristianos por Somosierra, Tablada y La Fuenfría hacia Segovia, Zaragoza o Toledo. Asimismo, ordenó también construir una muralla que protegiera la villa ya existente alrededor de la atalaya. Dicha muralla, construida en pedernal y abarcando una extensión de 9 hectáreas de terreno, tenía 3 puertas, además de un portillo que se ha descubierto recientemente en las excavaciones cercanas a la Plaza de la Armería

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En las excavaciones que se están realizando en la zona comprendida entre la Plaza de la Armería del Palacio Real y la Catedral de la Almudena, donde se está construyendo el futuro Museo de las Colecciones Reales, han aparecido restos de la muralla de unos 70 m de longitud y torres árabes que, por su disposición, muestran que el castillo árabe y la muralla no estaban unidos, siendo aquel externo a ésta

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Parte de los restos podrían corresponder a la Puerta de la Sagra, uno de los accesos al recinto amurallado. Asimismo, se han encontrado restos de casas musulmanas, las primeras que aparecen en Madrid y que nos permiten descubrir cómo eran. Tenían unos 90 metros cuadrados y disponían de sótano, planta baja con pozo y planta alta.

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La Puerta de la Sagra
o de la Xagra, estaba situada en el lienzo Norte de la muralla árabe, en el Campo del Rey, frente a lo que hoy es la Plaza de la Armería.
Luego, con la primera ampliación cristiana, la que se construyó al Este adoptó el mismo nombre. Ésta se ubicó en el nuevo trozo de muralla que unía la almudena con el Alcázar, a la altura de la intersección de las calles Rebeque y Requena, siendo derribada en 1548.
Era un acceso de la muralla islámica de Madrid que daba a una extensión de cultivo cercana a la rivera del Manzanares. Era una puerta adyacente a la de Valnadú y se ubicada en terrenos ocupados actualmente por la Plaza de Oriente (frente a los Jardines de Lepanto), contigua al Alcázar (actual Palacio Real)

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Maqueta de la iglesia de Santa María, Museo de Madrid

El Arco de Santa María
Llamado así por estar cerca de la Iglesia de Santa María, era también conocido como «de la Almudena» por comunicar la antigua almudena con la Medina. 
Se derribó en 1570 con objeto de ensanchar la calle para el paso de Ana de Austria, última esposa de Felipe II, construyéndose en 1672 una nueva puerta a la que también se llamó Arco de Santa María.

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El Arco de Santa María
Calle de la Almudena donde se pueden ver los cimientos de la Iglesia que se asentaba en la esquina de los antiguos trazados de las calles Mayor, donde tenía la entrada, y Bailén, siendo rodeada por el antiguo callejón, ahora calle de la Almudena, sobre el solar de la antigua mezquita mayor del Mayrit musulmán.

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Plano del recinto árabe, sobre un plano de Madrid actual

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Recreación de la Puerta de la Vega y al fondo la de Santa María (denominación ya cristiana)

La Puerta de la Vega 
Quizás muy parecida a la Puerta de Bisagra, en Toledo y una de las dos puertas por donde se dice que entró Alfonso VI a Madrid; la otra posible entrada es por la de Guadalajara
La primera fue derribada y se construyó otra en su lugar en 1708 que también fue demolida en 1830 y sustituida por un portillo de madera hasta que se decidiese qué hacer. Este portillo se derribó en 1850 al transformar la empinada cuesta en las rampas que hoy tenemos allí.

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Grabado con la puerta de la Vega
Por otra parte hay que mencionar el único portillo descubierto del recinto amurallado del Madrid islámico, durante las excavaciones en la Cuesta de la Vega. Los portillos servían como accesos secundarios y se localizaban junto a las tres puertas cuyos restos, probablemente enterrados, esperemos que sean rescatados algún día para revelar la verdadera historia que gira en torno a las puertas de la muralla árabe de Madrid 
La Puerta de la Vega es la única del Madrid musulmán de la que se conservan documentos gráficos como el dibujo de Wyngaerde 1562 y el plano de Teixeira 1656.

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Restos de la muralla árabe situada en el parque del Emir Mohamed I, junto a la cuesta de la Vega
Tiene unos 120 metros de largo, 8 de alto y 2 de ancho. Cuenta con un portillo y se pueden adivinar en él 6 torres, de las que 4 aún están en pie

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La Torre de los Huesos 
Es una atalaya islámica que podemos observar en los aparcamientos subterráneos de la Plaza de Oriente. Su misión durante la dominación árabe era la vigilancia del entonces existente barranco del Arroyo del Arenal.
Con la conquista cristiana, fue incorporada como torre albarrana a la muralla cristiana para proteger la Fuente de los Caños del Peral (en la hoy Plaza de Isabel II) y asegurar la Puerta de Valnadú (situada en la confluencia de las calles Unión y Vergara).

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MURALLA CRISTIANA (s. XI-XII)
1) Puerta de la Vega; 4) Puerta de Moros 5 Puerta Cerrada; 6) Puerta de Guadalajara; 7) Puerta de Valnadú

Plano actual con la situación de murallas y sus puertas

La segunda muralla de Madrid fue construida por Alfonso VII en el siglo XII y era el triple de extensa que la primera, rodeando 35 hectáreas de terreno. Constaba de 4 puertas, hoy inexistentes al haber sido derribadas en diferentes momentos: Puerta de Valnadú, Puerta de Guadalajara, Puerta Cerrada y Puerta de Moros.

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Calle de los Mancebos.

En los números 3 a 5, como antigua pared medianera, se conserva un trozo corto y deteriorado de la muralla cristiana

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Puerta de Moros, cartela de la plaza

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En este lugar era donde estaba la Puerta de Moros sobre la actual Plaza del Humilladero, entre las calles Almendro y Cava Baja. Esta puerta fue demolida en el siglo XVII.

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Restos de la muralla cristiana en la calle del Almendro

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Plaza de la Puerta de Moros en la actualidad, al lado de la Iglesia de San Andrés y muy cerca esta la Casa-Museo de San Isidro

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Iglesia de SanAndrés y la Casa-Museo de San Isidro
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Paño de muralla y parte del arco encontrado en la Plaza de los Carros, cercana a la Puerta de Moros

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Puerta Cerrada
El nombre de la plaza le viene dado, evidentemente, por ser el lugar donde antiguamente se encontraba la desaparecida Puerta Cerrada, así llamada por estar normalmente en esa situación ya que, al ser una puerta con muchos recovecos donde podían esconderse malhechores y debido al alto grado de desgracias allí ocurridos, se decidió cerrarla.

La Puerta Cerrada fue la segunda en importancia en el Madrid medieval, después de la de Guadalajara. Los encargados de la muralla y de guardar sus llaves solían ser personajes notables, miembros de las familias más poderosas que habían llegado a la Villa

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Pasadizo de la muralla cristiana encontrado en Puerta Cerrada

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El maestro D. Juan López de Hoyos (1511-1583), párroco de la iglesia de San Andrés, describe así la Puerta Cerrada:
«Entre las antigüedades que evidentemente declaran la nobleza y fundación antigua de este pueblo, ha sido una, que en este mes de junio de 1569 años, por ensancharla, la puerta cerrada derribaron. Y estaba en lo más alto de la puerta en el lienzo de la muralla labrado en piedra berroqueña un espantable y fiero Dragón, el cual traían los Griegos por armas, y las usaban en sus banderas, como aparece en las historias,… Y siendo yo de pocos años me acuerdo que el vulgo no entendiendo esta antigüedad, llamaban a esta puerta la puerta de la culebra, por tener este Dragón labrado bien hondo»

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Plaza de Puerta Cerrada nº 6

En la Plaza de Puerta Cerrada, en los números 4 a 6, dentro de viviendas particulares, existe un trozo de la muralla entera hasta la coronación, incluido el adarve o camino de ronda, así como su pretil y un torreón semicircular.
(Esta historia ya me la contaban mis suegros hace muchos años, ya que vivieron en el nº 6, casi toda su vida, casa que aparece en la imagen)

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Puerta de Guadalajara
Desde Puerta Cerrada, la muralla continuaba hasta la que quizás era la puerta principal de la ciudad: la Puerta de Guadalajara. Para llegar a ella, la muralla recorría un trayecto paralelo a lo que ahora son la Calle de Cuchilleros y la Cava de San Miguel y que entonces eran su foso. Esta puerta se destruyó en un incendio fortuito y no se reconstruyó al no tener ya utilidad.
Según parece fue engalanada con muchas luces para festejar un éxito de Felipe II, y todos los adornos salieron ardiendo quedando en estado ruinoso, lo que indica que era muy vieja o de muy mala calidad, lo cierto que después del incendio fue derribada con la alegría de la corporación municipal que necesitaba ya un ensanche para Madrid.

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Plaza de la Villa 
Sin duda la de Guadalajara, fue la puerta más importante del antiguo recinto, que era la llamada Puerta de Guadalajara. Estaba situada en la Calle Mayor, aproximadamente a la altura de la Plaza de la Villa. Su origen no está claro, ya que según unos es romano, otros visigodos, aunque lo más seguro es que fuera de origen árabe. Estaba construida con pedernal y argamasa.

La imagen puede contener: texto que dice "CALLEDELA ESCALINATA"

Desde la Puerta de Guadalajara, la muralla continuaba paralela a las que hoy son calles del Mesón de Paños y de la Escalinata para llegar a la Puerta de Valnadú y, desde ésta, hasta el Alcázar para finalizar allí su perímetro.

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Puerta de Valnadú
Antes de llegar a la Puerta de Valnadú, existía una torre albarrana llamada de Alzapierna, o también Gaona, que tendría como misión proteger el abastecimiento de agua desde la Fuente de los Caños del Peral.( En junio de 1990, durante la remodelación de la estación de Ópera, se encontraron en la plaza de Isabel II unos restos que fueron asociados inicialmente con la torre de Alzapierna, perteneciente a la muralla cristiana de Madrid )

A continuación teníamos la Puerta de Valnadú, demolida en 1567, y la Torre de los Huesos, ya mencionada, además continuaba la muralla hasta unirse al Alcázar y terminar su recorrido.

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Plaza de Isabel II

Finalmente, tenemos en el número 3 de la Plaza de Isabel II, en los sótanos de un local de restauración, un trozo de muralla con un portillo. Y es aquí donde podemos observar los cambios realizados en el terreno a lo largo de la historia ya que lo que es sótano a un lado de la puerta es superficie al otro lado, en la Calle de la Escalinata.

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CERCA DEL ARRABAL (S. XIII)

Tal como explica la investigadora Mercedes Agulló “… los habitantes madrileños de la muralla no sólo la habían utilizado como morada, sino que la habían adaptado a sus necesidades y caprichos abriendo puertas y ventanas, ocupando las torres y torreones, agregando a las casas que estaban arrimadas a ella parte de la propia muralla de Madrid o derribando y deshaciendo lo que les estorbaba.”

S XIV
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Cerca del Arrabal plano

1) Puerta de la Vega; 4) Puerta de Moros; 8 Puerta de la Latina; 9) Postigo de San Millán (Puerta de Toledo); 10) Puerta de Atocha; 11) Puerta del Sol (donde la actual plaza); 12) Postigo de San Martín; 13) Puerta de Sto. Domingo.

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Puerta de Santo Domingo 
Estaba situada en la plaza del mismo nombre, viniendo ambos del Convento de Santo Domingo el Real, fundado por Santo Domingo de Guzmán en 1212( es el que se ve en el grabado)

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Postigo de San Martín 
Nombrado así por el cercano convento del mismo nombre. Estaba enclavado originariamente en el cruce de las calles San Martín y Navas de Tolosa; posteriormente, fue trasladado hasta la altura de la actual Plaza del Callao.

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Puerta del Sol 
Cuyo nombre proviene, según algunos historiadores, de un Sol dibujado en el castillo construido durante la guerra de las Comunidades de Castilla para defender la villa de los comuneros. Posteriormente, en 1539, se construyó una puerta en su lugar que perduró hasta 1570. Durante un tiempo, se la conoció como «la puerta de la pestilencia» por el cercano Hospital del Buen Suceso.

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Puerta del Sol. Proyecto de remodelación de 1938 , que añado por su curiosidad. Por supuesto nunca se llevo a cabo.

Reforma de la Puerta del Sol




La reforma de la Plaza de la Puerta del Sol fue otra de las actuaciones
internas más impo...

Proyecto de la Puerta de Atocha, decoración de Antonio López Aguado, realizada para celebrar la entrada en Madrid del Rey Fernando VII en 1813, de lamentable memoria…

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Puerta de Atocha 
La primera de este nombre. Estaba situada donde la actual Plaza de Jacinto Benavente

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La Puerta de Atocha
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Basílica de la Virgen de Atocha en la zona donde estaba Portillo de la Campanilla, en la Avenida de Cataluña frente al convento de Atocha

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Hospital de la Latina

Puerta de La Latina
Estaba en la Calle de Toledo, frente a la Plaza de la Cebada. En un principio, se llamaba Puerta de San Francisco por llegar hasta el convento del mismo nombre, en la hoy Basílica de San Francisco el Grande, para luego tomar el nombre de La Latina al tener al lado el hospital homónimo. Éste, al igual que el Convento de la Concepción Jerónima, fue fundado por Beatriz Galindo «La Latina», preceptora de Isabel «la Católica» y de sus hijos y considerada una de las mujeres más cultas de su época. El barrio de La Latina se llama así por haber vivido ella en él.

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Plano de Madrid en la época de Felipe IV.

Aunque este plano es bastante posterior, me sirve para hablaros de la Cerca de Felipe II, al no haber encontrado otro.

CERCA DE FELIPE II (1566)
1) Puerta de la Vega; 14) Puerta de Segovia; 15) Puerta de Toledo (C/ Toledo y C/ Sierpe); 16) Puerta de Antón Martín; 17) Puerta del Sol (C/ Alcalá y C/ Peligros); 18) Puerta de la Red de S. Luís; 12) Postigo de San Martín; 13) Puerta de Sto. Domingo
En 1566, Felipe II ordena construir una nueva cerca por motivos fiscales y sanitarios, no defensivos.

Eran unas 125 hectáreas de terreno cercado y no se conocían restos de ella hasta que en 1991, en unas obras de ampliación del Senado en la Calle Bailén, aparecieron los restos. . Para algunos expertos, pertenecen a la anterior Cerca del Arrabal y, para otros, a la de Felipe II. De todas formas, son los únicos restos de cualquiera de ellas hasta ahora conocidos.

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Puerta de la Red de San Luis
Estaba frente a los caminos de Hortaleza y Fuencarral. Su nombre lo tomó de una red que se ponía en un mercado de pan cercano para que no lo robaran y de la Iglesia de San Luis Obispo, situada en la Calle Montera y ya inexistente.En la antigua foto que os pongo aún se veia la marquesina de la puerta del metro de Gran Via.

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Puerta de Toledo 
Sustituía a la Puerta de La Latina.
La puerta de Toledo era una de las puertas de acceso a la ciudad de Madrid. Existieron con anterioridad otras tres puertas denominadas de Toledo en las cercanías, la actual data del primer tercio del siglo XIX y fue diseñada por el arquitecto español Antonio Aguado, que se encuentra ubicada en la mitad de la Glorieta de Toledo haciendo de rotonda. Fue erigida a modo de arco triunfal en honor del rey Fernando VII como conmemoración de la independencia española tras la ocupación francesa

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La Puente de Segovia en 1750

Puerta de Segovia 
Era por donde partían los caminos de Castilla y Extremadura y se sustituyó en el siglo XVII por otra más cercana al Puente de Segovia.

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Alzado de la Puerta de Segovia. 
construida a mediados del siglo XVII y cercana al Puente de Segovia, del que tomaba el nombre Puerta de la Puente. Demolida en 1849 y construida otra nueva al año siguiente, sería definitivamente derribada, al igual que la cerca, en 1868.

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CERCA DE FELIPE IV (1625-1868)
1) Puerta de la Vega; 14) Puerta de Segovia; 19) Puerta de las Vistillas; 20) Portillo de Gil Imón; 21) Puerta de Toledo (donde la plaza actual); 22) Portillo del Campillo del Mundo Nuevo; 23) Portillo de Embajadores; 24) Puerta de Valencia; 25) Puerta de Atocha; 26) Portillo de la Campanilla; 27) Puerta de Alcalá; 28) Portillo de Recoletos; 29)Puerta de Santa Bárbara; 30) Puerta de Bilbao; 31) Portillo de las Maravillas; 32) Portillo de Fuencarral; 33) Portillo del Conde Duque; 34) Portillo de San Bernardino; 35) Puerta de San Vicente.
Al haberse quedado pequeña la cerca de Felipe II por el aumento de población, Felipe IV ordena en 1625 construir una nueva cerca de ladrillo, argamasa y tierra.
Su construcción estaba motivada por motivos fiscales y de vigilancia, no era una muralla defensiva y lo que se buscaba es que todos los productos que entraran en la villa pagaran su correspondiente impuesto.
Tenía cinco puertas reales o de registro, que era donde se pagaban los impuestos, y catorce portillos de diferentes fechas y de una importancia muy inferior.

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La Cerca de Felipe IV, paño que se puede ver el la Ronda de Segovia

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Puerta de San Vicente
Portillo de San Vicente. Por él se accedía a los caminos de El Pardo, La Granja y El Escorial. Construido en 1726, tenía sobre el arco central una imagen de San Vicente Ferrer, de quien adoptó el nombre.

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Alzado de la Puerta de San Vicente.

Esta puerta es anterior de la que vamos a ver en la fotografía. Fue construida en 1726

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Puerta de San Vicente
Derribada en 1770 por orden de Carlos III con el fin de rellenar el barranco que formaba la cuesta y así disminuir su pendiente. En 1775, Sabatini construyó una nueva puerta igual a la actual que fue demolida en 1890, desapareciendo sus restos; no se sabe si fueron reutilizados en otras construcciones o si aún permanecen guardados en algún almacén municipal.

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Puerta de San Vicente
Cuando en 1995 se decidió su reconstrucción, y al no encontrarse sus restos, se decidió construir una réplica basándose en las molduras de las cornisas superiores y los planos que todavía se conservaban, así como en una foto de J. Laurent, fechada en 1890, de dicho monumento. El resultado fue el que se puede ver en la fotografía. Una curiosidad de su emplazamiento actual es que está orientada al revés que la original: la cara que ahora da frente al Palacio Real antes daba al paseo de la Florida y viceversa con la otra cara

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Portillo de San Bernardino
Llamado inicialmente de San Joaquín por el cercano convento de igual nombre cuando estaba en la calle de la Princesa, frente a la calle del Rey Fernando. Posteriormente, fue denominado San Bernardino por otro cercano convento de este nombre, cuando fue trasladado frente a la calle de Quintana. Fue demolido en 1868.

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Portillo de Fuencarral 
Denominado asi aunque su verdadero nombre era Portillo de Santo Domingo. Ubicado en la calle de San Bernardo, a la altura de la calle de Santa Cruz de Marcenado. Construido por Juan de Mora en 1642 y derribado en 1867.

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Portillo de Fuencarral
Según Mesonero Romanos, era pequeña y ridícula, pero fué importante durante la epidemia de peste de 1649, porque fué una de las cuatro que permanecieron abiertas.

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«Entrada a Madrid por la Puerta de Fuencarral». Año 1836, por David Roberts

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Portillo de las Maravilla
que recibió este nombre por el cercano convento de las Maravillas y que estaba situado en la intersección de las calles de Ruiz y Divino Pastor.


La Puerta de Bilbao, representada en la maqueta histórica de la ciudad, realizada en 1830 por León Gil de Palacio (Museo de Historia de Madrid).

La Puerta de Bilbao o Puerta de los Pozos de Nieve fue un acceso abierto en la cerca de Madrid.​ Se encontraba ubicada en el espacio de la actual Glorieta de Bilbao, siendo el punto extremo de la calle Fuencarral y acceso a la Carretera Real de Francia.

La puerta es demolida en el año 1865 junto con otros portillos como el de Fuencarral y de San Bernardo. La denominación alternativa de Puerta de los Pozos de Nieve se debe a la existencia de unos pozos de nieve

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Puerta de Bilbao  en la actual Glorieta
Después se llamó de San Fernando hasta que en 1837 adoptó el nombre de Puerta de Bilbao en memoria de esta ciudad y sus defensores. Tenía un cartel adosado a ella donde podía leerse: «A los heroicos defensores y libertados de la invicta villa de Bilbao, los habitantes de Madrid».

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PUERTA DE RECOLETOS 1756
Ubicado el primero frente a la Biblioteca Nacional en el Paseo de Recoletos y siendo sustituido en 1756, cuando Fernando VI construyó la cerca de las Salesas Reales, por una nueva puerta considerada la mejor de todas las existentes hasta que se construyó la de Alcalá.

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Puerta de Recoletos
Desarmada en 1863 para su traslado a otro emplazamiento, estuvo tanto tiempo abandonada y deteriorándose en el campo que los daños sufridos hizo que no se reconstruyera, siendo sus restos usados en construcciones.

Puerta de Atocha

Grabado decimonónico de la Puerta de Atocha y la Fuente de la Alcachofa, atribuido a Vicente Camarón (Museo Municipal de Madrid).

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La Puerta de Alcalá

En 1748, durante el proceso de construcción de la nueva cerca de Felipe IV la antigua puerta de Vallecas se sustituyó por la primera puerta de Atocha monumental, que daba salida al paseo de las Delicias,​ y que fué derribada el 28 de junio de 1850.​

La Puerta de Alcalá es una de las cinco antiguas puertas reales que daban acceso a la ciudad de Madrid

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Puerta de Alcalá. 
Han sido dos las puertas con este nombre. La primera estaba situada en la calle de Alcalá, frente a la calle de Alfonso XI, y se construyó en 1599 por la llegada de la esposa de Felipe III, Margarita de Austria. Se derribó en 1764 para construir una mayor que conmemorase la llegada del nuevo rey, Carlos III, a Madrid. Éste rechazó varios bocetos de Ventura Rodríguez y fue Francisco Sabatini quien comienza su construcción en su emplazamiento actual en el año 1778.

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Portillo de Embajadores
El original era del siglo XVII y en 1782, al construir la Ronda de Toledo, se adelantó su posición hasta la hoy Glorieta de Embajadores. Al igual que el anterior, se derribó en 1868.
Cerca del Portillo de Embajadores hubo una Huerta, conocida como Huerta de Bayo, que desde el siglo XVII fue propiedad de los monjes de San Cayetano.
En 1867 Isabel II donó la posesión al Estado.

La imagen puede contener: texto que dice "ಗഷ Casa Matadero del Cerrillo del Rastro"

Portillo del Campanillo del Mundo Nuevo 
Se construyó en 1856 con el fin de impedir que el camino seguido por el ganado desde que entraba en la villa hasta el Matadero de la Plaza del General Vara de Rey empezara en la calle de Toledo y recorriera varias calles llenándolas de inmundicias.

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Portillo de Gil Imón
Situado al final de la calle San Bernabé. Estaba situada en la Ronda de Segovia, esquina a la calle Gil Imón. En algunos escritos figura como Gilimon. El nombre proviene del fiscal Gilimon de la Mota. Constaba de un solo arco con un frontón triangular y algunas de sus partes eran de granito.

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Portillo de las Vistillas 
Se conoce por Las Vistillas a una zona del viejo Madrid, en el barrio de La Latina, elevada sobre un cerro desde donde se contempla una gran vista del oeste de la ciudad, incluida la ribera del río Manzanares y la enorme extensión de la Casa de Campo.
El portillo de las Vistillas, según Felipe Monlau «era una miserable salida que había antes al lado mismo de la puerta de Segovia recién derribada. Con la nueva puerta o barrera de Segovia desaparecerá por completo este portillo». Se encontraba junto a la actual Ronda de Segovia. El nombre lo tomaba de la colina de las Vistillas, por las vistas que desde este lugar se divisaban. se denominaron en tiempos pasados como Cerro de las Vistillas de San Francisco el Grande.

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Plano con las murallas y cercas de Madrid

Fuentes:

http://www.unaventanadesdemadrid.com/murallas-cercas-y-puertas-de-madrid.html


http://biblioteca.ucm.es/tesis/ghi/ucm-t26467.PDF

http://www.entredosamores.es/madrid%20medieval/textomedieval.html

http://www.colchonero.com/las_fotos_del_madrid_antiguo-itemap-115-92212-17.htm

https://artedemadrid.wordpress.com/2017/05/05/puerta-cerrada-y-la-muralla/

Bibliografía:

«MADRID MUSULMÁN, JUDÍO Y CRISTIANO: LAS MURALLAS MEDIEVALES DE MADRID». Isabel Gea Ortiga

San Juan el Bautista

“Meditaciones de San Juan Bautista” de “El Bosco” en el Museo Lázaro Galdiano

El 24 de junio la Iglesia conmemora la natividad o nacimiento de San Juan Bautista, el precursor de Jesús. ¿Pero, qué sabemos realmente de este personaje?

San Juan Bautista de Juan Martinez Montañés Convento de Santa Paula, Sevilla

El Bautista o san Juan, fue un predicador itinerante judío​ contemporaneo de Jesús de Nazaret, nacido a finales del siglo I a.C.​

San Juan Bautista  Icono de Andrei Rublyov. Temple y oro sobre madera, primer cuarto del siglo XV

Es venerado como un importante personaje religioso​ en el cristianismo y el islam y está considerado un profeta por todas estas confesiones y varias ramas del cristianismo le han proclamado santo

«La Visitación de Maria a Santa Isabel» de Roger Van Der Weyden
El Evangelio de Lucas narra la milagrosa concepción de Isabel, que era estéril , esposa de Zacarías, ambos ancianos y sin hijos.

Nacimiento de San Juan pintura gótica del S.XIII anónimo alemán

Nacimiento de San Juan por Tintoretto

El anuncio le fué realizado a Zacarias por un arcangel que le dijo: «Yo soy Gabriel, el que está delante de Dios, y he sido enviado para hablarte y anunciarte esta buena noticia. Te quedarás mudo, sin poder hablar hasta el día en que sucedan estas cosas, por no haber creído en mis palabras, que se cumplirán a su debido tiempo»

Zacarías permaneció mudo hasta el día de la circuncisión de su hijo, cuando recuperó el habla tras escribir en una tabla «Su nombre es Juan»

Se ha dicho de esta historia, que es«sin duda una creación artificial de Lucas».​ Las similitudes con la historia del nacimiento de Samuel de su madre Ana, que también era estéril, en el Antiguo Testamento sugieren que Lucas podría haber tomado la historia de la anunciación de Jesús y la de Juan de la historia de Samuel.​

San Juan con Jesús de Murillo 
Hay numerosas representaciones de los dos niños en el arte.

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María con Jesús y San Juan de Lucca della Robbia

Y también con Jesús y María

Botticelli e bottega, madonna col bambino e san giovannino, stimmate di s. francesco nello sfondo, 1490-1500 ca..JPG
María con Jesús y Juan de Botticelli y escuela 1490-1500

Otra representación muy habitual es la de Juan con el Agnus Dei

Ya en su juventud, las inquietudes religiosas y espirituales de Juan lo llevarían a liderar una secta judía emparentada con los esenios. De reglas muy estrictas, los esenios eran una de las muchas sectas y comunidades monásticas judaicas de la época.

La diferencia entre el ministerio general de los esenios y el de Juan estriba en que aquellos enfatizaban en el estudio de la Ley y, en general, de las Sagradas Escrituras, y Juan en la predicación y bautismo para la conversión del pueblo.

Qumran Caves

Las cuevas de Qumrán cerca del Mar Muerto

En el desierto de Engaddi a orillas del mar Muerto se situaban los monasterios en los que vivieron unos cuatro mil hombres compartiendo totalmente sus bienes, dedicados en exclusiva al culto y estudio de la palabra de Dios.

Los Rollos del Mar Muerto, descubiertos en Qumrán, revelan no solo la existencia de la secta, que ya era conocida por los escritos de los historiadores Plinio el Viejo y Josefo Flavio , sino de sus doctrinas.

Mas información en: https://unciondeloalto.jimdo.com/el-mundo-en-que-jes%C3%BAs-vivio/quienes-eran-los-esenios/

Dos interpretaciones de San Juan por Leonardo da Vinci
Según el Nuevo Testamento, Juan anticipó a una figura mesiánica de Cristo, mas importante que él mismo, por lo que se le llamó «El Precursor»
Cumplia asi, una profecía de Isaías que hablaba de un mensajero que iba por delante y de una voz que «clama en el desierto»

Juan Evangelista y Juan Bautista por el Greco.

Juan Evangelista describe a Juan el Bautista como «un hombre enviado por Dios» que «no era la luz» pero que «vino como testigo para dar testimonio de la luz, de manera que a través de él todos creyeran»

San Juan predicando de Matias Pretti 1665

Hacia el año 28, Juan el Bautista comenzó a ser conocido públicamente como profeta; su actividad se desarrolló en el bajo valle del río Jordán, donde predicaba la «buena nueva» y administraba el bautismo en las aguas del río

Bautismo de Jesús por El Greco

Juan el Bautista es mencionado en los cuatro evangelios canónicos y en Los evangelios sinópticos Marcos, Mateo y Lucas, describen el bautizo de Jesús. En el Evangelio de Juan hay una mención tácita del hecho.

Bautismo de Jesús por Francisco de Goya

Según el evangelio de San Marcos, Juan decía que vendría otro después de él que no bautizaría con agua, sino con el Espíritu Santo. No obstante, Jesús acudió a Juan y fue bautizado por él en el río Jordán, pese a que el Bautista no quería hacerlo aduciendo que «soy yo quien debería ser bautizado por ti, ¿y tú vienes a mí?

Bautismo de Jesús por Andre Verrocchio, maestro de Leonardo da Vinci, que colaboró en este cuadro, pintando la cabeza del ángel de la izquierda. Se dice que Verrocchio, al ver la maestría con la que fué realizada, renunció a seguir pintando desde entonces.

Se narra, en el evangelio de San Juan, que se vio «al espíritu bajar del cielo como una paloma y descansar sobre él».

San Juan por Juan de Juni, Museo de Escultura de Valladolid

La descripción de Juan se toma directamente del Evangelio de Marcos :»un manto hecho de pelo de camello, un cinturón de cuero en la cintura, y se alimentaba de saltamontes y miel silvestre«

San Juan en la celda de Caravaggio

El tono mesiánico del mensaje del Bautista inquietó a las autoridades de Jerusalén, y Juan fue encarcelado por Herodes Antipas, tetrarca de Galilea

Juan condenó a Herodes Antipas por casarse con Herodías,  la ex-mujer de su hermano

Imagen relacionada
Salomé bailando ante Herodes por Juan Valdés Leal (Sevilla, 1622 – 1690)

En venganza, Herodías le pidió a su marido la cabeza de Juan, para lo que utilizó a su hija Salomé,  que se lo pidió, tras bailar delante del rey, aunque Herodes Antipas se entretenía escuchando sus historias y era reacio a hacerlo porque le temía, ya que era un hombre «recto y sagrado», pero al final cedió.

Salomé presentando la cabeza de San Juan. Bernardino Luini. Museo de Bellas Artes de Boston

 Aunque reacio, Antipas ordenó la decapitación de Juan, y su cabeza le fue entregada a Salomé en un plato. ( El Evangelio de Marcos identifica erróneamente a Herodes Antipas como un rey,​ cuando era un tetrarca, ya que el territorio romano de Judea, era entonces una Tetrarquia, o gobierno de cuatro))

Otro oleo, esta vez de Caravaggio

A continuación, su cabeza le fué presentada a Herodes en una bandeja y su cuerpo  fue probablemente enterrado por sus discípulos.

Muchos estudiosos han considerado que la historia del arresto, la ejecución y el entierro de Juan puede haberse elaborado para relacionarla con el destino de Jesús.

Cabeza de San Juan Bautista por Juan de Mesa. Catedral de Sevilla

Varios lugares afirman o han afirmado poseer la cabeza cortada de Juan el Bautista. El lugar oficial de la Iglesia católica es la capilla de san Juan Bautista (Nabi Yahya en árabe) de la Mezquita de los Omeyas de Damasco

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_el_Bautista
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/j/juan_bautista.htm
https://religionennavarra.wordpress.com/2012/06/23/san-juan-bautista-y-la-historia/

chity del amohttps://www.blogger.com/profile/080010416597106489420
2018-06-20T23:07:31.743-07:00

San Pedro y San Pablo

La Fiesta de San Pedro y San Pablo, cuyo nombre oficial es «Solemnidad  de san Pedro y san Pablo, apóstoles» es la conmemoración del martirio en Roma de los apóstoles Simón Pedro y Pablo de Tarso, celebrada el 29 de junio

San Pedro y San Pablo por el Greco.

En esta fecha coincide la celebración de San Pedro, el primer Papa, y San Pablo, también llamado “el Apóstol”, ambos considerados grandes pilares de la Iglesia.

San Pedro por Rubens

SAN PEDRO
Todos los datos y episodios relacionados con este santo, aparecen en los Evangelios oficilaes y apócrifos, Los Hechos de loa Apóstoles y las Epístolas de San Pablo, ademas de otros escritos del S.I.

Estatua de San Pedro en el Vaticano
Según el evangelio de San Mateo, Jesús,»caminando por la ribera del mar de Galilea vio a dos hermanos, Simón, llamado Pedro, y su hermano Andrés, echando la red en el mar, pues eran pescadores, y les dice: Venid conmigo, y os haré pescadores de hombres. Y ellos al instante, dejando las redes, le siguieron»

D. Ghirlandaio, «Llamada de los apóstoles» (1481), detalle  Capilla Sixtina (Vaticano)
Su nombre de nacimiento era Simón bar-Jona​, conocido también como, Cefas o simplemente Pedro y fue, de acuerdo con múltiples pasajes del Nuevo Testamneto, pescador de oficio en el mar de Galilea. Su lugar de nacimiento fue Betsaida,​ un pueblo junto al Lago de Genesaret y allí ejercía el oficio de pescador junto a su hermano Andrés, quien también fue apóstol.

Los hermanos Zebedeos: Santiago y Juan  Museo de las Peregrinaciones, Santiago de Compostela S.XVI

Los evangelios sinópticos lo presentan como uno de los tres discípulos íntimos que, junto con Santiago y Juan

Según dos pasajes del Nuevo Testamento fue el primero en reconocer a Jesús como el Mesías esperado. «Y él (Jesús) les preguntaba: “Y vosotros, ¿quién decís que soy yo?”. Pedro le contestó: “Tú eres el Cristo”

«Entrega de las llaves a San Pedro»   Perugino,  Vaticano

La Iglesia católica lo identifica a través de la sucesión apostólica como el primer papa, basándose, entre otros argumentos, en las palabras que le dirigió Jesús: «Tú eres Pedro, y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia, y el poder de la muerte no prevalecerá contra ella. Yo te daré las llaves del Reino de los Cielos. Todo lo que ates en la tierra, quedará atado en el cielo, y todo lo que desates en la tierra, quedará desatado en el cielo» (Mateo 16, 18-19)

La negación de San Pedro, óleo sobre lienzo de Theodor Rombouts (1597-1637, Belgium)
Los cuatro evangelios recogen también la profecía de Jesús anunciando la traición de Pedro quien lo negaría tres veces consecutivas por miedo a ser reconocido como seguidor de Jesús.

«Las lágrimas de San Pedro», José de Ribera

La negación de Pedro se cumplió…

«Liberación de San Pedro» por Rafael  estancias de Heliodoro, Vaticano
Aproximadamente en el 42-44 d.C. Pedro, quien se hallaba en Jerusalén, fue encarcelado por el rey Herodes Agripa I, pero fue liberado por un ángel.

Altar en la Carcel Mamertina de Roma, donde estuvo Pedro encarcelado

Icono bizantino

De acuerdo con la epístola a los Gálatas, Pedro se trasladó a Antioquía, donde Pablo lo encontró más tarde  y después de haber fundado la iglesia de Antioquía, fue a Roma a predicar el Evangelio

«Dómine, quo vadis?» de Anibal Carracci
En el camino a Roma, por la Via Appia, fué cuando dijo la famosa frase en latín «Quo Vadis?» que significa «¿A dónde vas?» que viene del  texto de los «Hechos de Pedro»

San Pedro por el Greco
La tradición católica de los Padres de la Iglesia narra que Pedro acabó sus días en Roma, donde fue obispo

«Martirio de San Pedro» por Caravaggio

Allí murió martirizado bajo el mandato de Nerón en el Circo de la colina vaticana o en sus proximidades, sepultado a poca distancia del lugar de su martirio y que a principios del siglo IV el emperador Constantino I el Grande mandó construir una gran basílica sobre su sepultura.

«Crucifixión de San Pedro» Políptico de Pisa  por Masaccio
El texto apócrifo «Hechos de Pedro», escrito en el siglo II, relata que Pedró murió crucificado cabeza abajo, ya que no quiso hacerlo igual que Cristo

Su tumba fué encontrada mas tarde bajo el altar de la Basílica de San Pedro en 1965. Está sencillamente marcada con su nombre y hay restos humanos en ella.

En la Iglesia de San Pedro de Olite, el dintel tiene una decoración esculpida a base de tres escenas consecutivas que describen algunos momentos de la vida del titular del templo: San Pedro. Vemos consecutivamente como recibe las llaves de la Iglesia de manos de Cristo, Luego una escena en que aparece en su barca y Cristo frente a ellos Y por último un momento de su juicio y sentencia seguidos de la escena de la crucifixión cabeza abajo

Basílicas de San Pablo extramuros y San Pedro del Vaticano en Roma
SAN PABLO

Saulo Pablo nació entre el año 5 y el año 10 en Tarso (en la actual Turquía), por entonces ciudad capital de la provincia romana de Cilicia

San Pedro y San Pablo por el Maestro de San Ildefonso

San Pedro y San Pablo por Fernandez Navarrete

La información sobre la ciudadanía romana de Pablo solo es presentada por los Hechos de los Apóstoles​ y no encuentra paralelismos en las cartas de Pablo, lo que aún hoy resulta motivo de debate, pero algunos sostienen que Pablo era descendiente de uno o más libertos, de quienes habría heredado la ciudadanía

Martirio del diácono Esteban. 

Se trata de una representación bizantina en miniatura incluida en el menologio de Basilio II, obra de arte señera entre los manuscritos griegos con miniaturas

Según los Hechos de los Apóstoles, el primer contacto fidedigno con los seguidores de Jesús lo tuvo en Jerusalén, con el grupo judeo-helenístico de Esteban y sus compañeros.​ Saulo Pablo aprobó la lapidación de Esteban el protomártir, ejecución datada de la primera mitad de la década del año 30

 Conversión en el camino para Damasco. Por Caravaggio, en la Basílica de Santa María del Popolo, en Roma. 
En las obras de arte y en la creencia popular se tiene la imagen de que Pablo cayó de su caballo, cuando ni en las epístolas paulinas ni en los Hechos de los Apóstoles se menciona la caída de un caballo. Podría tratarse, pues, de un anacronismo.

Según el libro de los Hechos de los Apóstoles,tras el martirio de Esteban, Saulo Pablo se dirigió a Damasco  Sucedió que, yendo de camino, cuando estaba cerca de Damasco, de repente le rodeó una luz venida del cielo, cayó en tierra y oyó una voz que le decía: «Saulo, Saulo, ¿por qué me persigues?» El respondió: «¿Quién eres, Señor?» Y él: «Yo soy Jesús, a quien tú persigues. Pero levántate, entra en la ciudad y se te dirá lo que debes hacer».

Restauración de la vista a San pablo. Pietro da Cortona
Después del suceso vivido por Pablo en el camino de Damasco, del que quedó ciego, fué al encuentro de Ananías que lo curó de su ceguera imponiéndole las manos. Pablo fue bautizado y permaneció en Damasco «durante algunos días».

Las cartas de San Pablo S:XVII   (Blaffer Foundation Collection, Houston, Texas)

. Probablemente escritas todas en la década del año 50, son las siguientes (en un posible orden cronológico):
Primera epístola a los tesalonicenses,Primera epístola a los corintios, Epístola a los gálatas, Epístola a Filemón, Epístola a los filipenses, Segunda epístola a los corintios y Epístola a los romanos.

Los Hechos de los Apóstoles, es el nombre del quinto libro del Nuevo Testamento, en el cual se narra la historia del conocido como período apostólico.

Imagen que representa a San Pablo escribiendo, de una versión manuscrita de las cartas de san Pablo datada de los inicios del siglo IX  Abadía de Sankt Gallen (Suiza)

«San Pablo encarcelado» por Rembrandt

La cautividad de Pablo en Roma, considerada un hecho fidedigno, habría tenido una duración de dos años, tiempo en que el Apóstol no vivió encarcelado sino en custodia

​»Decapitación de San Pablo» por Simonet 1887

Tertuliano describe que Pablo sufrió una muerte similar a la de Juan el Bautista, quien fue decapitado: el texto apócrifo del Pseudo Marcelo, conocido bajo el título de Hechos de Pedro y Pablo 80, señaló que el martirio de Pablo habría sido por decapitación en las Acque Salvie, en la vía Laurentina, hoy abadía delle Tre Fontane, con un triple rebote de su cabeza que aseguraba haber causado la generación de tres vías de agua

«la Pasión de Pablo» del Pseudo Abdías (siglo VI) señaló la sepultura del Apóstol «fuera de la ciudad , en la segunda milla de la vía Ostiense», más precisamente «en la hacienda de Lucina», una matrona cristiana, donde más tarde se levantaría la basílica de San Pablo Extramuros.

http://www.arquivoltas.com/6-Navarra/Olite01.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Sim%C3%B3n_Pedro

https://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_de_Tarso

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2018-06-24T02:30:27.990-07:00

Los niños de Murillo

 Hoy 6 de Enero, festividad de la Epifanía, quiero dedicar este artículo a los niños…pero no solo a los actuales, que son dichosos y felices al recibir sus regalos, en lo que probablemente sea para ellos, el día mas importante del año, sino a otros que contrastan notablemente, como los que en el S.XVII, pintó Murillo sobre todo en la ciudad de Sevilla. 
Vamos a ver a estos niños sevillanos y conocer mejor la infancia vivida en aquellos duros tiempos.

Detalle de una de sus Inmaculadas, donde aparece una nube de niños-ángeles

Aunque no existe fecha confirmada de su nacimiento, en su partida de bautismo figura el 1 de enero de 1618, por lo que diciembre sería el mes lógico de la llegada al mundo de Bartolomé Esteban Murillo en Sevilla
Por ello la celebración del cuarto centenario de su nacimiento se cumplió en 2017 y para ello  se organizaron varias exposiciones en Sevilla  que han abordado la obra del pintor desde diferentes prismas, poniendose el broche el 29 de noviembre de 2018 en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, exposición, que durara hasta el 17 de marzo de 2019. 

Autorretrato, hacia 1670, óleo sobre lienzo, Londres, National Gallery. 

La exposición «Murillo. IV Centenario», es una muestra antológica del pintor sevillano que reúne 55 cuadros procedentes de pinacotecas de todo el mundo, a las que se le suman los 17 que formaban parte de la exposición anterior sobre el convento de Capuchinos de Sevilla.

Inmaculada Concepción de los Venerables o de Soult (Museo del Prado, 1678
Tal vez el Murillo más conocido por el público sea el de las Inmaculadas, que evolucionó desde las  fórmulas propias del barroco pleno, a una sensibilidad que a veces anticipa el rococó.

«Niños comiendo melón», 1650 Alte Pinakotehk, Munich
Pero hay otro Murillo, el de los niños de la calle, el de los pilluelos harapientos y piojosos que se reparten un melón robado, juegan a los dados o comparten almuerzo en aquella Sevilla que se hundía en la miseria, abrumada por los impuestos y la pujante, rivalidad de Cádiz.
ENTORNO HISTÓRICO
En el S.XVII, la vida y el pensamiento en la España de Felipe IV y Carlos II estaba dominado por el poder  de la Iglesia y fuera del círculo de la Corte no se hacía más arte que el religioso.

El Archivo General de Indias, Sevilla

 El comercio de Indias, la Audiencia, los diversos tribunales de justicia, entre ellos el de la Inquisición, el arzobispado, la Casa de Contratación, la Casa de Moneda, los consulados y aduanas, hicieron a Sevilla a comienzos de ese siglo  el «paradigma de ciudad».​ Aunque los 130 000 habitantes con los que contaba a finales del siglo XVI habían disminuido algo a consecuencia de la peste de 1599 y la expulsión de los moriscos.

Vista de Sevilla y su puerto en al S.XVII
Cuando nació Murillo seguía siendo una ciudad cosmopolita, la más poblada de las españolas y una de las mayores del continente europeo. A partir de 1627 comenzaron a advertirse algunos síntomas de crisis a causa de la disminución del comercio con Indias, que lentamente se desplazaba hacia Cádiz, el estallido de la Guerra de los Treinta Años y la separación de Portugal. 

Iglesia del Hospital de la Caridad, interior.
Pero el mayor problema llegó con otra epidemia de peste en 1649, de efectos devastadores. Además de muertos, hubo cientos de pobres «vergonzantes» contabilizados en cada parroquia o en instituciones específicamente dedicadas a su atención. Entre estas destacó la Hermandad de la Caridad, revitalizada después de 1663 por Miguel de Mañara, amigo de Murillo, que pintó varios cuadros con temática de las «obras de misericordia»para su iglesia.

«Niño con perro», 1655-60 Museo del Hermitage
Si bien,tras los años difíciles, los cuadros del pintor, reflejan miseria, enfermedades y pobreza,  cuando pintaba niños, sus caras infantiles sonreian y parecian felices con pequeñas cosas: como jugar con un perrillo o poder comer un poco de fruta…

«Invitación al juego de la pelota», 1665-1670. Londres, Dulwich Picture Gallery.

La fama de Murillo aumentaría gracias a las pinturas sobre temática cotidiana protagonizadas por esos niños, resultando muy originales en el contexto del Barroco europeo debidos a su personalidad.
Los coleccionistas extranjeros –banqueros y mercaderes especialmente de origen flamenco- adquirieron directamente al artista un buen número de cuadros.

El puerto de Sevilla en el S.XVII
En Sevilla, había una vida intelectual más rica que en la Corte madrileña, debido a la afluencia de gentes de otras latitudes y otras culturas, banqueros y negociantes atraídos por el comercio de Indias.

Nicolás Omazur por Murillo

Y entre ellos, en 1660 llegó a Sevilla Nicolás Omazur, miembro de una próspera familia de pañeros flamencos, que pronto se convirtió en cliente y mecenas del maestro sevillano. Tuvo así la oportunidad el pintor de pintar otros temas y asuntos, los cuadros de género con motivos tomados de la calle, al modo como hacían los pintores flamencos o italianos.

EL NIÑO JESÚS Y SAN JUANITO
El interés del pintor por los temas de la infancia y la propia evolución de la sentimentalidad barroca se pondrán de manifiesto también en las figuras aisladas del Niño Jesús y del Bautista niño, o San Juanito

El Buen Pastor Hacia 1660.  Museo del Prado
Murillo ha pasado a la historia como uno de los grandes pintores de temas infantiles, y no sólo por sus famosas escenas costumbristas protagonizadas por niños, sino también por representaciones como ésta, en la que aparece el Niño Jesús en la metáfora bíblica del Buen Pastor que apacienta y cuida de sus ovejas.

«Jesús como buen pastor» Boston Museum of Fine Arts, 
Se trata de un tipo de imágenes de gran éxito entre la sociedad sevillana de la época, y cuya eficacia devocional se ha mantenido intacta a través de los siglos. En este tipo de obras, que en muchos casos iban destinadas al culto privado, su autor se muestra como un verdadero maestro

«Niños de la concha» 1670  Museo del Prado 
A la hora de representar figuras divinas, como el “Niño Jesús” o “San Juanito”, como de género con personajes absolutamente reales. manifestaban una gran maestría,por lo que  Murillo se convertirá en uno de los principales pintores infantiles del Barroco.

San Juan Bautista niño Museo del PradoBastantes de sus temas no estaban descritos específicamente en la Biblia y algunos, como las escenas de la infancia de Cristo y san Juan Bautista, fueron fruto de su propia inventiva

«San Juan niño, con una oveja» National Galery, Londres
LOS NIÑOS
La serie de niños, está constituida por cuadros de mediano formato y composición diagonal, de luz sesgada que produce un  juego de sombras y reflejos
En uno de los ángulos del primer término suele aparecer un bodegón de frutas, muy al estilo barroco, que ya de por sí vale todo un cuadro.
Los niños, plenamente integrados y adaptados a su situación, muestran actitudes alegres y desenfadas, mientras comen, juegan o negocian

«Niño espulgándose», 1645-50 Museo del Louvre, París
 En el Niño espulgándose, encontramos el primer tratamiento profano del tema. Se trata todavía de un cuadro de luces crudas, al estilo de Zurbarán, que desprende una sensación de tristeza y abandono.
Los especialistas consideran que este Niño espulgándose es la primera obra de carácter costumbrista de las realizadas por Murillo.
Se fecha entre 1645-50, con un estilo, que irá desapareciendo en las obras posteriores, con fechas que van de 1665 a 1675
Hay no obstante varias justificaciones para ello:

Murillo se sintió implicado y fue partícipe de la preocupación por la pobreza que respondían a la situación de un país en depresión y crisis de la que la populosa Sevilla, venida a menos por el traslado del puerto de las Indias a Cádiz

«Abuela desparasitando a su nieto», 1670-75 Alte Pinakotehk, Munich
 Otra es el destino de estos cuadros en los salones de una burguesía acomodada, que sin duda vería con desagrado que la realidad más sórdida invadiera su hogar

Niño riendo con sombrero de pluma, Christie’s Londres

Finalmente debemos considerar la trayectoria personal del maestro: con la epidemia, perdió a sus tres primeros hijos en cuestión de semanas. Debió impactarle muchísimo y, de hecho, se nota en su pintura. En un momento posterior a la epidemia de peste, asoma cierto tenebrismo y al filo ya o superada la cincuentena, y con una vida familiar «poco feliz y de progresiva soledad»,es más proclive a la emotividad en su pintura cuando él era un pintor de la luz y del color.

«Muchacha con moneda» (Gallega), 1645-50 Museo del Prado, Madrid
Más adelante el maestro suaviza esta manera con luces tamizadas por un cielo nuboso, pincelada más amplia y fluida y gestos de una alegría vital que contrasta con los harapos que visten los niños

«Muchacha con flores», 1670   Dulwich Picture Gallery, Londres
Cabe destacar entre ellos el de la Muchacha con flores, una niña casi adolescente, cuya sonrisa sensual y confiada puede rivalizar con la misteriosa y distante de la Gioconda

«Vendedoras de frutas», 1670-75  Alte Pinakotehk, Munich

También llamadas «Muchachas contando dinero» Dentro de estas pinturas costumbristas infantiles conviene señalar las que aquí contemplamos, son dos adolescentes las protagonistas en el momento de contar las ganancias conseguidas con la venta de la fruta que tienen en el cesto muestran al descuido su mercancía de uvas y membrillos, un magnífico bodegón de resonancias flamencas.

«Niños jugando a los dados», 1665-75 Altek Pinakotehk, Munich
Las similitudes entre estos «Niños jugando a los dados» y las «Niñas contando dinero» resultan significativas. Ambas escenas están bañadas con una luz similar y se desarrollan ante el mismo fondo arquitectónico. Dos de los chiquillos juegan a los dados en posturas encontradas mientras que un tercero come una fruta mientras que un perro le mira. Se supone que se trata de vendedores de fruta o aguadores debido a la presencia en primer plano de una canasta con fruta y una vasija de cerámica

«Niños comiendo pastel», 1665-75  Allte Pinakotehk, Munich

Una vez más Murillo vuelve a destacar como pintor de gestos y actitudes, centrándose aquí en la alegría sonriente del pequeño que mira como su compañero se lleva el pastel a la boca, acción que también contempla el perrillo que les acompaña, que sólo los impresionistas podrán superar.
El naturalismo que define toda la composición se manifiesta con mayor fuerza en el cesto de frutas y el pan que aparecen en primer plano, una muestra más de cómo los pequeños consiguen sus alimentos a pesar de sus ropajes raídos y sus pies descalzos.

El éxito de la pintura de género de Murillo fue mayor fuera que dentro de España, lo que hizo que estas pinturas salieran del país después de la muerte de pintor. Tal era el éxito de las pinturas de Murillo en el extranjero, que en 1779 Carlos III prohibió expresamente su exportación, pero tras el expolio napoleónico, la mayoría de sus obras terminaron en las grandes colecciones internacionales

«Cuatro figuras en un escalón» 1655 Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas (USA)
Enigmática pintura, que se puede interpretar de diversas maneras.
Os pongo el link, donde se describen, para los que quieran conocerlas…son realmente curiosas:

https://historia-arte.com/obras/cuatro-figuras-en-un-escalon

«Tres muchachos», 1670 Dulwich Picture Gallery, Londres
Murillo tuvo un esclavo negro llamado Juan que había nacido en 1657. Puede tratarse del modelo empleado para esta composición, también titulada en algunas ocasiones El pobre negro.  La escena tiene lugar al aire libre donde dos niños están dispuestos a iniciar su merienda cuando aparece un tercero que porta un cántaro, demandando un trozo de la tarta que están a punto de comer. El que tiene la tarta en sus manos la retira del campo de acción del muchacho negro mientras que el otro dirige su mirada al espectador y sonríe abiertamente

«Niño riendo asomado a la ventana» o «Niño apoyado en un antepecho», 1675-80.  Museo National Gallery, Londres, Inglaterra.

Pero Murillo también diferencia entre el pícaro y los niños abandonados, que vagabundeaban por las ciudades españolas. y que tenían que ingeniárselas como podían para poder vivir sin recursos y sin nadie que les ayudara. Estos nos han llegado a través de los cuadros conocidos como «Dos niños comiendo pastel», «Niños jugando a los dados» (los dos en la Antigua Pinacoteca de Munich) o «Dos niños campesinos» (The Governors of Dulwich Picture Gallery de Londres).
El pícaro pasó también por los pinceles de Murillo surgiendo así “El joven mendigo” (Museo del Louvre), “Dos niños comiendo melón y uvas” (Pinacoteca Antigua de Munich), “Invitación al juego de pelota a pala” (National Gallery de Londres)etc…

«Anciana y muchacho» Museo Wallraf-Richartz

«Muchachas en la ventana», 1670  National Gallery of Art, Washington
Muestra a dos mujeres en una ventana que observan a alguien o algo que llama su atención.

«Joven con frutas» National Gallery of Scotland, Edimburgo
Muestra a un muchacho mas mayor que en este caso personifica al verano

FUENTES:

http://platea.pntic.mec.es/~anilo/murillo/ninos.htm

http://www.artehistoria.com/v2/personajes/c2832.htm

https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/murillo-bartolome-esteban/314440b0-386b-4b11-81f1-d84809e7704e

http://www.murilloysevilla.org/exposiciones/

https://elpais.com/elpais/2018/11/28/album/1543420966_218145.html#foto_gal_8

BIBLIOGRAFÍA:

Gaya Nuño, Juan Antonio. La obra pictórica completa de Murillo (1978). Barcelona, Noguer

Rizzoli.Young, Eric. Todas las Pinturas de Murillo (1982). Barcelona, Noguer.Bozal, Valeriano.

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Museo del Prado


El edificio que hoy sirve de sede al Museo Nacional del Prado fue diseñado por el arquitecto Juan de Villanueva en 1785, como Gabinete de Ciencias Naturales, por orden de Carlos III. No obstante, el destino final de esta construcción no estaría claro hasta que su nieto Fernando VII, impulsado por su esposa la reina María Isabel de Braganza, tomó la decisión de destinar este edificio a la creación de un Real Museo de Pinturas y Esculturas. 
El Real Museo, que pasaría pronto a denominarse Museo Nacional de Pintura y Escultura y posteriormente Museo Nacional del Prado, abrió por primera vez al público en 1819, por lo que en 2019, será el Bicentenario del Museo y ya se han iniciado en Madrid los actos y exposiciones, que lo celebran.
Vaya mi homenaje, en esta celebración, con una selección de las obras mas relevantes, de sus pintores de distintas nacionalidades y estilos pictórico, que abarcan desde los S.XIV al XIX, con especial mención a los dos autores mas importantes para España: Velazquez y Goya.
La relación esta en orden cronológico, empezando por los mas antiguos.

Tríptico Werl  o Santa Bárbara y San Juan con el donante

Pintado por Robert Campin 1379-1445 (llamado a veces también Maestro de Flèmalle) de la que solo se conservan dos tablas. La primera tabla representa al donante, el maestre franciscano HeinrichWerl protegido por San Juan Bautista  y la otra se trata de Santa Bárbara leyendo

La Anunciación
 Fra Angelico 1390-1455,  realizó  esta pintura  en el convento de Santo Domingo en Fiésole después de haberse convertido en dominico. Es considerada una de las primeras obras maestras del artista y  es por eso que hay aún, pequeños defectos en su realización, como el escaso manejo de la perspectiva y un limitado conocimiento de anatomía.

El descendimiento

Este retablo de Roger van der Weyden 1400-1464, es una de las grandes joyas del Museo del Prado. Esta obra fue pintada para la capilla de Nuestra Señora Extramuros de Lovaina y fue comprada en 1549 por María de Hungría, pasando después a las manos de su sobrino Felipe II.

Santo Domingo de Silos entronizado como obispo

El aragonés Bartolomé Bermejo 1440-1501 pintó este cuadro, de gran tamaño durante el periodo gótico, considerad la obra mas importante del estilo hispano-flamenco. El pintor utilizó el pan de oro al modo de los iconos bizantinos, lo que es típico de la pintura medieval, en particular en España.

La historia de Nastagio degli Onesti 

Sandro Botticelli 1445-1510, representa en este ciclo (son en realidad cuatro cuadros) la historia de Boccaccio, que decoraron unos cassoni o baules nupciales, donde se narraban historias de contenido moralizante, para las parejas. Otros expertos piensan que se encastraban en las paredes a manera de boisserie y se cree que fué un regalo que Lorenzo el Magnífico le hizo a los novios en cuestión.

Tríptico del Jardín de las Delicias

Esta pintura de el Bosco 1450-1516, una de las más fascinantes de la Historia del Arte, forma parte de la exposición permanente del Museo del Prado. El tríptico dedica el panel izquierdo al Paraíso terrenal, el panel del centro retrata el mundo del pecado y en el derecho se representa el Infierno. Es una obra de carácter moralizante, llena de fantasía y con una composición aparentemente caótica, plena de pequeños detalles, que la hacen increíblemente fascinante.

La mesa de los pecados capitales

El Bosco 1450-1516, Las dos filacterias situadas arriba y abajo del círculo central, con textos en latín extraídos del Deuteronomio, que advierten de las consecuencias del pecado. La primera, entre los tondos de la Muerte y el Juicio Final, y  La segunda, entre el Infierno y la Gloria, Los tres textos que figuran en esta obra ponen en relación la omnipresencia de Dios, la libertad del hombre y las consecuencias del pecado.
El Bosco incluyó en ella cinco círculos. En el centro del mayor de ellos, semejante a un gran ojo o al interior de un espejo cóncavo, se representa a Cristo saliendo de la tumba.
También, el pintor representó los siete Pecados Capitales, todos ellos identificados por una inscripción. El Bosco incorporó aquí situaciones tomadas de la vida cotidiana y personas de distinta extracción social para transmitir su enseñanza moral, y todo ello observado por el ojo de Cristo, que todo lo ve.

La Crucifixión

Esta obra de Juan de Flandes 1465-1519 fue un encargo del obispo Juan Rodríguez de Fonseca para el retrablo mayor de la catedral de Palencia. Después de haber sido retirada del retablo en 1559  Desde 2005 la pintura se encuentra en el Museo del Prado.

Autorretrato

Alberto Durero 1471-1528  Fué uno de los mejores autorretratos que realizó el artista en 1498 cuando tenía 26 años, aunque fué el de tamaño mas pequeño. Está vestido elegantemente, muy escotado, con el cabello y la barba muy cuidados, aspecto que expresa la idea de Durero de enaltecerse, pretendiendo ser algo más que un mero artesano, dado que en aquel tiempo, los artistas tenían una imagen poco estimada al ser tenidos por tales.

Adán y Eva

Durero realiza ambas tablas al regreso de su segundo viaje a Italia en 1505 y ambas suponen un intento de sintetizar las enseñanzas recibidas, buscando un equilibrio entre italianismo y germanismo, a fin de alcanzar la perfección ideal del cuerpo humano, para lo que el asunto bíblico es un simple pretexto. Su conocimiento del desnudo clásico raya a una altura prodigiosa y el dibujo revela su pulso del grabador que era.

Cristo muerto sostenido por un ángel
 Antonello da Messina 1430-1479 En esta pintura, de gran virtuosismo técnico, conviven detalles minuciosos de origen nórdico, perceptible en el paisaje o el cabello de Cristo, con un tratamiento escultural de la anatomía y una preocupación por el volumen y la perspectiva claramente meridionales.

El tránsito de la Virgen

Mantegna 1431–1506  Fué una de las grandes personalidades del Quattrocento, se formó en Padua con los humanistas de la universidad paduana, junto a esta fascinación por el clásico, y la influencia de los pintores de su generación, como  Donatello en Padua además de su contacto con la pintura veneciana ( se casó con la hija de Jacopo Bellini), completan el panorama donde se desarrolló la formación y primera etapa profesional de Mantegna.
Mas tarde se trasladó a la corte de Ludovico Gonzaga en Mantua. donde pintó entre otras el Tránsito de la Virgen.

El paso de la laguna Estigia

Patinir  1480 – 1524   Esta pintura de Patinir destaca por su originalidad y su composición, distinta a la habitual, formada por planos paralelos escalonados. Favorecido por el formato apaisado de la tabla, el autor divide verticalmente el espacio en tres zonas, una a cada lado del ancho río, en el que Caronte navega en su barca con un alma.

Sagrada Familia con Rafael, Tobías y San Jerónimo, o Virgen del pez.

Rafael Sanzio 1483-1520 La Virgen María sostiene al Niño Jesús en su regazo sentada sobre un trono con San Jerónimo a la derecha vestido de cardenal, leyendo la Vulgata de la Biblia , que tradujo. El Arcangel Rafael con Tobias que sostiene el pez , para curar la ceguera de su padre.

El Cardenal. 

Rafael Sanzio 1483-1520 Desde que se atribuyó la pintura a Rafael y quedó claro que el retratado no era Antonio Granvela, la crítica ha intentado esforzadamente identificar a este prelado. Hay muchas teorías y dudas, pero lo cierto es que lo que llama la atención, ademas de su perfecta ejecución es la capacidad de Rafael para plasmar a un perfecto cardenal del Renacimiento sin renunciar a su  singular fisonomía. El color rojo de la seda recuerda a los de la pintura veneciana.

Danae y la lluvia de oro

Tiziano Vecellio 1490-1576 Las primeras «poesías» (Llamamos poesías, dentro del conjunto de la obra de Tiziano, a un grupo de pinturas de tema mitológico que llevó a cabo para Felipe II entre 1553 y 1562.)  fueron Dánae (1553, The Wellington Collection) y Venus y Adonis (1554, Museo del Prado, P422),  Esta es una version de las anteriores. En el cuadro, Dánae ilustra el momento en que Júpiter la posee en forma de lluvia de oro. 

Carlos V en la batalla de Mülhberg

Tiziano Vecellio 1490-1576   El retrato conmemora la victoria de Carlos V sobre la Liga de Smalkalda en Mühlberg el 24 de abril de 1547. Carlos va pertrechado al modo de la caballería ligera, con media pica y pistola de rueda. Lleva una armadura realizada hacia 1545 por Desiderius Helmschmid (1513-1579), en cuyo peto, y como era habitual desde 1531, aparece una imagen de la Virgen con el Niño.

Virgen con el Niño y San Juanito

Luis de Morales 1509​-1586  En este oleo, mientras el Niño duerme plácidamente con su mano derecha apoyada sobre un cestillo de diminutos frutos -quizá fresas silvestres-, símbolo de su futura Pasión, la Virgen trata de protegerlo de las inoportunas moscas cubriéndolo con un velo transparente sobre el que se ha posado una de ellas.

María Tudor, reina de Inglaterra, segunda mujer de Felipe II

Antonio Moro 1516 -1576  El pintor muestra a la reina de tres cuartos en un sillón de terciopelo carmesí, símbolo de la soberanía, magníficamente bordado contra lo que es habitual, dispuesto en un plano oblicuo para aumentar la profundidad espacial, sosteniendo la rosa roja de los Tudor en la mano derecha y guantes de pedrería en la izquierda. Lleva un traje rameado gris, un sobretodo morado, el tocado, los puños y el cinturón cubiertos de perlas y piedras preciosas y la joya que le regaló el príncipe Felipe en el cuello.

El lavatorio

Tintoretto 1518 – 1594  En 1547 la Scuola del Santísimo Sacramento de la iglesia de San Marcuola en Venecia encargó a Jacopo Tintoretto El Lavatorio y una Última Cena, aún «in situ». Estas «scuole» estaban dedicadas a fomentar el culto a la Eucaristía. El lavatorio es fruto de un concienzudo proceso creativo. Tras trazar el escenario, Tintoretto introdujo los personajes pensando en el punto de vista del espectador. Ello explica que, si bien al contemplar frontalmente el lienzo los personajes aparecen distribuidos aleatoriamente, la impresión cambie al mirarlo desde la derecha

El triunfo de la Muerte

De Pieter Bruegel el Viejo 1525-1569  es una obra moral que muestra el triunfo de la Muerte sobre las cosas mundanas, simbolizado a través de un gran ejército de esqueletosarrasando la Tierra.Al fondo aparece un paisaje yermo donde aún se desarrollan escenas de destrucción. En un primer plano, la Muerte al frente de sus ejércitos sobre un caballo, destruye el mundo de los vivos, quienes son conducidos a un enorme ataúd, sin esperanza de salvación

El caballero de la mano en el pecho

El Greco 1541-1614 pintó un grupo de retratos de caballeros del que forma parte esta obra. Esta pintura es una de las más emblemáticas del artista por haber sido una de las primeras que realizó en España y por haber estado expuesta desde época temprana en la pinacoteca

La adoración de los pastores

Es una de las obras más importantes de la producción tardía del pintor; destinada al que iba a ser el panteón familiar dentro de la Iglesia Conventual de Santo Domingo el Antiguo, en Toledo. Para tal efecto, el artista recuperó un tema que había tratado en diversos momentos de su carrera, un símbolo de resurrección y eternidad que acompañaría los restos del pintor, probablemente autorretratado en el pastor del primer término

David cortando la cabeza a Goliat

Caravaggio 1571-1610  Corresponde al momento cuando el joven pastor David da muerte con su honda al gigante Goliat y le corta la cabeza para exhibirla en triunfo. El episodio de atar los cabellos del gigante para mostrar la cabeza carece de antecedentes iconográficos y no tiene mención explícita en el texto bíblico. Es una muestra más de la originalidad de Caravaggio y de su independencia.

Las tres gracias

Esta obra de Rubens 1577-1640  representa a las hijas de Júpiter y Eurymone, símbolos de la belleza ideal y la sensualidad barroca. Hesíodo relacionó en la Ilíada a estas muchachas con la diosa Afrodita, convirtiéndose en las representantes de la fertilidad, la sexualidad y el amor. El artista había recogido en otras doce obras este tema, del que era gran conocedor, pero es en este cuadro pintado entre 1630 y 1635 donde muestra la maestría técnica de su etapa final

El sueño de Jacob

Esta pintura de Ribera 1591-1652 retrata un famoso episodio de la vida de Jacob, interpretado en numerosas obras a lo largo de los siglos. El artista decide mostrar con un pastor cansado este episodio, huyendo de las grandiosas representaciones barrocas

Bodegón con alcachofas, flores y recipientes de vidrio

Juan van der Hamen 1596-1631  perteneció a Diego Mexía Felípez de Guzmán, marqués de Leganés, cuya colección se componía de cerca de 1.300 obras, algunas realizadas por los más importantes pintores europeos de la época, entre las que había numerosos bodegones y escenas de género de autores flamencos. Van der Hamen estaba representado por nueve bodegones, adquiridos probablemente tras la muerte del artista, y cuya gran calidad da fe de la clarividencia del buen gusto de su distinguido propietario.El motivo principal de este cuadro, un gran jarrón de cristal con flores, está acompañado de un jarrón más pequeño, igualmente de cristal, con rosas

Agnus Dei

Zurbarán 1598-1664 Un fondo oscuro y una mesa gris es el escenario donde se expone el motivo único del cuadro: un cordero merino de entre ocho y doce meses de vida. Se encuentra todavía vivo, tumbado y con las patas ligadas con un cordel, en una actitud inequívocamente sacrificial, que curiosamente recuerda famosas imágenes de santos martirizados, como la escultura de Santa Cecilia de Maderno  (Roma)

La aparición de San Pedro a San Pedro Nolasco

Zurbarán 1598-1664   San Pedro Nolasco fue el fundador de la orden de Nuestra Señora de la Merced o mercedarios, cuyo objetivo principal era el rescate de cristianos cautivos de los musulmanes. El convento de la Merced Calzada para el que se pintó esta obra había sido fundado por Fernando III en 1249, el año de la muerte de Pedro Nolasco, pero se reconstruyó por entero en las primeras décadas del siglo XVII. En agosto de 1628 Zurbarán recibió el encargo de pintar veintidós escenas de la vida del santo, con motivo de su canonización

Fundación de Santa María Maggiore de Roma. El sueño del patricio Juan

Bartolomé Esteban Murillo 1617-1682 Esta obra y su pareja, El patricio revela su sueño al papa Liberio , se cuentan entre las obras más renombradas de Murillo. Los dos medios puntos estaban destinados a colocarse bajo la pequeña cúpula de la recién remodelada iglesia sevillana de Santa María la Blanca en 1665, y en ellos Murillo representa la historia de la fundación de la basílica romana de Santa María Maggiore. Ambas obras narran, según una antigua leyenda medieval, el origen de la mencionada iglesia matriz de Santa María de las Nieves de Roma, que tuvo lugar en el siglo IV durante el pontificado del papa Liberio.

Las Meninas

La obra maestra de Velázquez 1599-1660, pintada en 1656 en el Cuarto del Príncipe del Alcázar de Madrid, en la que representa a la familia del rey Felipe IV, es una de las pinturas imprescindibles y que más miradas atraen en el Museo del Prado. Este retrato de grupo con una cuidadísima composición, en el que se representan varias acciones a la vez y se juega con el acto de ver y de representar, es una de las grandes obras de la historia del arte occidental, que se podría comentar durante horas, pero que en este resumen, no cabe hacerlo…se merece otro lugar.

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La rendición de Breda

Velázquez 1599-1660   El 5 de junio de 1625 Justino de Nassau,gobernador holandés de Breda, entregó las llaves de la ciudad a Ambrosio Spínola, general genovés al mando de los tercios de Flandes. La ciudad tenía una extraordinaria importancia estratégica, y fue uno de los lugares más disputados en la larga pugna que mantuvo la monarquía hispánica con las Provincias Unidas del Norte

Las hilanderas o la fábula de Aracne

Velázquez 1599-1660  El cuadro es fruto de dos actuaciones realizadas en épocas diferentes.Velázquez pintó la superficie ocupada por las figuras y el tapiz del fondo, y durante el siglo XVIII se añadieron una ancha banda superior (con el arco y el óculo) Esas modificaciones han afectado a la lectura del contenido, pues dieron como resultado que la escena que transcurre ante el tapiz (la fábula de Aracné) se perciba más alejada y en consecuencia, durante mucho tiempo los espectadores del cuadro han visto en él exclusivamente la representación de una escena cotidiana en un taller de tapicería 

Los borrachos, o El triunfo de Baco

Velázquez 1599-1660   Era la primera vez que el pintor,se enfrentaba a una fábula mitológica, y para ello recuperó gamas cromáticas, métodos descriptivos y tipos humanos propios de sus años sevillanos, que conviven con importantes novedades formales. Esas circunstancias convierten Los borrachos en una obra, que inaugura una temática que estará presente hasta los últimos años de la carrera del pintor, y al mismo tiempo mantiene numerosas deudas con su pasado. El personaje principal es Baco, que dio al pintor la oportunidad de representar uno de sus primeros desnudos masculinos.

El Cristo

Velázquez 1599-1660   Estilísticamente la obra parece ejecutada a comienzos de la década de 1630, poco después del regreso del artista de Italia. Cristo está clavado a la cruz con cuatro clavos, siguiendo la fórmula pictórica que Pacheco defendía. Se pintó por encargo de un cortesano de Felipe IV, para el Convento de San Plácido de Madrid, que él mismo había fundado en 1623, que según se dice debido a una investigación abierta por la Inquisición sobre la relación personal del cortesano Villanueva, con las presuntas prácticas heterodoxas del capellán y las monjas de San Plácido. En Madrid es muy popular la versión que el cuadro lo regaló el rey al convento, para purgar el asedio al que sometió a una monja.  Otra versión menciona a unos judios portugueses, que profanaron otro crucifijo.

Pablo de Valladolid

Velázquez 1599-1660  En el mundo de los bufones palaciegos se distinguía entre aquellos cuyo atractivo residía en sus taras físicas o mentales y los que, desprovistos de esas taras, tenían como oficio divertir con su ingenio o personalidad. Entre estos últimos se contaba Pablo de Valladolid, que nació en Vallecas y estuvo al servicio de la Corte desde 1632. En este cuadro aparece en una actitud declamatoria que hizo que durante mucho tiempo la pintura fuera identificada como el cómico. El bufón, se alza sobre un espacio indeterminado apenas sugerido por la tenue sombra que arroja su cuerpo y da la impresión de que flota

Judit en el banquete de Holofernes (antes Artemisa)

 Rembrandt 1606-1669   El Museo del Prado alberga en su colección una de las obras más interesantes de este gran pintor.
 Entre 1633 y 1636 el artista holandés pintó una serie de alegorías personificadas con heroicas mujeres, es decir, diosas o heroínas de la Antigüedad y del Antiguo Testamento que Rembrandt pintó entre 1633-1635.Hay que precisar que según las últimas investigaciones, el título Artemisa es erróneo y en realidad la obra representaría una escena bíblica: Judit en el banquete de Holofernes.  Sobre un fondo oscuro se impone la figura de una mujer suntuosamente engalanada con un vestido bordado de mangas abombadas y largas, jubón de seda blanca con bordes y cierres de pasamanería dorada, y amplio cuello de armiño adornado con una cadena de oro engastada con rubís y zafiros.

Sir Endymion Porter y Anton van Dyck 

Anton Van Dyck 1549-1641 Endymion Porter, protector y amigo de Van Dyck, fue secretario del duque de Buckingham y un importante diplomático de la corte inglesa. Gran aficionado a las artes, fue el encargado de adquirir obras para la colección del rey Carlos I, siendo uno de los mejores apoyos del artista durante su estancia en Londres.
El aristócrata aparece de frente y vestido de satén blanco, mientras que el pintor, de negro, está situado de perfil, más bajo, para no destacar por encima de la figura del aristócrata.

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Inmaculada Concepción

Esta pintura de Tiépolo 1696-1770 fue un encargo de la corona en 1767 para la Iglesia de San Pascual de Aranjuez. Esta obra formaba parte de un grupo de 7 pinturas que iban a decorar el nuevo templo de fundación real. En ellas se representaban algunos de los elementos de devoción de los franciscanos, como la Inmaculada Concepción que aparece en esta obra.

La familia de Carlos IV

Francisco de Goya 1746-1826 pintó este cuadro, perteneciente a la magnífica serie de retratos reales iniciada por Goya en septiembre de 1799 resultado del nombramiento de Goya como primer pintor de cámara, premio máximo en la carrera oficial de un artista.
Goya colocó a los catorce personajes que aparecen en el cuadro de la Familia en un austero interior sin alfombras, decorado en su pared del fondo, la única visible, con dos monumentales pinturas cortadas en sus bordes laterales y superior. El cuadro se basa, como se ha afirmado frecuentemente, en la célebre Familia de Felipe IV de Velázquez, conocida desde el siglo XIX como «Las meninas»

La Condesa de Chinchón

Francisco de Goya 1746-1826   La Condesa, de nombre María Teresa de Borbón y Vallabriga, nacida el 26 de noviembre de 1780 se casó con Godoy por deseo de su tio el rey Carlos IV.  En esos años finales del siglo XVIII, Goya fue requerido también por Godoy y en 1800 fué cuando pintó este cuadro En él, la condesa, casi una niña,  viste un elegante vestido de gasa blanca decorada con pequeñas flores.  Una curiosidad es que en el estudio técnico del cuadro, después de su adquisición por el Museo, ha revelado que fue pintado encima de un lienzo ya utilizado por Goya, en el que se identifica plenamente en su radiografía un retrato en pie de Godoy.

La maja desnuda

Francisco de Goya 1746-1826   Este cuadro y su compañera, la maja vestida aparecían como decoración de sobrepuerta en el gabinete secreto del Palacio de Godoy, que se citaban asimismo como «Venus», identificación que, ya después de la muerte de Goya, hacia 1830, repetía Javier Goya, hijo del artista, que aludía a «las Venus que pintó para el Príncipe de la Paz»estando en compañía de la famosa Venus del espejo de Velázquez y de otras dos atribuidas a Tiziano.
También en el siglo XIX se fue abriendo paso, junto a la leyenda de los amores de Goya con la duquesa de Alba, que la modelo era retrato de esta última, aunque Pedro de Madrazo pareció identificarla, también sin fundamento, con Pepita Tudó, que era la amante de Godoy en los años en que La maja desnuda fue pintada.

El quitasol

Francisco de Goya 1746-1826  pintó este cartón para tapiz cuyo motivo principal es una elegante joven, a la que un majo protege del sol con una sombrilla o quitasol. El tapiz  de este cartón colgaba en el comedor de los príncipes de Asturias (el futuro Carlos IV y su esposa María Luisa de Parma) en el Palacio de El Pardo en Madrid. La serie de la que forma parte se componía de diez tapices de asuntos «campestres» (todos conservados en el Museo del Prado) y que se habían realizado con muchos otros, en la Real Fábrica de Tapices de Madrid.

Los fusilamientos del 3 de Mayo
Francisco de Goya 1746-1826  representó uno de los acontecimientos más terribles durante el levantamiento contra los franceses, los fusilamientos del 3 de mayo en la montaña de Príncipe Pío. Los patriotas se enfrentan ahora aquí, sin salvación ni ayuda, al pelotón de ejecución, formado por granaderos de línea y marineros de la guardia con uniforme de campaña y capote gris, reflejándose el miedo de distintas formas en cada uno de los que van a ser fusilados. Llegan en oleadas desde la ciudad, en una fila interminable que termina con su muerte.

Saturno devorando a sus hijos

Francisco de Goya 1746-1826   El conjunto de catorce escenas al que pertenece esta obra se ha popularizado con el título de Pinturas Negras por el uso que en ellas se hizo de pigmentos oscuros y negros y, asimismo, por lo sombrío de los temas. Decoraron dos habitaciones, en las plantas baja y alta, de la conocida como Quinta del Sordo, casa de campo a las afueras de Madrid, junto al río Manzanares. Las Pinturas Negras se pintaron directamente sobre la pared seca, no al fresco, y en la mezcla de los pigmentos se utilizó el óleo.

El perro semihundido

Francisco de Goya 1746-1826   Esta escena se tituló «Un perro», en el inventario de las obras en propiedad del hijo de Goya, redactado en fecha indeterminada, a mediados del siglo XIX.
Decoraba una de las paredes laterales en la sala de la planta alta de la Quinta del Sordo, junto con una escena titulada «Dos brujas»,y se describió, y en este casó se ilustró, por primera vez, junto con el resto de las escenas, en la monografía de Charles Yriarte sobre el artista, de 1867, con el título de «Un perro luchando contra la corriente». En el catálogo del Prado de 1900, se le dio el título de «Perro semihundido»  El cuadro, muy austero, solo presenta la cabeza de un perro escondida o hundida sobre un plano inclinado de ocre oscuro y un espacio vertical en ocre más claro, todo ello exento de cualquier otra figura. La mirada de la cabeza del perro se dirige hacia arriba, y podría representar la soledad

FUENTES:

http://www.rtve.es/alacarta/videos/mirar-un-cuadro/

https://www.museodelprado.es/coleccion

https://www.museodelprado.es/aprende/biblioteca/biblioteca-digital/fondo/catalogo-de-los-cuadros-del-museo-del-prado-de/22500183-a78e-434b-be11-b2281adbfc2a

BIBLIOGRAFÍA:

«El Libro del Prado» Editado por el Museo del Prado.

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