La arquitectura del cereal : los silos.

Artículo principal de Alfredo Gómez Pascual , publicado en Navidades de 2019 en la revista VILLAMAR. (Boletín informativo de la Cofradía de Villamar)

Notas históricas y fotos, recopiladas y maquetadas por Concha del Amo

Imagen de cabaecera: Santa Maria del Páramo

Así como muchas bodegas en España son definidas como catedrales y ejemplos vivos de la arquitectura del vino, también tenemos dentro de nuestra triada alimentaria (cereal, olivo y vid) las imponentes y elevadas catedrales del cereal que son los silos.

Distribución interna de un silo

Se trata de esas magníficas edificaciones construidas para almacenamiento de grano y otras funciones ligadas a la producción y distribución de cereales, integradas en el conjunto de las explotaciones rurales que, elevadas al cielo, encontramos en el medio rural desde poco después del primer tercio del siglo XX.

Silos en Aritzu, Navarra

Antecedentes : cillas, pósitos, paneras y alhóndigas

Como antecedentes de los silos, ya en la Edad Media surgieron por toda España una red de almacenes denominados cillas y tercias para el pago de los diezmos que se efectuaban en metálico o con el propio grano.

Estructura de los silos en el Neolítico, excavados en la tierra

En el Tesoro de la Lengua Castellana de Sebastián de Covarrubias (1611) no aparece la palabra pósito sino el término panera definido como “la troje donde se guarda el trigo” y también aparece el término de cilla como “la cámara donde se recoge el trigo de las tercias y rentas de diezmos”.

Ayuntamiento y antiguo pósito dr Torrelaguna, Madrid

Con los Reyes Católicos, junto con los ayuntamientos también surgieron de manera más organizada los espacios para los abastos y servicios en las villas como los pósitos, las casas de carnicería, las tabernas o tiendas o la cárcel. En este contexto y gracias a la iniciativa del Cardenal Cisneros, empezaron a surgir los edificios propios de pósitos como así ocurrió en algunas ciudades como Toledo, Alcalá de Henares o Torrelaguna (1515).

pósito de Fuentes de Ropel S.XVI

Los pósitos, también edificaciones para el almacenamiento de cereales y con una función de préstamo a los agricultores ( se denominaban pósitos Pios) en tiempos de escasez, tuvieron inicialmente un carácter asistencial bajo el control eclesiástico, pasando a depender de los municipios desde el siglo XVI.

Reales Pósitos de Frigiliana, Mälaga

No será hasta el 1737 cuando aparezca en el Diccionario de Autoridades el término pósito definido como “la casa en que se guarda la cantidad de trigo, que en las Ciudades, Villas y Lugares se tiene de repuesto y prevención, para usar del en tiempo de necessidad y carestía”.

«Corral del Carbón» antigua alhóndiga de Granada

.Sebastián de Covarrubias define también, el término de la alhóndiga como “la casa diputada para que los forasteros que vienen de la comarca a vender trigo a la ciudad lo metan allí”. Una de las alhóndigas más conocidas en España es la llamada como Corral del Carbón en Granada (s.XIV).

Cilla del Monasterio de Santa María de Huerta, Soria

También se llama la cilla (del latín cella, despensa, bodega, granero, almacén), al granero o bodega (almacén) donde se guardan las provisiones en un monasterio.

Castillo de Arévalo, Ávila

En España se aprovecharon algunas edificaciones existentes para usarlas como silos, como el Castillo de Arévalo, que funcionó como almacén de grano entre 1953-1977, perteneciendo todavía al Ministerio de Agricultura.

Castillo de Torrelobatón

El de Torrelobatón, también fue usado como silo, como refleja la báscula para camiones en su entrada.

Silos de otros países y épocas:

Construcciones y maquetas de silos egipcios
Vasijas griegas en forma de silo, Muséo Arqueologico de Atenas
Tipo de Silos en Acatlán, Hidalgo, México
Silo de Soria decada 1960-70

Con la llegada de la Revolución Industrial, a mediados del siglo XIX, aparecen nuevos materiales en los edificios como el acero y, más tarde, el hormigón, elementos de construcción resistentes al fuego, económicos y que permiten la construcción de edificios con una gran capacidad de almacenamiento en la marcada tendencia arquitectónica posterior del siglo XX en la construcción de los silos verticales con estructuras metálicas o de hormigón.

Tipos de silos:
Existen diferentes tipos de silos según su tipo de almacenamiento o su uso:
Silos de grano
Silos de torre
Silos de búnker
Silos de bolsa
Silos de materia verde, o en rama, ensilado
Silos de maíz
Silos de alfalfa o hierba.

Silo de Pancorbo, Burgos

Uno de los motivos principales del origen de los silos, como construcciones de carácter vertical elevadas al cielo, parece encontrarse en la invención de una máquina que, impulsada por vapor de agua, elevase el grano a la parte superior de los almacenes con un sistema de poleas, cadenas y cangilones, mecanismo bautizado con el nombre de “elevador de grano”

La Red Nacional de Silos se enmarca inicialmente dentro del desaparecido Servicio Nacional del Trigo (SNT), creado en agosto de 1937, en plena contienda civil española, por Decreto-Ley de Ordenación Triguera para ordenar la producción y distribución del trigo y sus principales derivados, regulando su adquisición para garantizar a la población los alimentos básicos, la disposición y movilización de los cereales y, en último término, regular su precio para, se decía, dotar y devolver al campo de forma suficiente gran parte de lo que la ciudad absorbe, en pago de sus servicios intelectuales y comerciales.

Silo de Córdoba

De lo anterior, se coligen tres notas sustanciales, a saber: en primer lugar, la adquisición del trigo y otros cereales a los agricultores, así como su almacenamiento en las edificaciones destinadas a tal fin, los silos; en segundo lugar, disponer de una reserva de cereal que pudiera compensar una posible mala o inferior cosecha en la campaña cerealista siguiente, así como para su posible exportación; en tercer, y último lugar, contar con un lugar idóneo para manipular la selección y tratamiento de los granos facilitando, al mismo tiempo, semillas de mayor rendimiento al agricultor.

En 1941, ya finalizada la guerra civil, el SNT dio los primeros pasos para la puesta en marcha de la Red Nacional de Silos, materializándose en 1944 con la convocatoria pública del Ministerio de Agricultura relativa al primer concurso sobre Proyectos de Silos que se efectúo en 1944. La ubicación de los silos no se realizó al azar, siendo levantados en lugares situados estratégicamente sobre las comunicaciones, en especial cerca de las líneas de ferrocarril.

Así fue como en 1949 entraron en funcionamiento los primeros silos ubicado en Alcalá de Henares, Valladolid y Villada en Palencia, a los que siguieron el de Córdoba en 1951 y otros muchos, hasta totalizar entre los años 1945 y 1986 la construcción de 663 silos y 275 graneros con una capacidad total de 2.684.947 toneladas (Ministerio de Agricultura, Pesca y Alimentación, MAPA).

Silo Fuentes de Andalucía (Sevilla) como Centro de Recepción de Visitantes y Mirador de la Campiña

Organización y Legislación actual:

Los pilares en la construcción de los más de 600 silos eran los siguientes: utilidad, economía y sencillez. Estos esenciales atributos son los que podemos comprobar de forma fehaciente jalonados a través del medio rural en toda la geografía española.

Desde su comienzo los gastos de construcción, ejecución y puesta en marcha de los silos fueron soportados en su integridad por el SNT, con cargo a los beneficios comerciales obtenidos. A partir de 1975, los Presupuestos Generales del Estado consignaron las oportunas partidas presupuestarias para hacer frente a estas inversiones.
El 1 de junio de 1984 (Ley 16/1984, de 29 de mayo) se produjo la plena liberalización del comercio del trigo interior y exterior, rigiéndose desde entonces por los principios de libertad de producción, circulación y libertad de precios. Todo ello con vistas a la adaptación de todo nuestro ordenamiento jurídico a la normativa comunitaria europea, cuya entrada de “iure y de facto” se produjo el 1 de enero de 1986, previa firma del Tratado de Adhesión efectuada en Madrid el 12 de junio de 1985.

Hasta entonces, el sector del trigo funcionaba en régimen de monopolio estatal y los otros cereales (avena, centeno, cebada, arroz, maíz, etcétera) se encontraban también sometidos a un régimen de precios intervenidos que, además, garantizaban su adquisición por el Estado. En este régimen de monopolio y/o mecanismo de régimen de precios intervenidos, los sucesivos organismos desde 1937 con el Servicio Nacional del Trigo (SNT), el Servicio Nacional de Cereales (SNC) y el Servicio Nacional de Productos Agrarios (SENPA) tuvieron un gran protagonismo y una actuación muy intensa en la adquisición, almacenamiento y venta de trigo y cereales en general, utilizando de forma permanente y continuada la Red Nacional de Silos Española.

Ante el nuevo panorama que se presentaba para estas “catedrales del cereal” con la incorporación de España a la entonces Comunidad Económica Europea (CEE), hoy Unión Europea (UE), y los cambios en los procedimientos de intervención sobre los cereales que pasan a depender directamente de las directrices comunitarias, con una significativa y trascendental reducción de los índices de utilización de los silos, en 1985 se realizó un estudio sobre las necesidades de la Red Nacional de Silos. Para ello, y bajo el control de la Administración del Estado originariamente y, paulatinamente de la Administración de las Comunidades Autónomas, el estudio se fundó sobre las dos premisas siguientes:
Primera.- Fijar unos niveles de intervención teórica en cada provincia;
Segunda.- Seleccionar en el territorio de cada provincia o comunidad autónoma los almacenes necesarios para la adecuada gestión del cereal, teniendo en cuenta su ubicación, tamaño y características.

Silo de Alaejos (Valladolid)

En virtud de los diferentes acuerdos y convenios firmados con las comunidades autónomas, en los que se reservan una serie de silos destinados a una posible intervención de los mercados, aunque la titularidad sea ya de la Comunidad Autónoma, la red básica de almacenamiento público y todo ese magnífico patrimonio industrial propiedad del Estado ha quedado reducido a tan solo 141 silos y graneros, con una capacidad de almacenamiento de 977.320 toneladas (MAPA).

Distribuido por Comunidades Autónomas, según datos actuales del MAPA la red básica de silos y graneros es la siguiente:
Andalucía: 14 silos y graneros con un total de 203.250 toneladas de almacenamiento.
Aragón: 41 silos y graneros con un total de 177.700 toneladas de almacenamiento.
Castilla-La Mancha: 5 silos y graneros con un total de 93.000 toneladas de almacenamiento.
Castilla y León: 54 silos y graneros con un total de 330.150 toneladas de almacenamiento.
Cataluña: 2 silos y graneros con un total de 19.500 toneladas de almacenamiento.
Extremadura: 17 silos y graneros con un total de 101.070 toneladas de almacenamiento.
La Rioja: 3 silos y graneros con un total de 11.550 toneladas de almacenamiento.
Madrid: 1 silo con un total de 10.000 toneladas de almacenamiento.
Navarra: 4 silos y graneros con un total

El presente:

Silos en Terra Chá en estado de abandono

Los silos, como otras edificaciones del medio rural, constituyen un patrimonio industrial y cultural digno de promoción, cuidado y protección por parte de las Administraciones Públicas. Sin embargo, una buena parte de ellos se encuentra en desuso y, en algunos casos en estado de notable abandono.

Los silos de Terra Chá rehabilitados para otros usos

Con algunas excepciones, muchos de ellos han sido desafectados del dominio público para su enajenación por falta de asignación presupuestaria para su mantenimiento y conservación y, sobretodo, por falta de voluntad política para acometer su transformación en otros usos o destinos de interés general, social o utilidad pública, mediante instrumentos y mecanismos que la norma prevé para que sigan siendo testigos del paso del tiempo con nuevos o diferentes usos que salpiquen la geografía rural española.

Planta baja del silo y naves laterales rehabilitadas como Balneario y Centro Termal :
Centro Termal Los Pedroches en Alcaracejos (Córdoba)

Son los silos, unidos a otros muchos elementos, edificaciones y construcciones del ingente patrimonio industrial, arquitectónico y cultural español que conforman la arquitectura del medio rural, verdaderas catedrales del cereal que forman parte inseparable de nuestro acervo y nuestra historia común.

Antiguo silo de Porzuna

Dos gigantescos esqueletos a todo color, de unos 30 metros de altura, se abrazan y besan en la solana de la localidad castellano manchega de Porzuna

Este año, empezaron a llegar artistas callejeros españoles y extranjeros para pintar silos de las localidades manchegas de Calzada de Calatrava, Malagón, Corral de Calatrava, Herencia, La Solana, Manzanares y Porzuna.

Su uso como exposición al aire libre de las obras, constituye una nueva utilización, de estos edificios.

FUENTES:

https://elviajerohistorico.wordpress.com/2018/05/25/los-silos-de-cereal-espanoles/


https://cinc.org.es/los-silos-manchegos-reviven-como-lienzos-de-arte-urbano/


https://bloghistoriadelarte.wordpress.com/2016/01/31/positos-paneras-o-cillas-en-la-sierra-de-san-vicente-toledo/

https://regimendefranco.wordpress.com/2016/11/18/la-red-nacional-de-silos-y-graneros/

video NODO: https://www.fega.es/sites/default/files/Trigos_Espanoles_1956_c.mp4

Los encajes

El encaje es definido como un tejido ornamental y transparente que originalmente se elaboraba artesanalmente y se realzaba con bordados. Este se diferencia del bordado sobre tul u otros géneros transparentes en que se elaboran conjuntamente, fondo y siluetas en relieve, siendo una labor de tejido y no de aplicación de bordado.
En sus orígenes éstos encajes se aplicaban en los bordes o entre dos piezas de tela, como un ornamento encajado entre ellas y se le denominaba «randa», del alemán Rand (borde u orilla).
Los diseños primarios de los encajes terminaban en puntas con forma de picos, ondas o dentellones, es por esta razón que en Francia se conoció con el nombre de «dentelles», en España como «puntillas», en Italia se le daba el nombre de «merletto» y en Alemania «spitze» (puntas), pero estas denominaciones sólo se aplicaban a los encajes estrechos que ornamentaron a las gorgueras, boca mangas y a otras piezas de vestir o para la decoración.
Desde el principio se ha tratado de un tejido de lujo, en lugar de una necesidad, y los bienes de lujo pueden establecer su propio precio.

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«La encajera o La encajera de bolillos», es una de las pinturas más conocidas del pintor holandés Johannes Vermeer. Está realizado en óleo sobre lienzo, montado sobre madera. Se calcula que fue pintado hacia 1669-1670.
Se encuentra en el Museo del Louvre (París)

TIPOS DE ENCAJE A MANO:

A) Los encajes de aguja
que se realizan con una aguja sobre una hoja de papel o de pergamino que tenga un dibujo. El encaje sigue los contornos del dibujo sin que los hilos que lo constituyen atraviesen nunca el papel o pergamino. Los hilos con que se fabrica el encaje, es decir, los que forman la primera estructura, se fijan, sin embargo, provisionalmente en ciertos sitios del papel o del pergamino por puntos transversales, para facilitar la ejecución del trabajo. Entre los encajes de aguja, se pueden citar los encajes de punto de Alencon, de Argentán, de Venecia, etc.

B) el encaje de bolillos
Se trata de un tipo de encaje de elaboración tradicional y artesanal. Para realizar este tipo de encaje se necesita una almohadilla, bolillos, alfileres, hebras de fibra vegetal y una plantilla de cartón con el diseño que se quiere realizar. Dentro de este tipo de encaje encontramos el Valencienne o el Chantilly.
El encaje de bolillos es una técnica de encaje textil consistente en entretejer hilos que inicialmente están enrollados en bobinas, llamadas bolillos, para manejarlos mejor. A medida que progresa el trabajo, el tejido se sujeta mediante alfileres clavados en una almohadilla, que se llama «mundillo». El lugar de los alfileres normalmente viene determinado por un patrón de agujeritos en la almohadilla.

C) El encaje de malla
La malla se remonta al tiempo de los Iberos. Se trata de redes realizadas con hilo, mallero y lanzadera y se trabaja en el aire sobre los dedos.
Castilla y León ha tenido una gran tradición en estos trabajos. Muchas de las mallas genuinas expuestas en museos de otros países y regiones proceden de la nuestra. Generalmente son ejemplares de los siglos XVI y XVII.
La malla llamada de «zurcido» es la más antigua y se llama así debido a que se borda cruzando hilos sobre la red, componiendo así los motivos ornamentales.

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Para encontrar el encaje en nuestra cultura occidental debemos esperar algunos cientos de años hasta la baja Edad Media y comienzos de la Edad Moderna. Lo descubrimos en las ropas de sacerdotes e imágenes y su imagen nos llega a través de la pintura. En los siglos XIV y XV, existen ya muchos inventarios de bienes en diferentes países que mencionan y describen piezas de vestuario elaboradas con encaje.

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Los encajes de aguja
Se realizan con una aguja sobre una hoja de papel o de pergamino que tenga un dibujo. El encaje sigue los contornos del dibujo sin que los hilos que lo constituyen atraviesen nunca el papel o pergamino. Los hilos con que se fabrica el encaje, es decir, los que forman la primera estructura, se fijan, sin embargo, provisionalmente en ciertos sitios del papel o del pergamino por puntos transversales, para facilitar la ejecución del trabajo. Entre los encajes de aguja, se pueden citar los encajes de punto de Alencon, de Argentán, de Venecia, etc.

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Se trata de un encaje de malla que se caracteriza por un fondo de red torcida que corre en una dirección e hilos individuales que corren en otra dirección; los diseños son cosidos sobre el cuadriculado.

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El encaje de malla

La malla se remonta al tiempo de los Iberos. Se trata de redes realizadas con hilo, mallero y lanzadera y se trabaja en el aire sobre los dedos.
Castilla y León ha tenido una gran tradición en estos trabajos. Muchas de las mallas genuinas expuestas en museos de otros países y regiones proceden de la nuestra. Generalmente son ejemplares de los siglos XVI y XVII.
La malla llamada de «zurcido» es la más antigua y se llama así debido a que se borda cruzando hilos sobre la red, componiendo así los motivos ornamentales.

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El encaje de bolillos
Se trata de un tipo de encaje de elaboración tradicional y artesanal. Para realizar este tipo de encaje se necesita una almohadilla, bolillos, alfileres, hebras de fibra vegetal y una plantilla de cartón con el diseño que se quiere realizar. Dentro de este tipo de encaje encontramos el Valencienne o el Chantilly.
El encaje de bolillos es una técnica de encaje textil consistente en entretejer hilos que inicialmente están enrollados en bobinas, llamadas bolillos, para manejarlos mejor. A medida que progresa el trabajo, el tejido se sujeta mediante alfileres clavados en una almohadilla, que se llama «mundillo». El lugar de los alfileres normalmente viene determinado por un patrón de agujeritos en la almohadilla.

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El encaje es básicamente un tejido, elaborado a base de hilos cuya trama conforma un diseño, ya sea floral o geométrico, el cual habitualmente se obtiene replicando con el mismo tejido algún patrón predeterminado.
Las técnicas más antiguas del encaje son de dos tipos, los que usan un solo hilo y los que usan más de un hilo en su composición.
Los encajes de un solo hilo trabajados con aguja están más relacionados con el bordado pues toman como base una tela de tul

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Los sectores abiertos están formados por redes, mallas o bridas de conexión, mientras que los motivos o figuras están formados por espacios donde el tejido es más compacto. El diseño es producto de la conexión entre ambos.
El tejido de encaje abarca a toda aquella variedad de telas abiertas ornamentadas. A diferencia de otros textiles, puede estar elaborado con distintas técnicas de tejido, como ser el enlazado, trenzado, entretejido, retorcido o anudado de las hebras, con construcción manual o mecánica.

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Bobinas de Flandes realizadas en madera

Utilizadas en la elaboración del encaje de bolillos.

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El éxito de esta técnica llego muy pronto a toda Europa. En el siglo XVIII la moda del encaje era inmensa. En Francia, Sully y más tarde Richelieu, intentaron prohibirlo, llegando a limitar su comercio a los grandes productores de Francia y Flandes.

HISTORIA DEL ENCAJE

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En el Victoria y Albert Museum de Londres, se encuentra el ejemplo más antiguo de encaje encontrado hasta el momento, llamado «el encaje de la momia». Este encaje se hizo en Egipto muchos siglos antes de Cristo y muestras de él han sido recuperadas de tumbas antiguas. Así que con esta sola evidencia no existe ninguna duda sobre el temprano origen de confección de encajes.

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Su aparición en Europa, referido a varias fuentes, coinciden en situarlo alrededor del siglo XIII, proveniente de oriente y cuya técnica fue inmediatamente adoptada en tierras venecianas. Sin embargo, no encontramos los primeros escritos sobre el famoso encaje de Flandes hasta el siglo XV. La pintura ha jugado un papel clave como testigo en esta búsqueda histórica, ya que podemos encontrar cuadros de los célebres pintores primitivos flamencos -que trabajaron en Flandes en dicha época- en los que se puede observar ya la utilización del encaje. Un buen ejemplo es el archiconocido cuadro del Matrimonio Arnolfini, pintado por Jan van Eyck en 1434,

SIGLO XVI

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En España este tipo de cuellos se llamaron “lechugillas” porque su forma se asemejaba a las hojas de la lechuga. En 1623 Felipe IV cortó por lo sano prohibiendo su uso
A través de los siglos, varios métodos para confeccionar encajes se propagaron gradualmente, principalmente a los países que bordean el Mediterráneo, probablemente en forma de Macramé, no de bobinas.
La técnica fue alterada y mejorada a través de los años hasta que finalmente evolucionó hacia el uso tanto de agujas como de bobinas.
Durante el transcurso del tiempo, la industria de fabricación del encaje de bolillos se extendió por toda Europa y algunos países como Francia y Bélgica, convirtiéndose en una industria muy importante. Tan importante llegó a ser, que Francia atrajo a los trabajadores cualificados de Italia.

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Entre 1563 y 1568 llegaron refugiados a Inglaterra desde España. Ellos eran protestantes, y muchos de estos refugiados fueron capacitados en encaje de bolillos.
 Se establecieron en Devon y paulatinamente se convirtieron en la Industria del Encaje del Sur de Devon. 100 años mas tarde 25 mil encajeras vivían en el area de Devon, esto incluía los habitantes locales que habían aprendido este arte de los refugiados.

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  El extraordinario y creciente uso que se hacía de estas manufacturas en los siglos XVI y XVII para golas o gorgueras, cuellos, vuelillos en las bocamangas, cortinajes, etc. contribuyó al desarrollo de esta industria y a que se fundaran centros muy activos, sobre todo en Italia, Francia, Estados Flamencos, Inglaterra y España.

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S.XVII
La policromía es la característica fundamental del encaje español durante los siglos XVI y XVII. Con toda seguridad, el gusto por el color fue herencia de los árabes.La mayor riqueza le viene dada por unas anillas o frisados que se van intercalando entre los motivos a festón, quedando las mismas en relieve y formando verdaderas filigranas. Es distinto a cualquier otro tipo de encaje debido a que previamente no se colocan hilos de contorno para la fijación.

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Cuello de encaje de aguja S.XVII

Es posible que el encaje de aguja llegara de italia, pero este cuello se realizó en Holanda. . El patrón original se dibuja en papel oscuro, que es cosido en una pieza de lino doble
Muchos tipos de encaje se inventaron durante la época de apogeo del bordado (entre 1500 y 1700) antes de que las máquinas bordadoras automáticas estuvieran disponibles.

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  Su uso tambien se traspasó a la ropa masculina, siendo los encajes muy valorados y de costo muy caro, ya que no sólo se hace a mano, pero a menudo trajo desde lejos. Los principales centros de producción de encajes estaban en Italia y Flandes, estos países todos ellos se han negociado más de Europa, que no podía dejar de afectar la moda de la época.

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Dama luciendo una fina mantilla de encaje con hilos dorados.

S,XVIII

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En el siglo XVIII la moda del encaje era inmensa.En la imagen se representan a caballeros ingleses, a la moda de entonces y era tal su profusión que, en Francia, Sully y más tarde Richelieu, intentaron prohibirlo, llegando a limitar su comercio a los grandes productores de Francia y Flandes. Colbert fue el primero en darse cuenta de que la producción propia del encaje podría dar grandes beneficios para Francia.

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En los siglos XVII y XVIII aparecen nuevos estilos y diseños, llegándose a lo que podríamos llamar la locura del encaje, que se reflejan en los retratos de las grandes damas de cada época, en la descripción de sus ajuares de boda y de sus herencias. También forma parte del vestuario habitual de los caballeros en golas, camisas y pañuelos.

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  Uso del encaje en puños y chorreras en la indumentaria masculina

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Trajes femeninos aderezados de encaje en las mangas, escotes y mantillas

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 En el siglo XIX con el Romanticismo el encaje mantuvo su protagonismo, engalanando las prendas de vestir, capas vestidos, enaguas, guantes, abanicos, sombrillas, sombreros, lencería íntima y del hogar

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La Época victoriana de Gran Bretaña marcó la cúspide de la Revolución industrial británica, con esta industrialización la manufactura de los encajes se perfeccionó y sus motivos se volvieron más orgánicos y sinuosos, destacando los patrones florales y los motivos de paisley. (cachemire)
Un gran impulso recibió la industria en 1839, cuando la reina Victoria encargó su vestido de novia y velo para ser realizados de encaje de Honiton. También ordenó el vestido de bautismo para su primer hijo en encaje, el cual aún sigue siendo utilizado en los vestidos de bautismo de bebes reales.

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Hacia el final del siglo las tendencias de la moda prácticamente convirtieron a las mujeres en objetos decorativos, ornamentadas con encajes.
A principios de 1900, el frufrú de las enaguas con encaje de las bailarinas del Can Can, bastaba para excitar la imaginación de los hombres ardientes. El encaje de Chantilly (hecho a máquina) y en particular el de Valenciennes, eran los más buscados, también los guipures eran muy populares, predominando los motivos florales de chenilla, rosas, lirios y otras flores que adornaban los cuellos, mangas, canesús y las chorreras de encaje realzaban los delanteros de blusas y vestidos; el encaje irlandés era el favorito de las damas de sociedad y solo ellas podían costearlo, la mayoría de éstos era elaborado a mano por las monjas en sus conventos.

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La fabricación de encajes como industria casera estaba en decadencia a principios del siglo pasado, y hacia la década de 1920 el encaje sólo era fabricado por quienes lo hacían para sí mismos. Hacia 1960 sólo quedaban 1 o 2 encajeras que fueran capaces de transmitir sus conocimientos como un hobby. Durante la década de 1980 la fabricación de encajes se convirtió en un pasatiempo de rápido crecimiento, muy popular entre todas las edades, el cual no sólo perdura sino que ha ido creciendo hasta el presente.


ITALIA

Punto de Venecia

Fue el primero conocido en los mercados de Europa y el que más influencia tuvo en sus talleres.
Para realizar el encaje veneciano y otros tipos de encajes se utiliza un tombolo, éste es una almohadilla cilíndrica que en su interior pude llevar un departamento para guardar el material bien sea en forma de cajón o hueco cerrado con una tapa, también utilizan una pieza cilíndrica de madera que se utiliza sobre el tombolo.

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Encaje de Venecia
Al final del s. XVII los motivos estaban más colocados y se unían conectando barras compuestas de hilos torcidos, trenzas o falsas trenzas. Las trenzas tenían a menudo vaguillas.
Tales cadenetas y vaguillas eran realizadas en el encaje de bolillos Veneciano, un encaje resistente hecho en Italia desde tiempos antiguos.

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Encaje de Venecia

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 La Escuela de Encaje de Burano

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Encaje de Burano
.Se obtienen mediante dos técnicas: a aguja que sobre todo sobrevivión en la Isla de Burano y a bolillos que fué el que se dearolló en Venecia y resto de la islas. En Europa fué tan apreciado como su famoso cristal y contribuyó mucho al aumento de su economía.

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Milán S.XVII
Se desarrolla entre finales del s. XVI y principios del XVII.
El encaje de Milán tiene una gran variedad de puntos decorativos en los entredoses como ningún otro encaje. Es esta variedad, además del estilo barroco de sus diseños, lo que hace al encaje de Milán el más bello de los encajes italianos.
El encaje de Milán era generalmente realizado para vestimentas de Iglesias, también era utilizado por la nobleza para acontecimientos especiales.
Los encajes de Milán realizados en Flandes, presentan unos fondos más regulares ya que se hacen todos seguidos y los hilos pasan por encima de la cinta de manera que el revés es el derecho del encaje. En Italia, sin embargo, el derecho es la parte que está a la vista como es corriente en todos los países mediterráneos y que de esta manera permite añadir motivos decorativos en relieve que dotan de gran plasticidad a este encaje.

BÉLGICA

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Kantcentrum (Museo del Encaje de Brujas)

Flandes, y por lo tanto Brujas, pasa a ser un lugar clave en la exportación del encaje, considerándose como la verdadera cuna de este producto. Así, a finales del siglo XVI el sur de los PaísesBajos exporta masivamente encaje a Francia, Alemania, España o Inglaterra. A lo largo del siglo XVII la producción del encaje se extiende por numerosas poblaciones de los Países Bajos, tomando igualmente otras ciudades de su zona meridional, como Lille, un lugar importante.

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Bolillos de Brujas Museo
El nuevo museo del Encaje de Brujas se encuentra en el edificio que históricamente fue la escuela de encaje de las hermanas apostolinas. la cual fue fundada en 1899.

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Brujas
A pesar de todo, la realización del encaje más bello y delicado seguirá siendo el de Brujas, gracias a la utilización de un hilo de lino muy fino y de gran calidad que se producía en Flandes.

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Brujas
De esta forma, los encajes de Flandes tejidos en sus diferentes variantes (a la aguja y de bolillos) serán indudablemente los más apreciados por la exquisitez y maestría en su confección, aunque algunos países hubieran puesto en marcha un sistema de tasas para intentar impedir su monopolio


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Brujas museo
La ciudad del encaje por excelencia, ha sabido conservar este importante arte tradicional en la idiosincrasia de pintoresco lugar que sabe fundir como ninguno su pasado con la época actual. La creación del Kantcentrum en 1970 es una buena prueba de ello. Se trata de un centro dedicado por entero al arte del encaje, que sirve a su vez como museo, escuela y almacén de venta de productos.Sorpréndete con el dato de que en el siglo XIX la ciudad de Brujas contaba con ¡¡87 escuelas de encaje!!

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Punto de Bruselas

Se caracteriza por la finura del hilo que procede de un lino especial y la tendencia a la naturalidad en las figuras y motivos vegetales.

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Encaje de Bruselas vestido S.XVIII

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Bruselas sobre el modelo de papel,a partir del que se va realizando el encaje.

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Punto de Malinas:
El punto de Flandes floreció en Malinas. Se distingue por sus mallas de orificios redondos o hexagonales y por sus flores y hojas naturales que se bordean con un hilo más grueso pero sin relieves.También se fabricaba en Amberes y Lovaina y con hilo más grueso y peor malla en Arras y Lille.

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«Encajera» de Caspar Netscher, Galería de los Ufficci (Florencia)

 A veces llamado Gaspar, fue un importante pintor holandés del Siglo de Oro. Es un período, dentro del siglo XVII de estilo barroco, que se caracteriza por un movimiento cultural que trajo considerable progreso en la ciencia, en el arte y en la economía holandesa. Netscher era un artista comparable con Rembrandt (1606-1669) y Johannes Vermeer (1632-1675).

FRANCIA

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El encaje de Cluny (Francia)

Es de origen francés, las características de sus picados son compatibles con nuestro encaje popular, muy ligero y delicado, con flores, trenzas y puntillas (lazos de hilo muy pequeños).Se puede realizar con los materiales que usamos para nuestro encaje.Como todo encaje tiene su propia técnica, esta es compatible en muchos aspectos con nuestro encaje popular, pero la perfección de este encaje solo se puede alcanzar siguiendo su técnica.Este encaje es del tipo de hilos continuos.

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Punto de Alençón o punto de Francia.
El encaje de aguja de Alençon se fabrica con una técnica artesanal única en su género, practicada en la ciudad de este nombre, que está situada al noroeste de Francia, en la región de Normandía. Este encaje de aguja debe su excepcionalidad al alto nivel de competencia artesanal que requiere, así como al larguísimo tiempo necesario para su producción (siete horas por centímetro cuadrado). Las piezas de textil con calados realizadas con esta técnica se utilizan como ornamentos religiosos o profanosDesde el siglo XVI, se trabajaban los encajes en diversas poblaciones de Francia pero desde 1665 prevalecieron los talleres de Alençon, imitando a Venecia. Se distingue de ésta en dar más precisión y naturalidad al dibujo.

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El encaje de Valenciennes
Es un tipo de encaje de bolillos que se realiza sobre una almohadilla, en una sola pieza continua: junto con la réseau (el fondo en forma de red) se realiza la toile (el patrón de dibujos). Se originó en Valenciennes, en el departamento de Nord de Francia, y floreció de 1705 a 1780 y más tarde la producción se trasladó a Bélgica en los alrededores de Ypres

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Cuello francés en encaje Valenciennes

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Encaje de Valenciennes  S.XVIII

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El encaje Chantilly
Una variedad de este tipo de puntilla seria el llamado «Chantilly», creado a principios del siglo XVII a la sombra del castillo de Chantilly en Francia. Se solía hacer en negro, y algunas veces en blanco, con hilo de seda. Hoy en día se encuentra en medidas de 1,10 m de ancho para realizar chales, velos y vestidos de novia. Es un encaje de bolillos hecho a mano, con abundancia de detalles y un patrón generalmente de flores. Una tradición que data del siglo XVII. Aunque se llama encaje de Chantilly, la mayor parte del encaje que lleva este nombre se hizo realidad en Bayeux (Francia) y en Geraardsbergen (Bélgica).

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Encaje de Chantilly
En el siglo XVII la duquesa de Longueville organizó la fabricación de encajes de Chantilly. Se puso de moda durante los reinados de Luís XV y Luís XVI, cuando los fabricantes eran vistos como protegidos de la familia real. Con la Revolución, a las cabezas de Madame du Barry y María Antonieta, siguieron las de las encajeras de Chantilly.
Napoleón I patrocinó reposiciones de encaje Chantilly, especialmente entre los años 1804 y 1815, concentrando la producción en Normandía, alrededor de la zona de Bayeux.

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Punto Colbert. 

Llamado así en memoria del ministro de Luís XIV, Juan B. Colbert que tanto favoreció estas industrias en Francia desde 1661. Se caracteriza por el gran relieve de sus dibujos.

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Colbert

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La técnica Soutache es muy antigua, desde el siglo XVIII se utilizaba en bordados de trajes de época aunque hoy sie usa para decorar prendas y tejidos de alta costura. Su nombre se traduce del francés como trenza. El bordado soutache consiste en coser con puntadas invisibles cordones sujetando piezas de bisutería o abalorios de diferentes colores y tamaños (camafeos, cuentas, perlas, cabuchones…).


 

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Güipure:
 se caracteriza por la ausencia de fondo, se trabaja al aire sobre los hilos como una telaraña, por lo cual, el provisional desaparece una vez terminado, los tejidos se sostienen entrelazados entre sí. Hojas de guipur Los diseños de guipur pueden estar hechos sólo con hojas de guipur o bien se combinan con fondos. Cuando los motivos de guipur ocupan vanos los fondos generalmente están hechos con torsiones y trenzas, éstas adornadas muchas veces con pequeñas anillas y en los cruces se hacen milanos -vilanos o arañas- de forma triangular. Encajes de guipur son los de Puy -que pasa a Madagascar- y Cluny en Francia y los de Génova y Venecia en Italia En España se hacen encajes de guipur en Camariñas y Almagro.

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Macrameé
La palabra macramé es de procedencia árabe. Su antigüedad se remonta a los asirios. El macramé se trabajó mucho en España y tuvo un gran arraigo en Castilla y León durante los siglos XVI y XVII.Se han hallado muchos ornamentos sagrados adornados con este encaje, sobre todo destinado a flecos y borlones. En épocas posteriores, durante los siglos XVIII y XIX, su uso se limitó a prendas del hogar, por lo general a flecos de toallas, de los que hay gran abundancia.

REINO UNIDO

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Encaje elaborado en Reino Unido se trata de una variedad inglesa muy delicada y con muchas flores.Honiton es una pequeña ciudad comercial en el condado de Devon en el suroeste de Inglaterra, que ha dado su nombre a un tipo de encaje de bolillos realizado preferentemente en aquella zorna. La primera referencia a los encajes de Honiton proviene de una lápida del cementerio de la ciudad en dondeaparece el nombre de John Rodge, un “vendedor de bonelace” (“bone lace”, literalmente “encaje de hueso”, era un nombre común para el encaje de bolillos, ya que las bobinas se hacían a menudo de huesos de animales)
Es evidente que los encajes de Devon eran de buena calidad aunque no tenemos ninguna muestra de la producción del siglo xvii. Probablemente eran parecidos a los encajes de bolillos flamencos de la época

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Honiton
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Encaje de Bedfordshire S.XVII

Muchos refugiados llegaron a Inglaterra después de la Revolución Francesa de 1794 a 1795. La industria del encaje de Midland fue iniciada por grupos de refugiados que deambulaban desde el norte hasta Bedfordshire
Tiene líneas que hacen olas y puntillas (para dificultar la copia por máquinas.

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Encaje Bedfordshire (beds) –
tiene líneas que hacen olas y puntillas (para dificultar la copia por máquinas.



RESTO DE EUROPA 

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Encaje de Slovaquia, tambien realizado sin fondo

HOLANDA

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Encajera de bolillos

El encaje de Amberes es un encaje de bolillos, continuo, que se distingue por sus motivos estilizados sobre un fondo de estrellas de seis puntas. Tiene su origen en Amberes, donde en el siglo XVII se estima que el 50% de la población estuvo involucrado en la confección de encaje.
En 1585 la producción de encaje de Amberes se detuvo debido a la caída de la ciudad bajo el control español. Los holandeses cerraron el río Escalda y canalizaron la navegación fluvial entre Cambrai y Valenciennes, en beneficio de la exportación de lana de Valenciennes, la tela y las bellas artes.

DINAMARCA

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Punto Tonder: 
  Las características de este encaje son fondo de toul. Para realizarlo lo hacemos en base al picado, teniendo en cuenta que debemos tener al lado el diagrama de colores que precisamos seguir para realizar dicho encaje.Este encaje entra en el tipo de hilos continuos. Materiales: Almohada plana, bolillos finos, alfileres pequeños e hilo fino.

MALTA

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Encaje Maltés

RUSIA

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Encaje de Rusia

ESPAÑA

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Punto de León

Estos Puntos de España se realizaron con bolillos durante los siglos XVI y XVII. Hebras de oro y plata retorcidas de varios gruesos fueron los principales materiales utilizados para su elaboración. También se empleó el metal en forma de laminilla (llanta), que los vendedores envolvían directamente en un bolillo especial destinado a tal fin, así como torzal y canutillo de diferentes gruesos mezclados a menudo con sedas de colores y lentejuelas.

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Encaje extremeño

A pesar de las diversas pragmáticas que prohibieron o limitaron el uso de los encajes, el clero y la nobleza siguió usando y abusando de los mismos, utilizándolos incluso en la ropa interior. Los Mendoza y Cisneros los impusieron en catedrales e iglesias, y la nobleza adornó sus cuellos, puños y bandas con ellos.

ALMAGRO

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Durante el siglo XVII fue cuando más auge tenía el uso del encaje de bolillos en las vestimentas aunque se dice que llegó mucho años antes traído de los Países Bajos y por Carlos I. El encaje como labor remunerada existía ya a fines del siglo XVI y principios del siglo XVII en La Mancha, pues Cervantes, en El Quijote nos ofrece dos citas que así lo confirman: “cómo es posible que una rapaza que apenas sabe menear doce bolillos de randas…”; “…Sanchica Panza gana haciendo puntas ocho maravedíes, ahorros que va poniendo en una alcancía para ayuda de su ajuar”.


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Encaje de Almagro
El uso del encaje de bolillos en la vestimenta tiene su máximo esplendor en el siglo XVII, como se aprecia en algunas obras de Velázquez. En el siglo XVIII y XIX se desarrollará en especial el uso de las espléndidas mantillas de blonda

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El frisado de Valladolid

Queda englobado dentro de los Puntos de España, está realizado con metales nobles y sedas. La fastuosidad y riqueza es natural, debido al uso que estaba destinado: ornamentos sagrados que debían realzar la perfecta policromía de los altares. Las piezas conservadas así lo atestiguan.La mayoría se hicieron con plata sobredorada, que mezclada con sedas polícromas adquiría un maravilloso efecto. La hebra metálica que sirve como guía, se deja ver entre los puntos de festón y también en los anillados planos, que habitualmente forman y unen los motivos del encaje o sirven de ornamentación.

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Encajes de Segovia

Estos encajes se elaboraron en Segovia durante los siglos XVI y XVII.Su dibujo es muy sencillo y el punto empleado es a base de trenzas. Aparece en dechados, camisas noviales, manteles y frontales de cama.Los colores más característicos son el azul, el melado, el blanco y el rojo..

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Soles de Salamanca

Los soles de Salamanca se realizaban ya en los siglos XV y XVI. En el siglo XVII alcanzaron su perfección y fueron muy populares en los siglos XVIII y XIX. Aunque se denominan «Soles de Salamanca», se realizaron en toda la región de Castilla y León, así como en Extremadura y Cataluña. Los soles de Tenerife y Paraguay derivan de ellos, pero su realización es mucho más sencilla al haber adoptado técnicas diferentes a las nuestras

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 El Punto de Tordesillas

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Una muestra de Punto de Tordesillas se encuentra como encuadernación del Libro de Horas de doña Ana de Austria, conservado en la Bibliothèque de l’Arsenal, de París.
Se trata de un encaje realizado a la aguja con hebras metálicas y sedas polícromas. El colorido le da cierta espectacularidad, utilizándose distintos tonos de un mismo color en degradación


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Encaje Torchon
Muy conocida por sus hermosas redecillas a menudo geométricas.Torchon es un encaje de bolillos que se hizo en todo Europa. Un encaje continuo, simple y de líneas rectas hechas al mismo tiempo que el fondo.Es el típico de Camariñas.

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CAMARIÑAS (La Coruña)

El encaje de Camariñas es un encaje de bolillos hecho a mano entrelazando hilos sobre una almohada siguiendo un dibujo previamente realizado en cartón o picado. Los bolillos pueden ser desde 12 hasta 200. Cuantos más bolillos, más complejidad. El hilo más empleado es el de algodón, aunque también se utilizan en menor medida seda y lino.
Torchon – muy conocida por sus hermosas redecillas a menudo geométricas.Torchon es un encaje de bolillos que se hizo en todo Europa. Un encaje continuo, simple y de líneas rectas hechas al mismo tiempo que el fondo.Es el típico de Camariñas.

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Encaje de Camariñas con su papel de copia.

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Estos apreciados encajes (mantelerías, pañoletas, juegos de cama, paños), con mil combinaciones de dibujo y tono, que nos traen el lejano recuerdo de un “Chantilly” o de un “Valenciennes”, dicen que se deben, originariamente a la antigua influencia navegante de la artesanía flamenca con el puerto de Camariñas.


ISLAS CANARIAS

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El calado es una de las actividades artesanales más importantes de las Islas Canarias. El trabajo del calado consiste en deshilar una pieza de tela, de lino o algodón, logrando diversos y complicados dibujos sobre la trama de la misma. Estos dibujos parecen inspirados muchas veces en la flora o en motivos arquitectónicos.
Aportación de Francisco Javier Feliu Toledano

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LITÚRGICOS

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Encaje para mantel de altar

Un apartado especial y muy importante, dentro de la utilización del encaje, es para la confección de ropajes y ajuar litúrgico, casi siempre realizado por religiosas en los conventos y que consistía en roquetes, manteles de altar, albas y sobre todo en Andalucía, ornamentos para vestir a Vírgenes , Niños Jesus y otras imágenes.

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Los encajes conventuales de los siglos XVII y XVIII están realizados generalmente con hebra muy fina y resultado de la evolución de los encajes flamencos. Son de hilos continuos y los diseños generalmente florales.


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Encaje entredos de bolillos con la Inmaculada rodeada de ángeles, a ambos lados lleva una decoraccion a manera de pinaculos calados y dos corazones.En la parte inferior va la leyenda: VERCINE INMACULATA MIRACULOSA. En la parte superior lleva una cenefa de entredos a bolillo

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Antiguo mantel de altar realizado hacia 1900 Se adorna con encaje de hojilla de oro, en tres de sus lados, con diferentes motivos : Florales, arquitectónicos, etc.Para realzar su brillo, el encaje se superpone sobre un entramadado en plata.

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Roquete: de soberbia factura, con el escudo de León XIII, de un Arzobispo y de dos localidades francesas.

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Mantel de altar de encaje de Milán  Victoria & Albert Museum (Londres)

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LAS MANTILLAS

Los orígenes de la mantilla pueden remontarse a la cultura ibérica, en la que las mujeres usaban velos y mantos para cubrirse y adornarse la cabeza. Posteriormente, durante toda la Edad Media, la mujer siguió usando tocados muy variados, algunos de ellos con ciertas influencias árabes.A finales del siglo XVI el uso del manto, denominado ya por aquella época mantilla de aletas, se generalizó en toda España al considerarse una prenda más dentro de los trajes populares.En el siglo XVII empiezan a usarse las mantillas de encaje, como se aprecia en algunos retratos femeninos de Velázquez, formando parte del guardarropa de algunas mujeres elegantes

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LA MANTILLA

La Reina Isabel II de España, luciendo una mantilla
Fue, pues, en el siglo XIX cuando la mantilla adquirió una relevante importancia como tocado distinguido de la mujer española. La reina Isabel II, gran aficionada a los encajes, impulsó en gran manera el uso de la mantilla. Tanto ella como sus damas la lucieron en numerosos actos, como se manifiesta en varios retratos de la reina plasmada por sus pintores con esta singular prenda.

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Mantilla de encaje de Bruselas

Sin embargo, su uso no se generalizó a las damas cortesanas y de alta condición social hasta bien entrado el siglo XVIII, pues hasta entonces la mantilla era usada casi exclusivamente por las mujeres del «pueblo». Fue también en este siglo cuando las mantillas de paño y seda fueron sustituidas totalmente por las de encaje.

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Mantilla de blonda

A partir de 1868 el uso de la mantilla se abandonó en algunos lugares. No obstante, en Sevilla y otras ciudades de Andalucía continuó gozando de gran predilección. Algo que también ocurrió en Madrid, donde el empleo de la mantilla estaba tan arraigado a las costumbres que las damas de la nobleza madrileña la convirtieron en símbolo de su descontento durante el reinado de Amadeo de Saboya

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El encaje de Blonda se elabora con dos tipos de seda (retorcida y mate para hacer el tul del fondo y brillante y lasa para los dibujos), y se caracteriza por los motivos grandes de tipo floral, especialmente por los bordes con amplias ondas, llamadas puntas de castañuela

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La pieza estrella de la blonda es la mantilla almagreña, aunque también se hacen pañuelos, aplicaciones decorativas y abanicos.
La mantilla se hace mediante tiras que suelen medir entre 7 y 15 cm. de ancho.
Para unir estas tiras se emplea un punto especial llamado Punto de Ingerir o Entolar.
Y consiste en unir las “asillas” o medio punto de tul de los bordes de cada tira, formando un punto de tul completo de manera que la unión resulta totalmente invisible.
Los extremos de la mantilla terminan en ondas de una belleza exquisita.
Los anchos y las terminaciones de estas puntillas son muy diferentes, pueden tener ondas en uno o dos lados. Cuando la puntilla pasa a tener metraje se convierte en blonda.

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Tambien se utiliza mucho el encaje de Chantilly, que es un encaje más etéreo que la Blonda, y se considera más elegante para la mantilla negra.
Un tercer tipo de mantillas es el de las bordadas en tul. Aunque vulgarmente a estas mantillas se las califica como de encaje, hay que aclarar que únicamente su fondo de tul se incluiría dentro del encaje, pero no así su .ornamentación, ya que los motivos se van bordando    

Fuentes

http://cesartaibo.blogspot.com.es/2012/03/encajes.html

http://elbauldelasantiguedades.jimdo.com/

https://sites.google.com/site/encajesa

http://www.museoencaje.com/los-encajes/tipos-de-encaje.html

http://elprofeabdon.blogspot.com.es/…/el-encaje-y-su-histor…

Tronos reales

Foto de cabecera: Salón del Trono del Palacio Real de Madrid

Se define trono, como el asiento oficial sobre el que se sienta un monarca en ocasiones ceremoniosas. El trono tradicionalmente consiste en un asiento grande y lujosamente decorado que se sitúa sobre unas gradas y en los palacios, se situaba en la llamada sala del trono o salón del trono. Cuando el trono está bajo dosel se le llama solio, como por ejemplo el solio pontificio.  
El trono en un sentido abstracto puede también referirse a la monarquía o a la corona, es un caso de metonimia, también se utiliza en muchos términos tales como «el poder detrás del trono». Los tronos fueron asociados siempre directamente al poder real
.En algunos países que conservan una monarquía en la actualidad, los tronos todavía se utilizan y tienen un significado simbólico y ceremonial importante, sin embargo muchas monarquías modernas de hoy en día han reservado su uso al simbolismo, como el de las coronas y coronaciones.

Voy a tratar, en esta entrada, de auténticos tronos que fueron en su día ocupados por Reyes, Emperadores, Papas y algún que otro mandatario.

CRETA
Sala del trono del palacio de Cnossos.
Cnosos fué asociada a la leyenda del rey Minos y de su palacio, el yacimiento, con ocupación humana desde el 7000 a. C., fue la ciudad más importante de Creta durante la civilización minoica
Se aprecia que el trono es ciertamente modesto. Es de alabastro. Y el salón del trono tampoco tiene la magnificencia ni las dimensiones de los salones del trono egipcios o persas. Tal vez porque la isla no daba para mucho. Y aquí es donde vamos a tomarnos la libertad de asomarnos a las ventanas y admirar el paisaje que admiraba el rey de Creta cuando se cansaba de reflexionar sobre cuestiones de Estado. El salón del trono estaba bien situado en el palacio y la vista desde él era, como es lógico, relajante. Aún lo es hoy en día.

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 EGIPTO
Trono de Tuthankamon
En el antiguo Egipto la silla era un símbolo de estatus, prestigio y autoridad. Este magnífico trono de oro es quizás el mejor de todos los tronos que todavía se encuentran de cualquier civilización antigua.
Fue descubierto debajo del sofá hipopótamo en la antecámara, cubierto con un manto de lino ennegrecido. Construido en madera elaborado tallado en forma de un sillón, su esplendor se logra a partir de su cubierta de hojas de oro y plata con incrustaciones en piedras semipreciosas, cerámica, y de cristal color oro 

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Trono de Tuthankamon
La escena representada en el panel principal es el del joven Tutankamon de perfil sentado de manera informal en el trono frente a su reina Ankhesenamun, que está ungiendo sus hombros con aceite perfumado. La composición en la tradición de Amarna es uno de los más encantadora en el arte egipcio. El rey y la reina se representan con realismo y la coloración es exquisita. La figura de niña de la reina está muy bien representada con los muchos pliegues de la bata que acentúan el contorno de su cuerpo. Toda la escena esta llena de vida, y los colores del vidrio,cerámica piedras de cornalina y otros se mezclan para crear un efecto vivo, cuando se combina con el oro y la plata.

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 GRECIA
Los griegos (según Homero) se sabía que colocaban tronos adicionales, vacíos, en los palacios reales y los templos de modo que los dioses pudieran estar presentes donde quisieran estar. El más famoso de estos tronos era el trono de Apolo en Amiclas
Habían también sillas de diferentes modelos:”difros” o taburetes, el “klismos” sillas de patas curvas, respaldo ligeramente inclinado y muy cómodas, será la silla mas imitada durante el siglo XVIII por su comodidad y elegancia.

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 ROMA
Los romanos también tenían dos tronos uno para el emperador y otro para la diosa Roma cuyas estatuas fueron asentadas sobre los tronos, que se convirtieron en centros de adoración.

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 ROMA
El solium, una especie de cathedra más lujosa. Era el asiento de honor del señor de la casa, cuya posesión pasaba de padres a hijos, así como el trono de los gobernantes y de los dioses, aunque no el sillón usado por los magistrados de la República. El solium estaba en el atrio de la casa, cubierto con un tapiz de lana de colores vivos que se retiraba sólo cuando iba a ser usado el asiento. Allí se sentaba el pater familias durante las recepciones. Este mueble también podía encontrarse en los teatros, destinados a la autoridad, y posteriormente, ya durante el cristianismo, para el obispo.

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 ROMA
La silla curul era plegable, con patas curvadas en forma de cruz. Al principio se hacía de marfil, después de metal, y se remonta a la época de los reyes. En aquel tiempo era un asiento sobre ruedas desde el que los reyes ejercían sus funciones legales. Después perdió las ruedas, pero se mantuvo como atributo de ciertos magistrados. Desde ella dictaban sentencia los jueces, pero también se permitía su uso a los cónsules, pretores y propetores y a los ediles curules; también al dictador, al general de caballería, a los decenviros y, en un periodo posterior, al cuestor

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 MEROVINGIOS
El denominado trono de Dagoberto I (c.600, Biblioteca Nacional, París), un taburete plegable de bronce, tiene patas de animales, semejantes a las de los muebles romanos, pero con una forma más audaz.

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Trono del Rey Dagoberto I

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  BIZANCIO
Museo Episcopal de Rávena
La Cátedra de Maximiano es una de las piezas más grandes realizadas en marfil que ha llegado hasta nuestros días. Se trata de una silla episcopal realizada para el obispo de Rávena Maximiano y es una de las piezas de arte bizantino más destacables de la época. Se trata de una pieza única que en la actualidad se encuentra en el Museo de Arzobispal de Rávena, y que fue realizada en madera y decorada con veintiséis placas talladas en marfil. la cátedra debe datar del año 545 o 547, han surgido diversas teoría respecto al mecenas y a la escuela que la diseñó, au se pueden distinguir al menos cuatro manos diferentes que trabajaron los diferentes paneles que decoran la cátedra  

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CAROLÍNGIOS
Trono de Carlomagno
De la Edad Media se conservan contadísimas sillas regias o tronos que también se ven figurados en los sellos reales y en las miniaturas de los códices. En dichos tronos especialmente en la época románica, abundan las figuras de los grifos o dragones formando los pies o brazos y es frecuente la forma de silla curul o de tijera. Tales son el trono llamado de Dagoberto (que se atribuye al siglo VII pero puede ser del XI ó XII) y la silla de San Ramón de la antigua catedral de Roda (Huesca) de finales del siglo XI. También es algo frecuente para tronos y sillas de respeto en la Edad Media, hasta el siglo XVI inclusive, la forma de silla curul pero con respaldo y brazos como la llamada de los Jueces en el Museo provincial de Burgos, atribuida al siglo XIII y otra de Carlos V en El Escorial.    

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CAROLINGIOS
El trono de Carlomagno
En la Capilla Palatina del desaparecido Palacio de Aquisgran representaba el otro aspecto del poder de Carlomagno, el poder religioso. El papa León III consagró el edificio en el año 805,9 consagrándolo a la Virgen María. Carlomagno había querido una suntuosa decoración para adornar su capilla: había hecho fundir en una fundición cercana a Aquisgrán puertas macizas de bronce. Los muros se hallaban revestidos de mármol, así como de piedras policromadas.26 Las columnas, aún visibles hoy en día, fueron arrancadas de edificios de las ciudades italianas de Rávena y de Roma para su reutilización en el edificio, con la autorización del papa Adriano
El monarca se sentaba en un trono formado por placas de mármol blanco, en la primera planta, al oeste; donde estaba acompañado por los más próximos de la corte.

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CAROLINGIOS
Trono de Carlomagno
El monarca se sentaba en un trono formado por placas de mármol blanco, en la primera planta, al oeste; donde estaba acompañado por los más próximos de la corte. 

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ITALIA
La silla de Elías en la basílica de San Nicolás de Bari.
El abad Elia (primera mitad del siglo XI – Bari , 23 de de mayo de, 1105 ) fue un arzobispo católico italiano , arzobispo de Bari y Canosa a partir 1089 a la 1105
La silla del Abad, es considerada como una de los artefactos más significativos de las obras esculturales mas importantes de Apulia románica .se caracteriza por la ornamentación cuidada, hecha en parte de marfil:, tiene el asiento elegantemente perforado y en los altos apoyabrazos, hay figuras expresivas en alto relievea En la parte posterior hay dos leonas intención de desgarrar a dos hombres. 

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Cátedra del obispo Maximiano (Rávena, h. 547).

Los 26 paneles abordan tres ciclos distintos: la vida de Cristo (16 del respaldo); el ciclo de José (reposabrazos). En la parte delantera, los mejor tallados muestran a los Evangelistas, el Bautista en el centro y un medallón con el cordero místico.

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ITALIA
La Cátedra de San Pedro (en latín: Cathedra Petri) es un trono de madera que la leyenda medieval identifica con la cátedra de obispo perteneciente a San Pedro como primer obispo de Roma y Papa.
Su estructura es cúbica, el respaldo con arquerías coronadas por un frontón y con anillas laterales para su traslado. El frente del trono está cubierto por 18 tablillas de marfil con tallas inspiradas sobre un tema pagano.la madera original de acacia de la primitiva sede ha sido embutida en otra estructura de roble. Con el tiempo se le fueron añadiendo refuerzos de hierro y unas argollas para facilitar su transporte, porque estuvo en uso durante siglos, como un elemento del mobiliario litúrgico para las ceremonias papales más solemnes

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Cátedra de San Pedro en el Vaticano, de Bernini

Durante las obras de enriquecimiento y decoración del interior de San Pedro encargadas por Urbano VIII al maestro Gian Lorenzo Bernini, el papa decidió reservar definitivamente la reliquia para su sóla exposición-veneración, y el gran genio del barroco idea el Altar de la Cátedra, una imponente estructura de bronces, mármol y estuco que centra el ábside de la Basílica Vaticana.  

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  ITALIA
Ciudad del Vaticano Trono de Inocencio X 

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ITALIA
Trono del Dux en Venecia
El dux (latín dux, «líder») o dogo (del italiano doge, adaptación del veneciano doxe, y este a su vez del latín dux) era el magistrado supremo y máximo dirigente de la República de Venecia durante más de mil años, entre los siglos VIII y XVIII.
Este título comenzó a utilizarse cuando la ciudad de Venecia estaba sujeta a la soberanía del Imperio bizantino, haciéndose permanente luego de que la ciudad alcanzara su independencia de Constantinopla.

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 ITALIA
Palacio Real de Nápoles Salón del Trono
Con unas dimensiones muy notables, el Palacio Real de Nápoles fue una de las principales residencias reales en el reino Borbón de las Dos Sicilias. El palacio da a la Piazza del Plebiscito majestuosa y, desde 1919, es la sede del Museo Histórico y la Biblioteca Nacional en la parte trasera del edificio, entre otras cosas, presenta raros manuscritos medievales, así como el famoso papiro de Herculano. El Palacio Real de Nápoles, así como muchos tours histórico de Nápoles, es una necesidad para los amantes del arte, historia y cultura.

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  ESPAÑA
De la época gótica es notabilísimo el trono de plata del Rey Don Martín El Humano, de tipo recto y sin figuras pero con hermosos calados.La silla de Martín el Humano, custodiada en la Catedral de Barcelona, es transportable. Tiene dos bisagras para plegarla para poder ser transportada en el pasado por las ciudades catalano-aragonesas . La butaca es una obra de finales del siglo XIV. El ostensorio, con viril de pedrería, representa una catedral gótica. Tiene el armazón de madera, recubierta por láminas de plata dorada de estilo gótico flamígero 

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    ESPAÑA
El único sillón conocido de Carlos I, es el que se encuentra en el Monasterio de Yuste, que utilizaba tanto para leer, para sus audiencias y para descansar, ya que esba articulado con objeto de aliviar sus crisis de gota  

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ESPAÑA
Carlos III:
Este sillón era el trono que el monarca Carlos III utilizaba en el Salón de los Reinos del Palacio Real de Madrid. En este lugar era donde el soberano recibía las audiencias de ceremonia.
Se trata de una silla grande dispuesta debajo del dosel del Salón de Reinos, con maderas talladas y doradas, cubierta de terciopelo carmesí con sobrepuesto de oro y en cuyo copete está tallado el busto del rey.
El asiento de manufactura napolitana y tejido de terciopelo genovés de seda, bordado a realce con hilo entorchado de plata sobredorada y recamado con pámpanos, hojas entrelazadas y una guirnalda en la parte superior del respaldo, responde estilísticamente al barochetto italiano (Nápoles, 1763-1773).

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ESPAÑA
Salón del Trono en el Palacio de Aranjuez
Aranjuez Felipe II encarga en 1561 a Juan Bautista de Toledo la construcción sobre los terrenos de una antigua residencia de la Orden de Santiago el Palacio Real, como lugar de recreo para residir en primavera; obras que posteriormente continuaría Juan de Herrera.
Tras un incendió acontecido en 1748, Felipe V inicia su reconstrucción y es culminada por Fernando VI de la mano del arquitecto italiano Bonavia. Finalmente, Sabatini, para acoger a la extensa familia de Carlos III, 

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    ESPAÑA
Palacio de Pedralbes (Barcelona)
Durante 1919-1931 fue la residencia de la Familia Real Española en sus visitas a la ciudad. 

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    ESPAÑA
Palacio Real de Madrid
Los sillones del Salón del Trono son copias de los originales realizados durante el reinado de Carlos III y, en la parte superior, figuran las efigies de los Reyes don Juan Carlos I y doña Sofía. A la izquierda, detalle de los cuatro leones de bronce que flanquean el escenario del trono y que fueron traídos por Antonio González Velázquez desde Roma. Cada uno tiene apoyada una garra sobre una bola de caliza rojiza 

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    EUROPA
Sillones-tronos de distintas épocas     

PORTUGAL
El Palacio de Ajuda se ubica en un espacio en el que anteriormente se encontraba emplazada una barraca de madera hecha construir por el rey José I de Portugal en el seno del vecindario de Ajuda de Lisboa. Fue mandada construir tras la destrucción del Palacio de Ribeira en el terremoto de 1755.
No fue hasta el reinado del rey Luis I de Portugal, hijo de la reina María II, que el Palacio de Ajuda se convirtió en centro de la vida privada de la familia real y de la corte portuguesa. Después de la muerte del rey Luis en 1889, se transformó en la residencia de la reina viuda María Pía.
Con la proclamación de la República Portuguesa en 1910, el Palacio de Ajuda se convirtió en un museo histórico que permanece abierto al público, y en el cual se puede observar el estilo de vida de la familia real portuguesa a finales del siglo XIX.
El Salón del Trono en el segundo piso del Palacio, con dos tronos reservados para el rey Luís y la reina María Pía.

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  REINO UNIDO
Un mueble muy conocido es el llamado Trono de la Coronación de la abadía de Westminster, que conserva bajo el asiento una gran piedra llamada “la piedra del destino”.       

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REINO UNIDO
Aún en uso, es el trono del rey Eduardo, en la cual coronan al monarca británico.En la foto se aprecia la piedra En el siglo XIII la Piedra fue capturada por el rey Eduardo I de Inglaterra y llevada a la Abadía de Westminster en Londres, para emplearla en la coronación de los reyes ingleses. En 1996, el Gobierno Británico decidió devolver la Piedra a Escocia, con la condición de que volviera a Londres para su uso en futuras coronaciones, por lo que ahora puede ser vista en el Castillo de Edimburgo, junto con las joyas de la corona escocesa hasta que se corone a un nuevo rey inglés, entonces volverá al trono de San Eduardo momentáneamente     

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REINO UNIDO
Palacio de Buckingham Salón de Trono     

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REINO UNIDO
Robing Room
La sala Robing es donde la Reina se prepara para la apertura del Parlamento. Se pone el traje de ceremonia y la Corona del Estado Imperial. La sala Robing está situado en el extremo sur del palacio de Westminster.   

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FRANCIA
Palacio de Versalles Trono Real.
Luis XIV dejó París y decidió construir Versalles como una pequeña ciudad alejada de los problemas. Tendría varias etapas constructivas, marcadas por las amantes de Luis XIV.

Primera etapa (1661-1668): Sería un palacete de caza al que se añadieron dos alas laterales que, al cerrarse, conformaron la plaza de armas.
Segunda etapa (1668-1678): Luis XIV pretende trasladar definitivamente la corte a Versalles. Se añaden las dos alas laterales para dar prioridad visual al jardín
a doble altura y con acceso directo a cota cero desde el exterior, estando la Tribuna Real situada en el piso principal, desde donde el rey y su familia atendían a la misa.
Versalles vivió el apogeo de la Francia de los Borbones, pero también su destrucción: En Versalles se establecieron los Estados Generales desde 1789 hasta el 6 de octubre. En esta fecha, el palacio fue tomado por el pueblo y el rey y su familia obligados a trasladarse e instalarse en París.
En él se refugiaron, durante la Comuna, Adolphe Thiers y su gobierno.

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FRANCIA
Palacio de Fontaineblau Trono de Napoleón
A partir de una estructura inicial de Francisco I.
Este palacio introdujo en Francia el manierismo italiano, en la decoración de interiores y en los jardines..
El manierismo francés en la decoración de interiores del siglo XVI es conocido como «estilo Fontainebleau»: combina escultura, forja, pintura, estuco y carpintería. En jardinería supuso la introducción del parterre.

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FRANCIA
Palacio de Fontaineblau Trono de Napoleón
el emperador Napoleón Bonaparte comenzó a transformar el Château de Fontainebleau en un símbolo de su grandeza, como una alternativa al Palacio de Versalles que tenía connotaciones borbónicas. En Fontainebleau, Napoleón I de Francia firmó su abdicación, con el Tratado de Fontainebleau. Se despidió de su Vieja Guardia y partió al exilio.

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FRANCIA
Trono de Napoleón al Senado
Este trono, para el Senado, se inspiró en un asiento de mármol de época romana, llamado el «trono de una sacerdotisa de Ceres» llegó a Francia en 1796, seduciendo a David que hizo un buen estudio del mismo. El asiento está decorado con bordados en hilo de oro donde se encuentra la abeja, símbolo imperial y la figura del emperador en el respaldo. Los brazos son dos esfinges aladas. Un dosel sostenido por seis victorias de yeso dorado, coronada ese trono. Este sistema vino de la Galerie du Trone instalado en el Palacio de Luxemburgo bajo Napoleón III, a la Sala de Conferencias del actual Senado. 

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MÓNACO

El Palacio de Mónaco es la residencia oficial del Príncipe de Mónaco desde 1297. Se encuentra en la parte superior de la roca de Mónaco, con vistas al Mediterráneo a 60 metros. Es a la vez el corazón y el alma del Principado.
Construido en 1191, originalmente para convertirse en una fortaleza para la República de Génova, el edificio ha experimentado a lo largo de su historia, los bombardeos y los asientos de muchas fuerzas extranjeras. Desde finales del siglo XIII, es el hogar de la Casa de Grimaldi, que conquistó el lugar en 1297. Los Grimaldi gobernaron el Principado como señores feudales y, desde el siglo XVII, como príncipes soberanos.

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RUSIA
Trono de marfíl de Iván el Terrible
Fué el primero en llevar el título de zar (desde 1547) y es considerado como uno de los creadores del Estado ruso. Sus mayores aportes a su país fueron la conquista de Siberia llevada a cabo por Yermak, la creación de un nuevo código legal, el Sudébnik, la centralización del poder en la capital, la creación del Zemski Sobor y la Opríchnina, la conquista de los janatos tártaros de Kazán y Astracán

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RUSIA
Salón del Trono de Catalina la Grande
Fue emperatriz de Rusia durante 34 años, desde el 28 de junio de 1762 hasta su muerte, a sus 67 años.
Catalina, aunque no descendía de emperadores rusos, sucedió a su marido, tras el precedente establecido cuando Catalina I de Rusia sucedió a Pedro I en 1725. Su manifiesto de acceso al trono justifica su sucesión citando la «elección unánime» de la nación. Sin embargo, una gran parte de la nobleza lo consideró como una usurpación, tolerable solo durante la minoría de su hijo, el gran duque Pablo.

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RUSIA
El primer monarca de la Dinastía Románov, Miguel I de Rusia, subió al trono hace 400 años. La coronación de los zares y más tarde emperadores rusos culminaba con la entrega de los símbolos del poder soberano, la corona, el cetro y el orbe
El Trono doble. Pedro I e Ivan V fueron proclamados conjuntamente, zares de Rusia. al morir Fiódor Alekséievich sin descendencia a la edad de 20 años, surgió una disputa por el trono. Iván era oficialmente el siguiente en la línea de sucesión, pero no tenía las dotes para asumir el cargo. El Consejo de los boyardos (nobles rusos) eligió a Pedro, que tenía en ese momento 10 años de edad, para convertirse en zar y con su madre viuda ejerciendo la regencia. Sin embargo, la zarevna Sofía Alekséievna, dirigió una rebelión de los Streltsí (cuerpo militar de élite ruso). En el conflicto fueron asesinados muchos de los familiares y amigos de Pedro. El levantamiento permitió a Sofía, hermana de Iván y medio hermana de Pedro, y a sus aliados insistir en que Pedro e Iván fuesen proclamados zares conjuntamente, siendo Iván el zar mayor de entre los dos.  

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RUSIA
Trono de los Romanov
Fue una dinastía rusa establecida en Moscú desde el siglo XVII, que accedió al trono en 1613 con la coronación de Miguel I, hijo del patriarca Filareto (primo de Teodoro I de Rusia) y rigió el país hasta que la Revolución de Febrero de 1917 obligó al zar Nicolás II a abdicar.     

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 RUSIA
Trono de los Romanov
Nicolás fue el último Zar de Rusia, siendo destronado por la Revolución de febrero, producida en el marco de la Primera Guerra Mundial. Después de la Revolución de Octubre, los bolcheviques fusilaron a la familia imperial en Ekaterinburgo (Urales) en 1918.

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 IMPERIO AUSTRO-HÚNGARO
Sala del trono en Miramar, mostrando el trono al final de la sala, con las cortinas rojas, suelos de entarimado, una chimenea con una pintura gigante por encima de ella, sillas en el lado de las habitaciones y de los candelabros gigantes tipo arañas colgando del techo

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HOLANDA
Trono de los Orange
La Casa de Orange- Nassau, casa reinante en los Paises Bajos, tiene su origen en el conde Hendrick III de Nassau, quien en el siglo XVI fué nombrado Stadholder de los Paises Bajos. El título venía a ser como gobernador de los Paises Bajos y tenía caracter hereditario.

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SUECIA
Trono de Plata
El Trono de Plata, confeccionado por Abraham Drentwett para la Reina Cristina en 1650
Suecia ha sido gobernada por reinas reinantes en tres ocasiones distintas: Margarita I de Dinamarca (1389-1412), Cristina de Suecia (1632-1654) y Ulrika Eleonora de Suecia (1718-1720)

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SUECIA
Sala de audiencias de Lovisa Ulrike, reina de Suecia entre 1751 y 1771 por su matrimonio con Adolfo Federico de Suecia. Está presidida por un trono bajo palio y las paredes decoradas con tapices que hablan de la historia mitológica de “Amor y Psique”

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DINAMARCA
Castillo de Rosenborg
Salón con el Trono Real. Este castillo es uno de los más antiguos de la Realeza Danesa y se encuentra en el centro de la ciudad . Es un castillo pequeño , rodeado de hermosos jardines con un pintoresco puente , que lleva al interior del recinto . Sus salones son maravillosos , de tiempos medievales
El rey Federico III de Dinamarca, encargó un trono de cuerno de unicornio y oro, que se puede ver hoy en día en el salón del reino del castillo-palacio de Rosenborg, en Copenhague. Icono central de la monarquía absoluta en Dinamarca y Noruega se utilizó como silla de coronación durante casi dos siglos- Construido por artesanos durante nueve años entre 1662 y 1671, este trono era la envidia de todos los monarcas europeos de la época.

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  DINAMARCA
Castillo de Rosenborg
Trono del Unicornio: llamado así, por los dos pares de columnillas del respaldo, que en realidad pueden ser de narvales (mamífero marino)
Y al igual que el bíblico Trono del Rey Salomón en el que se inspira, esta custodiado por tres leones de plata y oro a tamaño natural, de 130 kilos cada uno.

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 PERSIA
Sah Jahan sentado en el Trono del Pavo Real.
El Trono del Pavo real, llamado Tajt-e-Tâvús es el nombre de un trono originalmente del Imperio Mogol de la India, luego usado para describir los tronos de los emperadores persas desde Nader Shah Afsharí hasta Mohammad Reza Shah Pahlaví. El trono de los mogoles es llamado Trono del Pavo real en su traducción al hindi. Fue creado para el emperador mogol de la India Badshah Shah Jahanen el siglo XVII

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PERSIA
Trono del Pavo Real
En este caso ocupado por el último Sha de Persia Mohammad Reza Pahlevi, quien se nombró Shahansha (Rey de Reyes). A su lado aparece su esposa Farah Diba y su hijo.
Fue Sha de Irán desde el 16 de septiembre de 1941 hasta la Revolución islámica del 11 de febrero de 1979.
Tambien estuvo casado con la carismática Princesa Soraya.

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TURQUIA
El Palacio de Topkapi fue la residencia oficial del Sultan durante tres siglos.Topkapi significa la puerta redonda («kapi», puerta y «top», redondo).Después de la caída de Constantinopla, en 1453, Mehmet II, el conquistador, construyó este magnífico palacio.
Hoy en día el complejo del Palacio es un gran museo con muchas habitaciones en exposición. donde se puede apreciar objetos en oro decorados con piedras preciosas (tronos, tazas de té, cuchillos, tenedores y cucharas, cunas, objetos de joyería y otros objetos trabajados en oro), objetos en plata, cerámicas, miniaturas, paños y objetos sagrados de Islam, entre ellos, la barba y la impresión del pie del profeta Mohammed.
El trono de Mural III que pesa 250 kg de oro puro. A cada lado dos candelabros de oro pesan cada uno 48 kg y albergan 6.666 diamantes

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 ETIOPÍA
Trono en Adis Abeba del Emperador Haile Selassie I (Ejersa Goro, 23 de julio de 1892-Addis Abeba, 27 de agosto de 1975), fue el último monarca en ocupar el trono imperial de Etiopía.
En 1936 se exilió en Bath (Inglaterra) a causa de la invasión de tropas italianas ordenada por el dictador fascista Benito Mussolini. Volvería a su tierra natal en 1941 tras la expulsión de los italianos con ayuda de tropas del Imperio Británico.
En 1974 resigna formalmente su trono frente a la Junta Militar de la revolución marxista. El Consejo de la Corona de Etiopía asegura que el emperador fue encarcelado por el Derg y luego asfixiado hasta la muerte por sus captores el 27 de agosto de 1975   

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TUNEZ
Trono del Bey
Bey o beg es un título de origen turco adoptado por diferentes tipos de gobernantes dentro del territorio del antiguo Imperio otomano. Fue también el título de los monarcas de Túnez. Se pospone al nombre.
Originalmente es un título que las tribus turcomanas usaban para designar a su jefe. Lo utilizó el monarca otomano hasta 1394, cuando Bayaceto I adoptó el título de sultán.     

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CHINA
Trono de las Dinastias Ming y Qing
Desde su finalización 1420 a 1644, cuando una revuelta campesina dirigida por Li Zicheng invadió, la Ciudad Prohibida sirvió como sede de la dinastía Ming. La siguiente dinastía Qing también ocupó la Ciudad Prohibida. En 1860, durante la Segunda Guerra del Opio, las fuerzas británicas lograron penetrar en el corazón de la Ciudad Prohibida y la ocuparon hasta el final de la guerra.
Después de ser el hogar de 24 emperadores-catorce de la dinastía Ming y diez de la dinastía de la Ciudad Prohibida-Qing dejado de ser el centro político de China en 1912 con la abdicación de Puyi, el último emperador de China. En virtud de un acuerdo firmado entre la casa imperial Qing y el nuevo gobierno de la República de China,
A Puyi, sin embargo, se le permite vivir dentro de los muros de la Ciudad Prohibida.    
Puyi y su familia conservan el uso del atrio interior, mientras que el exterior fue entregado a las autoridades republicanas. Un museo fue establecido en el atrio exterior en 1914. 

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 INDIA
Trono de Oro de Mysore
Mysore, es la segunda ciudad más grande en el estado de Karnataka, en la India.
La leyenda dice pertenecía a los Pandavas.
El trono de oro en el palacio de Mysore, es el blanco de todas las miradas durante las celebraciones de Dasara
El trono es una parte integral de las festividades de la familia real de Mysore. Maharajás se sentaba en el trono y llevar a cabo Durbar durante los días de la monarquía.
Pero desde la abolición de principados, el acto simbólico de ascender al trono y sosteniendo el Durbar fue continuada por Srikantadutta Narasimharaja Wadiyar, descendiente de la familia real, hasta su muerte en diciembre pasado.

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 TIBET
Dharamsala (o técnicamente, es la gemela de la ciudad de McLeodganj. es la ciudad del Himalaya que es el hogar del Gobierno tibetano en el exilio del Dalai Lama.El complejo es donde vive el Dalai Lama (su área de viviendas esta, obviamente, cerrado al público incluyendo la catedra Tsuglagkhang. 

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SILLAS PORTÁTILES
Esta silla portátil conocida también como silla de manos, tiene su origen en la lectica o “sella” romana que se usaba para transportar a los nobles patricios. Derivó con el paso de los años en la silla de manos cubierta (sedán) a partir del siglo XVI y está emparentada con los palanquines orientales. Un ejemplo que se puede ver en directo es la silla de manos de Felipe II en el monasterio del Escorial.     

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  De estos asientos, el más extravagante,quizá sea la portantina del papa León XIII adornada de ninfas desnudas en madera dorada, regalo de Grassi de Venecia  

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 «OTROS TRONOS»
Por último uno de los «tronos» mas apreciados por los monarcas, en este caso Luis XIV, el Rey Sol:
Réplica de un trono real con un inodoro camuflado desde el que el monarca Luis XIV de Francia atendía sus audiencias al tiempo que podía relajar tensiones corporales, que puede verse en el Museo Internacional del Retrete de Nueva Delhi.

Fuentes:

https://es.wikipedia.org/wiki/Trono

Fotos y textos: tomados de la red de distintas páginas relacionadas con al tema.

Romerías, fiestas y verbenas de Madrid

La palabra romería viene de romero, nombre que designa a los peregrinos que se dirigen a Roma, y por extensión, a cualquier santuario.
Entre las antiguas romerías en la capital están la romería de San Blas, que acudía a la ermita de San Blas (ya desaparecida).
La romería del Santo Ángel de la Guarda que cada 1 de marzo acudía a venerar la imagen del Santo Ángel de la Guarda, venerada por porteros.
La desaparecida romería del Cristo de la Oliva que desapareció ya en el siglo XVIII, y cuya celebración se establecía el 3 de mayo, coincidente con la romería de Santiago el Verde que se dirigía a la ermita de San Felipe y Santiago a orillas del río Manzanares.
La más significativa de todas es la romería de San Isidro el 15 de mayo cuyo destino es la ermita de San Isidro.
La romería de la Virgen del Puerto (que con el tiempo se convirtieron en las fiestas de la Melonera) y que se dirigía a comienzos de septiembre la ermita de la Virgen del Puerto.
Y la romería de San Eugenio (denominada «Bellotera») celebrada cada 15 de noviembre cierra el año
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Baile a orillas del Manzanares Francisco de Goya, durante la celebración de una de sus romerías.

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Licorería El Madroño, Lavapiés
La celebración de las verbenas más tradicionales son ocho, que comienza el 13 de junio con la de San Antonio en la Ermita de San Antonio de la Florida, el 24 de junio se celebra la de San Juan Bautista en el Prado, el 27 de junio la de San Pedro Apóstol y San Juan en el Prado, el 16 de julio la de la Virgen del Carmen en Chamberí, el 25 de julio la de Santiago en la plaza de Oriente, el 7 de agosto la de San Cayetano en Lavapiés (zona de Cascorro), el 10 de agosto la de San Lorenzo en el mismo Barrio (en el eje de Argumosa y plaza de Lavapiés), y el 15 de agosto la de la Verbena de la Paloma. De ellas comentaré solo las mas conocidas,y que aún se celebran con grandes festejos.

Se acostumbra a bailar el chotis al son del organillo, se bebe la típica limonada y se tomaban azucarillos con agua y aguardiente. Hoy dia, algunas de estas costumbres ya no se hacen.

LAS VUELTAS DE SAN ANTÓN

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Iglesia de San Antón
Las Vueltas de San Antón es una festividad popular en Madrid, celebrada el día 17 de enero en honor a San Antonio Abad. El espacio de la celebración se centra en los alrededores de la parroquia de San Antón en las madrileñas calles de Hortaleza y Fuencarral

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San Antón por Zurbarán

La celebración ha ido cambiando de forma y orientación a lo largo de los últimos siglos, desde una celebración de origen medieval (mundo rural), pasando por una romería y algarada con caballos (sociedad pre-industrial), hasta que a comienzos del siglo XXI se celebra como una bendición de animales de compañía

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La celebración de San Antón en Madrid ha pasado por varias etapas a lo largo de su historia, en la primera se celebraba el denominado cerdo del Concejo como fiesta de origen medieva El cerdo del Concejo (denominado también rey de los cochinos) fue una tradición popular del mundo rural, mediante la cual se cuidaba colectivamente un cerdo que se ponía a disposición del concejo. La celebración pronto se asoció a San Antonio Abad (protector de las bestias útiles al hombre).motivo por el que las imágenes de este Santo, siempre van acompañadas por este animal.

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Fiesta de San Antón, los animales aguardando para que los bendigan.

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Desde por la mañana, después de las misas programadas, el sacerdote bendice en la calle a los animales, que han estado haciendo rigurosa cola con sus orgullosos amos.

Bendiciendo a una mascota felina

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Los panecillos de San Antón

Que forman parte de la repostería santoral de las celebraciones madrileñas, en este caso en una de las primeras fiestas del año: San Antón.
LA ROMERÍA DE SAN BLAS
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Observatorio Astronómico.
La ermita de San Blas fue un templo con dedicación a San Blas ubicado en Atocha (Madrid). La ermita fue inaugurada el 3 de abril de 1588 por el arzobispo de Toledo, don Gaspar de Quiroga en los extremos de los Jardines del Buen Retiro. La romería que se celebraba el 3 de febrero era muy popular en el siglo XVI, siendo junto las vueltas de San Antón una de las primeras en ser celebradas al año. Se denominaba verbena de San Blas
En la actualidad en el Cerrillo de San Blas, esta el Observatorio Astronómico.

La ermita de San Blas en el cerrillo del Retiro
La verbena de San Blas que se celebraba el 3 de febrero con romería a la ermita de San Blas.

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Procesión de San Blas bajando hacia el Cerrillo por la calle Atocha.

La romería al santo se celebraba a comienzos de febrero y era anterior justamente al carnaval. Una de las misiones era que el santo les protegiese de las enfermedades de garganta, de las que el santo era considerado popularmente como su protector

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Esta tradición se mantuvo hasta que se comenzó a popularizar las fiestas de Santiago el Verde en los sotos del Manzanares.

En la actualidad se ha vuelto a rescatar y los romeros van al cerrillo con sus meriendas.a celebrarla
LOS CARNAVALES

Son una celebración que tiene lugar inmediatamente antes del inicio de la Cuaresma cristiana, que se inicia a su vez con el Miércoles de Ceniza, que tiene fecha variable (entre febrero y marzo según el año). El carnaval combina algunos elementos como disfraces, desfiles, y fiestas en la calle. Por extensión se llaman así algunas fiestas similares en cualquier época del año. un período de permisividad y cierto descontrol.

«Carnaval en el barrio de Tetuán» de José Gutierrez Solana
En uno de sus paseos por el barrio, Solana describe minuciosamente cada disfraz que va encontrando: “Se ven en Tetuán muchos mascarones vestidos de mujer (…), a algunos se les ve el bigote a través de las rotas caretas”; hay otro “vestido de moro, con una toalla arrollada a la cabeza y la cara tiznada de corcho quemado”, y pasa también “un hombre jovial, con un levitón, un orinal y una escoba entre las piernas, como si fuera montado en un caballo”.

En sus inicios, probablemente con un cierto sentido del pudor propio de la religión, el Carnaval era un desfile en que los participantes vestían disfraces y usaban máscaras.
Los etnólogos encuentran en el carnaval elementos supervivientes de antiguas fiestas y culturas, como la fiesta de invierno (Saturnalia) y las celebraciones dionisíacas griegas y romanas (Bacanales).

EL ENTIERRO DE LA SARDINA
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El Entierro de la Sardina por Francisco de Goya

Refleja una tradición carnavalesca que celebra el último día de estas fiestas. Es el final del periodo de mundo al revés que supone el carnaval, con su transgresión de los valores vigentes, su interés por los instintos primarios, el protagonismo del pueblo llano frente a las instituciones y el predominio del caos frente al orden.
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La Alegre Cofradía del Entierro de la Sardina dirigiendose hasta la Fuente de los Pajaritos de la Casa de Campo para quemar los malos actos y pensamientos en una gran fogata.

Se dice que en época de Carlos III, un cargamento de sardinas, que no tuvo salida, hubo que enterrarlas por su putrefacción, coincidiendo que era un miércoles de ceniza. De ahí surgió el ritual que nos acompaña hasta la fecha.
LAS MAYAS
Alegoría del mes de mayo
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Es una festividad que se celebra uno de los primeros domingos del mes de mayo principalmente en el barrio de Lavapiés (Madrid), en la plaza de su nombre y en las calles aledañas del Barrio y de Salitre, en torno a la iglesia de San Lorenzo
El origen de la fiesta puede remontarse a épocas del imperio romano, que recrea a Maya (en griego Μαία) que es la mayor de las siete pléyades (hijas de Atlas)
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Era costumbre antigua que a la llegada del mes de las flores se plantase en las plazas el 1º de mayo un árbol frondoso, que solía ser un álamo, y se lo adornara con cintas, flores y colgaduras de colores vivos.
Debajo de él se sentaba a la joven más bella, y alrededor bailaban mozas y mozos, con tal bullicio y frenesí que llegó a prohibirse y recibir la censura de la iglesia.
Con el tiempo aquella vieja costumbre derivó en las Mayas, que era la soltera más hermosa del barrio, elegida de común acuerdo, y cuya casa por la noche era engalanada en puerta y ventanas con flores recién cortadas.

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Joven engalanada de Reina Maya
Este día, y por la mañana, cada casa del barrio adorna y engalana a una vecina joven que, con mantos de seda y de flores, se exhibe en el portal con el objeto de ser elegida: «reina maya». Las mujeres se colocan en altares y capillas floridos, vestidas con los mejores trajes y rodeadas de ofrendas
FIESTA DE SANTIAGO EL VERDE

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(En algunas ocasiones denominado también día del sotillo) es una celebración realizada en Madrid el día uno de mayo. Se denomina así por ser romería que se realizaba con dirección a la Ermita de San Felipe y Santiago (conocida popularmente como Ermita de Santiago el Verde) que se encontraba ubicada en una de las pequeñas islas del río Manzanares

La florista de Goya representa a una muchacha que estaría en la romería que fue muy popular en el Madrid del XVI y XVII, decayendo su afluencia en el XVIII. El dramaturgo Lope de Vega popularizó la romería y sus costumbres en unas de sus obras

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Puente de Segovia: donde la gente se reunia en el llamado «Bajar al sotillo»:
Era costumbre mencionar entre los madrileños del siglo XVI la frase «bajar al sotillo» para indicar la asistencia a la romería que el primer día se mayo se ralizaba a las alamedas y sotos de la ribera del rio Manzanares (en la actualidad Madrid Río)
La romería de Santiago el Verde cayó poco a poco en el olvido durante el siglo XVIII, cediendo protagonismo a la Fiesta de San Isidro celebrada el 15 de mayo, en la pradera del mismo nombre.

LAS FIESTAS DE SAN ISIDRO

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Son unas fiestas anuales celebradas en Madrid a mediados del mes de mayo Tradicionalmente se suelen instalar en el barrio de San Isidro en Carabanchel. Se celebran durante un periodo de varios días en torno al 15 de mayo.

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Imágenes de San Isidro y su esposa Santa María de la Cabeza en la fachada de la Colegiata de San Isidro en la calle Toledo de Madrid

San Isidro nació en Madrid, es de suponer que fuese el 4 de abril de 1082. Según era mencionado en su época San Isidro poseía el don de serle fácil encontrar agua (zahorí). Algunos de los manantiales fueron marcados posteriormente como lugares mágicos, incluso algunos de ellos fue entendido como lugar de milagro.

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La celebración de esta festividad tiene lugar en la Pradera de San Isidro y en las calles aledañas. Existen cuadros de Francisco de Goya representando la popularidad de esta fiesta a finales del siglo XVIII.

La pradera de San Isidro, José del Castillo

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Madrileños almorzando en la pradera durante las Fiestas de San Isidro.

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Las vendedoras de rosquillas

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Surtido de las rosquillas de San Isidro. En orden de izquierda a derecha: listas, tontas, francesas y de Santa Clara.

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Fuente de San Isidro
Es costumbre ir en romería el 15 de mayo a beber el «agua del santo» que brota en un manantial anexo a la Ermita de San Isidro y que se considera milagrosa.

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Esta celebración se mezcla con la costumbre de merendar en las praderas de San Isidro si el tiempo lo permite.

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Un plato muy madrileño que nunca falta en las verbenas: Los entresijos y las gallinejas realizados con tripas y otras partes de casquería del cordero.
Los «gallinejeros-as» las preparan fritas en grandes sartenes.

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Los «Pitos» de San Isidro son silbatos de barro que se llenan con un poco de agua para que suenen.

VERBENA DE SAN ANTONIO DE LA FLORIDA

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Ermita de San Antonio de la Florida
La verbena es una festividad popular celebrada anualmente cada 13 de junio en honor a San Antonio en la ciudad de Madrid. El lugar de congregación de la romería por el paseo de la Florida hacia la ermita de San Antonio de la Florida.

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Milagro de San Antonio en los frescos del interior de la ermita.

En su interior Francisco de Goya pintó unos frescos sobre este edificio en los que representó uno de los milagros más famosos del santo. Cabe destacar la representación de los hombres y mujeres ataviados de majos, chisperos y chulapos.

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La ermita de Sabatini fue desmontada en el año 1792 durante el reinado de Carlos IV con motivo de una nueva remodelación urbanística de la zona
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Verbena de San Antonio de la Florida, dibujada por Francisco Pradilla y publicada en las páginas de La Ilustración Española y Americana el 16 de junio de 1873

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Según la tradición popular la fiesta nace con la costumbre de unas modistillas madrileñas del siglo XIX que vertían trece alfileres en agua bendita de la pila bautismal de la ermita, simulando el acto de las arras matrimoniales. El objeto de esta tradición popular es la de invocar a San Antonio como casamentero (procurador de novios)

Ritual de introducir la mano en la pila llena de alfileres: a mas alfileres adheridos…mas novios!

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Casa Mingo sidrería del Paseo de la Florida.
Parada obligatoria tras visitar la Ermita.
La verbena tambien se llenaba en sus días de diferentes vendedores callejeros: aguajoleros, buñoleros, barquilleros, reposteros, avellaneros, naranjeros, etc. En periodos más cercanos al siglo XXI se incluyeron puestos que ofrecían especialidades típicas de la cocina madrileña.

FIESTAS DE SAN CAYETANO

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Iglesia de San Cayetano
Se celebra el 7 de agosto (fecha del fallecimiento de San Cayetano en Nápoles), pero suele haber celebraciones parciales en los días cercanos, a lo largo de las calles del barrio. Una de las más populares es el engalanamiento de calles y balcones periféricos a la Iglesia.

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San Cayetano en la portada de su iglesia.

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Estas celebraciones forman parte del Madrid más castizo. Durante la primera quincena de agosto las calles que rodean el barrio de Lavapiés y La Latina entorno a las iglesias de San Cayetano y San Lorenzo así como desde la plaza de la Paja y calle Toledo hasta la plaza de las Vistillas se engalanan para conquistar a los viandantes con sus sabores y sonidos típicos.
FIESTAS DE SAN LORENZO

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Iglesia de San Lorenzo
La celebración de las Fiestas de San Lorenzo, desde finales del siglo XX se encadenan y solapan con las de Cayetano (7 de agosto) y las de la Paloma (15 de Agosto)

Las Fiestas de San Lorenzo son la celebración más popular y antigua del barrio de Lavapiés (Madrid) y se celebran cada 10 de agosto en honor a San Lorenzo, dentro de una ‘trilogía’ que completan las Fiestas de la Paloma y las Fiestas de San Cayetano. Desde finales del siglo XX se instala una verbena en la plaza de Lavapiés y las calles vecinas con castizos concursos de trajes y de bailes como el chotis.
LA VERBENA DE LA PALOMA

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Es una celebración veraniega localizada en su origen en el antiguo barrio de Calatrava, en las inmediaciones de la calle de Toledo y la plaza de la Cebada, administrativamente barrio de La Latina del distrito centro. Se celebran en honor a la virgen de la Paloma, en torno al 15 de agosto
La vertiente religiosa de las fiestas queda representada por la procesión que sale de Iglesia de la Paloma, junto a la Puerta de Toledo, después de que un representante del cuerpo de bomberos de la ciudad haya tenido el honor de bajar el cuadro de su retablo

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La Virgen de la Paloma en su trono procesional
Ha quedado documentación de la solicitud al ayuntamiento por Isabel Tintero, una vecina del barrio que vivía en la calle de la Paloma, para exponer la imagen en el portal de su casa durante algún tiempo. La popularidad del icono fue creciendo y atrayendo a vecinos y paseantes del barrio. Al parecer, esa popularidad hizo que se le mudara el nombre a la imagen que pasó de Virgen de la Soledad a Virgen de la Paloma (por la calle en la que se exhibía

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El recorrido suele mostrar balcones engalanados con mantones, imágenes de la virgen en diferentes fachadas. Algunos de los asistentes suelen vestirse con trajes de diferentes épocas, imitando en ocasiones la indumentaria tradicional de manolos, chisperos y goyescos

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La popularidad de esta verbena en el último cuarto del siglo XIX, dio lugar a una zarzuela, La verbena de la Paloma de Ricardo de la Vega y el maestro Tomás Bretón

ROMERÍA DE LA VIRGEN DEL PUERTO (LA MELONERA)

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La Ermita de la Virgen del Puerto
Está situada en el paseo de la Virgen del Puerto (antiguo Paseo Nuevo de la Corte), en las inmediaciones del Palacio Real. Es obra de Pedro de Ribera, fue construida entre 1716 y 1718

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Durante siglos fue el destino de la romería madrileña en adoración de la imagen de la virgen del Puerto que hay en su interior, costumbre que dio lugar a la verbena de la Melonera

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Baile en la Virgen del Puerto, del pintor barroco Manuel Rodríguez de Guzmán, describe la romería a la Virgen del Puerto. Este cuadro se encuentra en el Museo Romántico de Madrid. En el siglo XIX la romería se transformó en verbena. A mediados y comienzos del siglo XIX las verbenas se celebraron en las praderas de las Vistillas

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La Ermita de la Virgen del Puerto en las Fiestas de la Melonera.
El 8 de septiembre se acostumbraba acudir a la misa celebrada en la ermita y posteriormente se sacaba adornada en flores, y en procesión, una imagen muy venerada de la Virgen del Puerto.

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La denominación popular de la melonera se debe a la existencia de puestos de venta callejeros de melones y sandías cercanos al río, sobre todo al puente de Segovia (uno de los principales puntos de acceso a la capital), a mediados de septiembre.

ROMERIA DE SAN EUGENIO (LA BELLOTERA)
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San Eugenio Copia anónima de el Greco
La Romería de San Eugenio (denominada también como romería de la Bellota) es una celebración festiva en Madrid cada 15 de noviembre. El centro es la ermita de El Cristo de El Pardo (ubicado en las cercanías del actual convento del Cristo).
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La tradición romera nace de el día que se dio permiso real para recolectar bellotas de las numerosas encinas existentes en los alrededores del Real Sitio del Pardo.

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Esta costumbre dio lugar a la romería, que tiene sus orígenes a mediados del siglo XVII. Es la última romería madrileña campestre del año (la primera es la de San Blas).

FUENTES:
Bibliografía:
«Curiosidades y anécdotas de Madrid”, Isabel Gea.Ediciones La Librería
«El Madrid romero y devoto» Francisco Azorín Edic. La Librería 2006

Museo del Traje (Madrid)

El Museo del Traje es un museo español, ubicado en la Ciudad Universitaria de Madrid. Su objetivo básico es promover el conocimiento de la evolución histórica de la indumentaria.
El germen de este Museo fue la exposición que se celebró en Madrid en 1925, siendo
su director técnico Luis de Hoyos Sainz y para su ambientación se contó con el trabajo de varios artistas como Daniel Vázquez Díaz, Mariano Benlliure, Fernando Álvarez de Sotomayor, José Planes, Manuel Benedito y Mariano Fortuny y Madrazo
Una vez finalizada la exposición, los materiales recibidos en donación se trasladaron al palacio de exposiciones situado en los Altos del Hipódromo, donde actualmente se encuentra el Museo Nacional de Ciencias Naturales.
En 1928 tuvo que abandonar el Hipódromo, instalándose en el antiguo Hospicio, donde también se ubicaba el Museo Municipal de Madrid, y en 1930 se trasladó al Palacio del Marqués de Grimaldi.
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En la actualidad los terrenos en los que se erige el edificio fueron cedidos en 1967 por la Universidad Complutense de Madrid al Ministerio de Cultura y se encuentran en la Avenida de Juan de Herrera nº 3 en la Ciudad Universitaria
En el Museo se exponen indumentaria histórica (pocas piezas), moderna con la aportación de grandes modistos, joyeria y orfebreria y trajes tradicionales españoles que son los que voy a presentar y que son los mas interesantes, ya que forman parte de nuestra cultura y costumbres.

Traje de Vistas (La Alberca, Salamanca)
El traje carece de una iconografia directa, hasta comienzos del S.XX que nos permita reconstruir su historia y orígenes, pero piezas de indumentaria y organización de joyas parecidas aparecen en modelos de mujeres maragatas y charras desde mediados del S. XVIII.
Por el tipo de silueta que hace el traje de vistas, con su forma de reloj de arena que recuerda a la silueta que generaban los trajes denominados a la española en los siglos XVI y XVII y que han quedado en la indumentaria de las imágenes de la virgenes vestideras.

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Traje de Vistas de La Alberca (Salamanca)

Camisa con las mangas bordadas en negro, al igual que los puños que además están rematados en ganchillo del mismo color. Sobre ella, jubón que se ajusta al cuerpo con un cordón atadero. En la parte inferior lleva un manteo sin decoración, sobre el que se pone otro de paño morado, rematado con cuatro falsos bajos de varios colores, y decorado con tiras de terciopelo negro y cinta rosa sobre la que se aplica un encaje metálico. Encima, un mandil decorado de la misma forma, encuadra la joyería. La cabeza se adorna con una toca de algodón con cintas de colores. El traje de vistas de La Alberca es el que se adorna con mayor cantidad de joyería. Se utiliza sólo para las grandes ocasiones. Actualmente los pocos ejemplares que se conservan se pueden contemplar en los días 15 y 16 de agosto, denominado «Diagosto», en los que se celebra la Virgen de la Asunción. El traje realza la joyería, con este fin se decora el bernio o mandil con vuelta que enmarca la caída de los grandes collares. El conjunto esta cargado de elementos simbólicos y protectores, no sólo en la joyería, sino en la ropa y en su disposición.

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Peliqueiro de Laza (Orense)

Camisa blanca, chaquetilla con aplicaciones de terciopelo granate, pasamanería y charreteras militares, calzón decorado con flecos de colores intercalados entre tiras de ganchillo, cinturón con dos grandes cencerros, y máscara de madera con una piel de gato en la parte posterior y un frontal de hojalata pintada.En Laza, los carnavales rurales españoles están cargados de simbolismo y llenos de personajes singulares. Los peliqueiros o cigarrones forman parte del grupo de las mascaras fustigadoras, personajes que protagonizan la fiesta y tienen el privilegio, entre otros, de perseguir y golpear con la «pellica» o látigo a la gente sin que ésta pueda replicar.

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Traje del Ramo Lagartera (Toledo)

El traje lagarterano es muy antiguo y de ello da testimonio  la riqueza de vocabulario que se utiliza para hacer referencia a sus prendas: “ruedo”, “vistas”, “cuendas”, ”crucetas”, ”andilgue”, “senojil”, “alforda”, “jugón” y la “Gorguera” que es una pieza rectangular con una abertura circular en el centro que se prolonga verticalmente por la pechera. Es una especie de cobertor con gran profusión de bordados,  normalmente en negro,un largo etcétera que, en muchos casos proceden de la época medieval.  Fuera de la iglesia, se sustituyen las piezas del ritual: la basquiña, el pañuelo y la mantilla, por los aderezos de fiesta. Vuelve a quedar a la vista el guardapiés azul y se coloca sobre el justillo el jubón negro con las cintas de espalda. Se descosen las cintas de la basquiña negra y se colocan sobre la azul. En la cabeza, las cintas del moño y la espumilla. Los zapatos  son “entrepetaos” con galón en la puntera, cintas y hebilla de plata.El conjunto se completa con el resto de la joyería y en el pecho, un ramo de flores artificiales da nombre al conjunto.

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«Tipos lagarteranos» Joaquín Sorolla. Museo Sorolla

Se puede observar todos los aditamentos, anteriormente descritos.

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Traje de la Vega de Almería
Jubón de terciopelo negro con mantoncillo de seda decorado con bordados de colores, falda de lana azul tableada y decorada con cintas aplicadas de seda azul y lazos en dos hileras en el delantero y mandil decorado con encaje blanco.Traje de fiesta de una mujer joven que recurre a todas las posibilidades de enriquecer un traje, por un lado los géneros son de calidad, dentro de las posibilidades de la propietaria, terciopelo y seda y por otro decora con el fruto del trabajo de su propietaria, los numerosos plisados de la falda, las cintas de coloniales con las que se adorna, el mandil blanco y la rica puntilla que lo decora y como remate el mantoncillo de Manila, prenda que desde mediados del s XIX pasa a ser el símbolo de la fiesta en la indumentaria femenina española.10 navarra

Danzante de Valcarlos (Navarra)

Conjunto de camisa y pantalón de algodón, decorado con pasamanerías doradas, bisutería, cintas rojas y amarillas y cascabeles. En la espalda, un conjunto de cintas que llegan hasta las rodillas, en la cabeza una boina y en los pies, alpargatas de esparto con cinta roja y cascabeles. En Valcarlos se les llama volantes. Este traje se encuentra en un estado evolutivo muy avanzado. Aunque se mantiene el color blanco propio de los danzantes y la simbología de la decoración, el conjunto está formado por piezas modernas, como el pantalón largo, la camisa y la boina. En algunas ocasiones utiliza la casca, gorro troncocónico similar a las mitras que los danzantes llevan habitualmente
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Mujer segoviana

Camisa bordada en negro en la pechera y en los puños, jubona de paño rojo con faldeta decorada con pasamanería plateada, saya también de paño pero más grueso decorada con tiras de terciopelo negro, mandil de terciopelo picado encañonado en la cintura y pañuelo de gasa blanca sobre el que pone la montera. Segovia conserva piezas que perviven desde el s. XVII, como la jubona, y otras como la camisa que por sus motivos decorativos recuerdan a los bordados mudéjares. Aunque actualmente conforma el arquetipo de Águeda de Zamarramala, fue un traje de fiesta muy difundido en el centro de la Península.
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Coroza (Galicia)
Conjunto realizado en junco, compuesto por la caparucha (capa con capucha), bajo la cual se pone la coroza, que está confeccionada en tres partes, la exterior a modo de capote que cubre los hombros y llega hasta la cintura, y dos interiores que comienzan desde los hombros a modo de tirantes y que llegan hasta los pies. En la parte inferior de las piernas se ponen las polainas y para los pies unas botas de cuero con suela de madera. Es una prenda que sirve para protegerse de la lluvia. Las fibras exteriores se dejan libres, sin tejer, para aumentar dicha protección. Para su confección el junco ha de ser previamente majado.
05 extremadura
Traje de pastor extremeño
Camisa sobre la que se pone, un peto de cuero decorado con bordados hechos de lana y una chaqueta de paño que se refuerza y decora con aplicaciones de estezado. En las piernas, calzón de paño negro y faja, que quedan tapados por los zajones, confeccionados con cuero y piel con pelo. Sobre todo el conjunto el peto adornado con un picado en el delantero y con dos cintas en los extremos del delantero para adaptar éste al tamaño del cuerpo. Los oficios desarrollados al aire libre necesitan una indumentaria especial. Se emplean materiales que protegen de las durezas del clima, y se usan diseños funcionales adaptados a la necesidad del trabajo, como es el caso del peto, con bolsillos delanteros para guardar aperos de trabajo y del zajón que sirve de mandil para manipular el ganado y para proteger el calzón.
07 valencia
Mujer de Valencia

Camisa con manga rematada con encaje, justillo, armado con ballenas, con dos pequeñas aberturas en pecho para dar de mamar al niño y falda de seda sobre enagua de lino confeccionada con numerosas lorzas para darle mayor cuerpo. Su referente histórico es la moda culta del s. XVIII. Destaca la riqueza de las telas con las que están confeccionadas las piezas y la pervivencia del jubón, que es similar a las cotillas que armaban los cuerpos de esa época.
Medias: de tejidos como seda o algodón y con bordados y los zapatos: normalmente forrados con la misma tela del traje. Además hay una “joya”, que se coloca en la parte superior del corpiño junto al escote, el collar y las agujas que se clavan en el moño trasero y sirven de sujeción de éste  y de los rodetes.
02 ibizaPayesa ibicenca ( Ibiza )

Camisa de algodón bordada, basquiña de paño negro encañonada sobre su vuelo, cerrando al pecho con cordón y con tirantes que ajustan con cintas ataderas, mandil muy decorado en la parte superior, manguitos y un sombrero de ala muy amplia decorado con flores.El conjunto tiene su precedente histórico en el s. XV, en concreto este tipo de basquiña de cintura alta fue muy popular entre las criadas de ese periodo
14 murciaHuertano murciano

Camisa con gran cuello que cierra con cintas. Sobre ésta el chaleco, con los delanteros de terciopelo. En la cintura una faja y para las piernas unos zaragüelles, calzones con perneras de gran vuelo que llegan a la rodilla. En la cabeza llevaría la montera, de terciopelo negro. Los tejidos utilizados y el corte, indican su uso en zonas de clima cálido como son Levante y Andalucía oriental. Eran prendas habituales entre huertanos o labradores y con ellas se les identificaba como horchateros y naranjeros en los mercados españoles Es creencia extendida que los zaragüelles tienen un origen árabe, pero probablemente sean una variante de calzoncillos de amplio vuelo, encontrándose modelos similares en otras regiones.

03 campesino

Traje de campesino
Camisa de algodón blanca muy decorada con bordados del mismo color y lorzas, faja en tafetán de lana roja y chaleco, chaquetilla y calzón en pana de algodón marrón, decorados en los cuellos, solapas, puños y aberturas de las perneras con, pespuntes, bordados, botones con el centro de seda roja y con festón amarillo en los ojales. Gerona Este traje es la adaptación al gusto y a los recursos de las clases populares de la indumentaria culta de finales del s XVIII. Es similar a un traje masculino a la inglesa, pero sin los faldones del frac, y adaptado al gusto popular español con una generosa decoración de bordado en las pecheras, las solapas y cierres de las perneras, que abrochan con machos, y con la adición de una rica botonadura metálica en la chaquetilla y en el chaleco. Este traje esta a mitad de camino entre el traje a la inglesa y el traje bolero.04 granada

Hombre de Granada
Chaqueta y chaleco de terciopelo azul decorado con cordoncillo negro y botones de filigrana, calzón de punto con aberturas laterales que cierran con botones y para ajustarlos a la rodilla cordoncillo rematado con borlas. Destaca el color rosa de la faja. El conjunto representa al estereotipo de lo español en la primera mitad del s. XIX, encarnado, de forma escénica, en la escuela bolera. Puede verse también, en éste, a un antepasado del actual traje de luces, tanto por la decoración como por lo ajustado del calzón. La chaqueta corta, ceñida, muy decorada y sin botones, se denomina marsellés.
06 maragatoHombre maragato (León)

Camisa de algodón, chaleco de paño rojo bordado a colores, faja roja y sobre estas piezas, sayuelo de paño negro que cierra con cordoncillo pasado por ojetes, calzones de gran vuelo ceñidos en las rodillas quedando así abombados, y tabaquera, cinturón de cuero bordado, que lleva bolsillos para guardar los útiles para fumar.
Bordado en la tabaqueraERES DUEÑO DE MI AMOR. Los precedentes de alguna de las piezas que componen este traje se podrían remontar al s. XVI; de este momento es la pervivencia del cordón atadero para cerrar el sayuelo y el tipo de calzón de amplio vuelo utilizado por los militares europeos en este momento histórico. Este traje durante varios siglos fue el uniforme que identifico a los arrieros maragatos.

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Traje de novia de Fraga (Huesca)

Mantón de seda color crudo, con flecos del mismo material, decorado con figuras orientales y flores bordadas, y saya con ligamento de faya francesa de seda con decoración espolinada floral polícroma. Es el traje vestido por las novias fragatinas después de la ceremonia, acompañado para enriquecerlo con joyas y lazos. Las grandes dimensiones y la riqueza del mantón crean un vestido con una falda realizada en una rica tela siguiendo modelos decorativos del s XVIII.
11 alistaCapa del Aliste (Zamora)

Capa de paño pardo muy pesada compuesta por la capa, de gran vuelo, la esclavina, el capillo con amplia vuelta, y la chiva, pieza que cuelga por la espalda del borde del capillo. Se adorna con grecas aplicadas de paño negro recortado y picado. Utilizada tanto por los pastores para trabajar, como en ceremonias, de boda o de luto
Tipos de Salamanca por Joaquín Sorolla
15 mallorcaTraje de payés (Mallorca)

Camisa de lino decorada con bordados en el mismo color, chaleco con el delantero en brocatel azul y amarillo, calzón bombacho a rayas de colores en algodón, faja verde en sarga de algodón y alpargatas de esparto que atan con cinta de algodón negra. Las islas son territorios que por su aislamiento facilitan la pervivencia de tradiciones e indumentaria. Este traje estuvo muy ampliamente difundido entre los campesinos mallorquines hasta comienzos del s. XX. Con las adiciones de prendas del momento mantuvo como pieza emblemática los largos calzones de amplio vuelo, similares a los maragatos, muy populares en el s XVI.
13 ama pasiegaTraje de Ama Pasiega (Cantabria)

Camisa con cuello y puños rematados con puntilla de ganchillo. La chaqueta, el mandil y la saya son de paño y terciopelo morado. La chaqueta se une al peto del mandil con botones, dejando ver parte de la camisa. La saya y el mandil están decoradas con tiras de terciopelo negro y pasamanería dorada y la parte trasera de la chaqueta con un gran lazo.Este conjunto, pese a ser rico no es de uso festivo, sino un uniforme de trabajo, utilizado por las amas se cría de Santander.
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Traje de Maga de La Palma (Canarias)
Camisa de lino bordada, justillo con el delantero brocado que ajusta con cordoncillo, enagua de lino decorada con bordados negros de lana, falda de paño negro con el bajo ribeteado en rojo,toca de lino con forma rectangular y montera de paño negro ribeteada con vivo blanco. Uno de los factores que más marca a un traje es la climatología de la zona donde se va a utilizar. Este traje de uso diario esta adaptado al particular clima de las islas. Confeccionado con géneros ligeros que permiten aliviar el intenso calor, también abriga por las mañanas mediante la superposición de sayas y enaguas. Lleva una amplia toca sujeta por la montera que protege la cabeza y el rostro del sol y del efecto del fuerte viento de las islas.
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Mujer de Ansó (Huesca)
Camisa con amplio cuello plisado, basquiña de talle alto de paño verde plisada y con tirantes, manguitos unidos entre si con cintas llamadas cuerdas sujetas a la espalda de la basquiña, escarapela en el pecho con la imagen del Sagrado corazón y mantilla de paño fino blanco decorada con cinta adamascada y borla (cotufa) que cuelga en el centro de la parte frontal y que le da nombre a la pieza. Perviven piezas utilizadas ya en el siglo XV como la basquiña y el peinado llamado churros, similar al trenzado, usado por las mujeres de la época, conservando incluso la denominación de la cinta que lo recoge «trenzadera». Además se incorporan del s. XVII el cuello de la camisa, similar a los cuellos de lechuguilla españoles del momento.
Tipos del Valle de Ansó de Joaquín Sorolla
Tipos del Roncal por Joaquín Sorolla

Los lienzos de la Hispanic Society of America

En 1911 The Hispanic Society of America encargó a Joaquín Sorolla pintar Visión de España, una obra colosal que ocupó los últimos años de su vida activa. Son 14 lienzos de gran formato en los que están reflejados la vida y tradiciones rurales de once regiones de España.
Según la experta en Sorolla, Blanca Pons-Sorolla, el artista, con el objetivo de adquirir una “mayor visión real in situ de la gente y los variados paisajes”, viajó por España pintando evocadoras instantáneas de las provincias, después de haber llevado a cabo meticulosos estudios de los trajes regionales, buscando los “trajes y joyas más auténticos, que en algún caso fueron incluso adquiridos por el propio artista”.
De dichos oleos os he puesto algunos ejemplos que se encuentran en el Museo de Sorolla de Madrid

Las casas a la malicia

Empezaremos por las viviendas de Madrid y concretamente por un tipo de ellas, que proliferaron desde el S. XVI, debido a las necesidades creadas, al instalarse la Corte de Felipe II en la ciudad
Me refiero a las «casas a la malicia»que  fueron el fruto de un delito inmobiliario en el Madrid de los siglos XVI al XVIII, provocado por los privilegios otorgados a los funcionarios de la Corte Real por la ley denominada «Regalía de aposento».
La «Regalía de aposento» obligaba a todo vecino de la villa de Madrid no exento, a «alojar a un funcionario del rey en la mitad de la superficie útil». La medida había sido provocada por la afluencia de familias al servicio de la Corte de Felipe II al instalarse la nueva capital española en 1561. La ley conllevaba el pago de un canon monetario de compleja recaudación
El origen de las “casas a la malicia” de Madrid está íntimamente relacionado con la picaresca del pueblo español, una “cualidad” que alcanzó su máximo apogeo durante los siglos XVI y XVII. Pero para comprender mejor cuales fueron los motivos que propiciaron la aparición de este tipo de viviendas, lo mejor es retroceder en el tiempo hasta los días en que Madrid aun no era la capital de España

«Casa a la Malicia» que se puede ver todavía en Noviciado

Felipe II por Sofonisba Anguissola 1564  Museo del Prado Madrid

“El Rey Católico, juzgando incapaz la habitación de la ciudad de Toledo, ejecutando el deseo que tuvo el emperador su padre de poner su Corte en la Villa de Madrid, determinó poner en Madrid su real asiento y gobierno de su monarquía”. (Luis Cabrera de Córdoba, 1559-1623)

Entrada de Felipe II en Madrid

Hasta mayo de 1561, la capital de la nación más poderosa del mundo era la ciudad Imperial de Toledo, pero el lunes 19 de mayo de 1561, Felipe II hizo llegar al Concejo de Madrid una Cédula Real en la que se le hacía saber del inminente traslado de la Corte desde la ciudad del Tajo a Madrid, donde debería hallarse instalada al mes siguiente, a tiempo para la celebración del Consejo Real que debería celebrarse en la nueva capital. El día 21 de mayo, el monarca partió de Toledo hacia Aranjuez para inspeccionar las obras del palacio y jardines que allí se estaban construyendo y desde el Real Sitio se dirigiría directamente a Madrid, que a partir de ese momento se convertiría en la capital del España

Maqueta con una de las casas a la malicia

Tengamos en cuenta que Madrid en el siglo XVI no era una ciudad propiamente dicha como lo eran Toledo, Barcelona, Valladolid o Sevilla, era más bien un pueblo grande y amurallado, un “poblachón manchego”, como han escrito algunos, situado en un lugar relativamente privilegiado sobre un altozano, con un río de escaso caudal a sus pies, nuestro entrañable Manzanares.

Juan Bautista de Toledo

Se elaboró un ambicioso plan urbanístico al frente del cual Felipe II, tras hacerle venir desde Italia, puso al arquitecto Juan Bautista de Toledo, que percibiría un salario de 220 ducados anuales. Sin duda otro dato que avala la teoría de la capital renacentista deseada por el monarca.
Pero el ambicioso plan pronto comenzó a encontrase con serias dificultades. Si el plan se hubiese llevado a cabo rápidamente, sin duda la transformación de la Villa de Madrid en una gran capital europea habría sido coherente y homogénea, pero toda clase de dificultades, urbanas, sociales y económicas, hicieron que los trabajos se llevaran a cabo con gran lentitud, y muchas de las reformas acabaron convertidas en “agua de borrajas»

Probable retrato de Juan Bautista de Toledo de el Greco

Aunque según otras opiniones es de su hijo Juan Manuel Theotocopuli.(Lo añado aqui, por si alguien tiene conocimiento de su identidad y lo puede aclarar, yo no lo he conseguido, aunque apuesto por su hijo…)

Maqueta de una de las casas del Museo de la Ciudad

Ante esta grave situación, Felipe II se vio obligado a promulgar un edicto llamado “Regalía de aposento” mediante el cual, todas las casas de Madrid que tuviesen más de una planta, deberían ceder la planta superior mismas a aquellos que se considerase oportuno, habitualmente  al séquito o servicio real, muy exigido de alojamientos en una ciudad que acababa de ser escogida como capital del reino. 
Las «casas a la malicia», fueron un recurso arquitectónico de los constructores del siglo XVII a requerimiento de los propietarios de las nuevas casas, para engañar a las autoridades municipales.

Plano de casa de “Muy incómoda” repartición

La picaresca inmobiliaria puesta en escena presentaba características exteriores que hacían suponer falsos interiores estrechos, incómodos y en definitiva no aptos para ser incluidos dentro del grupo de edificios que tenían que cumplir con la ley de Regalía de aposento, es decir: ceder la mitad de la casa a un funcionario de la Corte sin que tuviera que pagar alojamiento.

Ejemplo de Casa de Malicia
La casa esconde una fachada de dos alturas en su patio interior

La ley conllevaba el pago de un canon monetario de compleja recaudación, inconveniente que se intentó solucionar años mas tarde, con la llamada Visita General de 1749, medida cuya aplicación quedaba registrada en un azulejo con la clave Visita Casa / Manzana nº (x) (azulejos que pueden verse todavía visible en muchas fachadas de edificios del casco histórico de Madrid)

Libro de los nombres y calles de Madrid

Sobre que se paga incómodas y tercias partes, manuscrito conservado en la Biblioteca Nacional con el nº 5918.

Casa señorial, junto al Convento de San Ildefonso, Trinitarias Descalzas

Los primeros en eludir la imposición real de la Regalía de aposento fueron los propietarios de las clases adineradas dueños de inmuebles en el Madrid convertido en Corte , en que casas de dos pisos e incluso tres alturas se camuflaban destinando de forma aparente  la planta baja a los establos para los animales, la primera a viviendas y la segunda a desván, aunque en realidad  todas las estancias se utilizaran como vivienda

Casa en la calle del Rollo

El Edicto Real establecía que el primer piso pertenecía al Rey, que podía disponer de él e incluso venderlo a quien decidiera. Eso sí, todo se hizo con el acuerdo del Consistorio, que lo aceptaba para que Felipe II no diera marcha atrás en su decisión de trasladar la capital a Madrid.

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Para encontrar estas casas, nos tenemos que adentrar en el barrio de la Latina, en la zona más antigua de Madrid, donde el trazado medieval se intuye en las calles angostas y las curvas improvisadas entre la Plaza de Carros, la Plaza de la Morería, el Jardín de las Vistillas, el Mercado de la Cebada, y la Plaza de la Paja

Rótulo de la casa en la calle del Rollo

Las “casas a la malicia” estaban construidas de tal forma, que vistas desde el exterior parecía que sólo tenían una planta a base de distribuciones imposibles y caóticas del interior de las viviendas con sótanos que no pudiesen verse desde fuera, con lo que aun siendo una casa de dos plantas, parecía que solo lo fuera de una, y por tanto no debía acoger a los miembros de la corte, tejados muy inclinados donde se habilitaban buhardillas, medias alturas y patios

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calle de los  de los Mancebos, esquina Redondilla.

El madrileño de entonces, incómodo con aquella ley, y deseoso de esquivarla, ideó este truco de sacar con caos las ventanas de fachada. También se practicó el truco de añadir buhardillas disimuladas, como puede comprobar el paseante de hoy mismo en esta

Azulejo con la clave para identificar las casa, que aun quedan en Madrid

Casa-Museo de Lope de Vega

Un buen ejemplo es la Casa Museo de Lope de Vega en la calle Cervantes)

Vista de una de las casa en la esquina de la calle del Agua con la de Tabernillas

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Casa en la Plaza del Alamillo

Hoy solo quedan algunos ejemplos de “casas a la malicia” en el Madrid de los Austrias y en los barrios de La Morería, Las Letras y Universidad, que os aseguro merece la pena intentar localizar mientras paseáis por las calles del viejo Madrid, rememorando un curioso capitulo de la picaresca española y madrileña que alcanzó su máximo apogeo durante los siglos XVI y XVII, durante la monarquía de la Casa de Austria.

Casa en las calles San Andrés con San Vicente, por supuesto muy modificada con reformas

Suele proponerse como ejemplo superviviente de «casa a la malicia» el edificio, bastante reformado, que en el barrio de la Morería ocupa la esquina que forman la calle de Mancebos con la de Redondilla, antes mencionada, cuya construcción original se ha datado entre 1565 y 1590.

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Casas en la Ribera de Curtidores

Pudieron ser a la malicia, muy reformadas también.

La ‘casas a malicia’ o el misterio de las ventanas asimétricas
Fachada en la calle Conde, poco antes de llegar a la plaza de la Cruz Verde

Ejemplo de las ventanas asimétricas, con resultados catastróficos para el urbanismo madrileño ya que los arquitectos recurrieron a argucias poco aconsejables como ocultar las habitaciones superiores mediante escaleras interiores o dejar casi sin luz amplias estancias, apenas iluminadas por pequeños ventanucos.

Fuentes :

https://www.pasionpormadrid.com/2010/06/

https://vramon1958.wordpress.com/2014/09/07/el-real-decreto-de-regalia-de-aposento-y-las-casas-a-la-malicia/

https://es.wikipedia.org/wiki/Casas_a_la_malicia

https://www.lavanguardia.com/local/madrid/20180505/443244808392/casas-a-malicia-ventanas-asimetricas-madrid-secreto.html

y fotos: internet. 

Los museos de los instrumentos de tortura

El Museo de Antiguos Instrumentos de Tortura de Toledo

Entre los más de cien monumentos y museos que conserva la ciudad de Toledo, una pequeña exposición nos narra la parte macabra y oscura de la convivencia de las Tres Culturas en nuestra ciudad y las terribles herramientas utilizadas para perseguir y doblegar herejías y todo aquello que se desviaba de las doctrinas impuestas por los poderes civil y religioso, esencialmente éste último, a manos de la temida Inquisición. Primero veremos todo sobre el Museo de Antiguos Instrumentos de Tortura de Toledo y los artefactos qué encontrarás en su interior.

Sede de la Inquisición en Toledo

Fue en el año 1478 cuando los Reyes Católicos fundaron el Tribunal del Santo Oficio de la Inquisición, tanto en Castilla como en Aragón, con el fin de mantener el dogma católico en todo su territorio y unificarlos socialmente. Recordemos que por esas fechas España estaba invadida por musulmanes y vivían numerosos judíos, que al no poder vivir en libertad su religión, se vieron obligados a abandonar el reino español o bien someterse al tribunal torturador.

En este museo, la presentación de los aparatos y máquinas usados por los tribunales civiles y eclesiásticos para obtener confesiones nos desvelan la verdadera dimensión de las actividades de la Inquisición 

Una de las salas, donde se puede ver a la izquierda una garrucha y al fondo la jaula donde exponían al reo a la vista de todos, hasta que moría

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La garrucha

Era una práctica común en Europa que consistía en atar al prisionero por las muñecas, ponerle peso extra en los pies y elevarlo a través de un sistema de poleas. Cuando estaba en el punto más alto posible se le dejaba caer pero la cuerda tenía una longitud medida para que no chocase contra el suelo

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Los inquisidores tienen que asistir a la sesión de tortura, obligación de la que les habían eximido las Instrucciones de Torquemada. Junto a ellos estarán presentes únicamente, el escribano forense y el verdugo.

Jaula

La mayoría de los prisioneros enjaulados eran usualmente colocados ahí solo después de haber sido sometido a otros tipos de torturas físicas extremas.

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Otra modalidad de jaula

Las víctimas eran dejadas en la jaula hasta que morían por el clima o de sed, lo que podía tomar semanas de sufrimiento extremo.

A la izquierda el potro y al fondo la silla de hierro

La exposición reúne una selección de las máquinas e instrumentos más utilizadas por los distintos tribunales inquisitoriales, eclesiásticos y civiles, tanto españoles como de otros países europeos. Así descubrimos como nuestro país fue parco en instrumentos de tortura utilizando principalmente la garrucha, la toca y el potro junto a otros tormentos en los que se usaba el fuego

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Funcionamiento del potro

La víctima era atada de pies y manos a los dos extremos del aparato. Era estirada lentamente hasta que todas sus articulaciones se dislocaban.

Flagelación de Santa Engracia de Bartolomé Bermejo (siglo XV). Los azotes era uno de los dos métodos de tortura establecidos en las Partidas, aunque se solía usar más como pena corporal.

Látigos de flagelación

En la Alta Edad Media no se recurrió a la tortura sino a la ordalía para determinar la veracidad o falsedad de una acusación , siendo sustituida por la tortura, ya qn los S.XII y XIII.

Selección de máquinas de ajusticiamiento (la guillotina, el poste, el hacha del verdugo…)

La tortura de la silla

La víctima debía sentarse totalmente desnuda sobre este sillón, sufriendo de manera atroz mientras, el inquisidor con aire tranquilo, comenzaba a realizar las preguntas al acusado, mientras un escribano tomaba apuntes de la sesión.

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otro modelo
Palo o picota
El hacha y el verdugo ejecutador
Ruedas desgarradoras

Provistas de afiladas cuchillas, destrozaban la carne de las victimas

La pera

Estos instrumentos se usaban en formatos orales y rectales. Se colocaban en la boca, recto o vagina de la víctima, y allí se desplegaban por medio de un tornillo hasta su máxima apertura. El interior de la cavidad quedaba dañado irremediablemente.

Se aplicaba a los predicadores heréticos, pero también a seglares reos de tendencia antiortodoxas. La pera vaginal, en cambio, estaba destinada a las mujeres culpables de tener relaciones con Satanás

Aplastacabezas

Su nombre ya describe su función.

La cigüeña

Para inmovilizar al reo por el cuello, brazos y pies.

Cepos
Cinturón de castidad

Que no solo usaban los torturadores…

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La cuna de Judas
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 En este procedimiento la víctima es izada de la manera que se puede ver en la ilustración adjunta y descendida sobre la punta de la pirámide; de tal forma que su peso reposa sobre el punto situado en el ano, en la vagina, bajo el escroto o bajo el coxis.

La picota de tonel

 Para los borrachos, como humillación pública se utilizaba la picota en tonel

Había dos clases de «picotas en tonel»: las que tenían el fondo cerrado, en las que la víctima se colocaba dentro, con orines y deyecciones o simplemente con agua podrida, y las abiertas para que las víctimas caminaran por las calles de la ciudad con ellas a cuestas, lo que les producía un gran dolor debido a su gran peso.

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Poste de tonel
Máscara infamante
Máscara infamante

Las máscaras infamantes

Servian para castigar a las mujeres charlatanas a las que se les imponían una máscara infamante de hierro, que representaba un perfil de burro, de cerdo  u otro animal, con una finalidad sarcástica y mordaz.  En algunos casos estas máscaras infamantes también podían ser impuestas a los blasfemos o perjuros.

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Los sambenitos

La ceremonia del juicio, duraba un día entero delante de toda ciudad. Vestidos de sambenito los hacían desfilar y luego leían las condenas; el pueblo que observaba se burlaba de ello; mientras los verdugos los ponían en jaulas que a su vez se usaban para llevarlos a la hoguera.

Auto de Fé. Francisco de Goya

la Inquisición española no fue ni la primera ni la única. La primera y modelo de todas las que vendrían después fue la inquisición judía, una institución semirreligiosa y semipolítica. La “inquisición” o averiguación sobre alguien, junto con el castigo posterior si el resultado de esa investigación mostraba que su acción era reprobable, no es un invento medieval sino de la antigua teocracia judía

Sambenito

El sambenito, originariamente se trataba de un saco de lana bendecido por el cura, de donde viene el nombre de saco bendito que da lugar a sambenito por asimilación fonética con San Benito.

La doncella de hierro

Era una especie de sarcófago provisto de estacas metálicas muy afiladas en su interior, de este modo, a medida que se iba cerrando se clavaban en la carne del cuerpo de la víctima que se encontraba dentro, provocándole una muerte lenta y agónica. Las más sofisticadas disponían de estacas móviles, siendo regulables en altura y número para acomodar la tortura a las medidas del delito del torturado.

El garrote vil

Usado en las ejecuciones, variedad de garrote estrangulador con pincho que se clavaba en la nuca.

Museo de la Tortura «El Solar» Santillana de Mar

Otro museo mongráfico es el Museo de la Inquisición y la Tortura de Santillana del Mar, en plena Cantabria. En él tendremos la ocasión de contemplar muchos instrumentos y útiles de tortura europeos, que se usaron desde comienzos del siglo XV hasta finales del siglo XIX.
Dejando de lado todos los maravillosos encantos de Santillana del Mar, considerado por muchos como el pueblo más bonito de España, más de 50 perversas piezas nos acompañarán en un recorrido histórico lleno de abominables curiosidades. Hachas que cortaron cabezas, jaulas colgantes y guillotinas, entre otros objetos

https://youtu.be/BjSiihisxsY

Nos trasladamos hasta el Museo el Solar, más concretamente hasta la Colegiata y el Ayuntamiento de Santillana del Mar.

Algo destacable es que las piezas y útiles se encuentran organizadas en varias clases. En primer lugar encontramos los objetos que servían como castigo ejemplarizante y humillación pública. Son instrumentos que se ponían sobre el acusado para que sintiese vergüenza y fuese insultado, vejado y despreciado por el público asistente.
Los objetos, que pertenecen a una colección privada, han sido clasificados en función de su uso.

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Verdugo y su hacha

Esta lúgubre exposición la encontraremos en una de las salas del primer piso y también en los jardines de la entrada. Es allí donde daremos un garbeo que nos conducirá hacia la historia de la tortura en Europa y de la Inquisición en España.

Jaula colgante cuya función podreis imaginar facilmente

Este inofensivo toro, es el El toro de Falaris
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Llamado en el dudoso honor de Falaris, tirano de Agraka (Sicilia). Este toro esta hecho de bronce y el reo era introducido en su interior, posteriormente se colocaba debajo de él una fogata lo que hacía que el pobre desdichado se achicharrara en su interior, es decir, aunque suene mundano, moría cocinado. Esto lleva su tiempo y parece ser que los gritos que producía en su interior hacían parecer que el toro estaba mugiendo.

Guillotina

El invento de Monsieur Gullotín, bien conocido por la pobre María Antonieta

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Interior de una sala
la zona de los instrumentos de ejecución. El garrote, la horca, el rompecráneos

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O la sierra que cortaba el cuerpo en dos partes, usada sobre todo para castigar a homosexuales, son algunos de los ejemplos más escalofriantes.

Imagen relacionada

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Doncella de hierro
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El Potro de tortura:
En este instrumento se ataba a la victima de pies y manos y posteriormente se le estiraba hasta producir el dislocamiento e incluso desmembramiento del desdichado.

El cepo
Instrumentos para el castigo ejemplarizante.
Se trataban de objetos que exponían a los reos en posiciones humillantes de forma que fueran insultados y humillados por sus semejantes, algunos ejemplos son las “mascaras infamantes” o los cepos

Uno de los ejemplos son las máscaras infamantes que procedían de Alemania y que servían para castigar a aquellos que hubiesen llevado a cabo conductas inapropiadas, como pequeños hurtos y desobediencia a la autoridad.

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Tortura del agua

El agua: Se le colocaba al preso un embudo en la boca y se le echaba agua sin parar hasta que reventaba. En muchas ocasiones se le echaba en vez de agua normal, agua salada, orina y otras lindezas… Y esto es todo!

Fuentes:

Páginas web de los museos y fotos de Toledo de Mercedes del Amo y Noé Nuñez.

Murano

Venecia tuvo por maestros a los bizantinos, de quienes aprendió el esmaltado y el dorado de las piezas en la ciudad, y en su vecina islita de Murano labró incontable número y variedad de copas de elevado pie, con apéndices caprichosos, tazas, jarritas con rizos de hilos blancos (latticini) o de color, gemas falsas, etc., distinguiéndose por la finura, elegancia, ligereza, variedad y fantasía de sus productos que hoy se admiran en multitud de museos y colecciones.

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Desde el siglo XIV (hacia 1325) consta en Venecia la fabricación de buenos espejos de vidrio, que tan singular importancia adquirió a principios del siglo XVI.

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Desde 1291, todos los cristaleros de Venecia se vieron forzados a mudarse a Murano debido al riesgo de incendios.
Para prevenir los incendios en tierra firme causados por el proceso de elaboración del vidrio, Murano fue elegida fábrica “flotante” y los maestros vidrieros transformaban la arena en vidrio ayudándose del aire y del fuego creando magníficas piezas.

https://youtu.be/SKiim8oCGnQ


Probablemente, la motivación era puramente proteccionista, que evitaban que los verdaderos conocedores del arte de la fabricación del vidrio, los maestros vidrieros, podrían alejarse de Venecia y llevarse consigo ese conocimiento valioso para el crecimiento económico de Venecia.
Algunas leyendas, y ya sabeis que detrás de todas las leyendas que hay algo de verdad, dicen que fueron enviados asesinos a «instar» el retorno de unos fugitivos con la orden imperativa de matarlos si no eran capaces de convencerlos de volver a vivir en su tierra natal.

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El nombre de Murano es mundialmente conocido por sus fantásticas y únicas piezas de cristalería pero lo que no sabe mucha gente es que Murano es una isla de Venecia que lleva dedicándose al cristal desde el siglo VIII d. C.
Siempre bajo el gobierno del Dux de Venecia hasta 1275 en que fue gobernada por su propio Podestà, capaz de acuñar su propia moneda «la oxea».

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Durante el siguiente siglo, comenzaron las exportaciones y la isla ganó fama, inicialmente por la fabricación de espejos y abalorios. Durante algún tiempo, Murano llegó a ser el mayor productor de cristal de Europa

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Trasladar los vidrieros a Murano sirvió a la Serenísima República para controlar mejor el gremio, celosa de un arte que le había hecho famosa en todo el mundo. Los maestros vidrieros estaban obligados a vivir en la isla y no podían dejar la capital véneta sin un permiso especial emitido por el Dogo veneciano. Sin embargo, muchos lograron escapar, exportando a países extranjeros sus famosas técnicas.

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Copa del siglo XV, que forma parte de la colección del Museo de Vidrio
La más importante crisis que golpeó la industria local fue la sufrida en el siglo XV, cuando Bohemia comenzó a producir vidrio artístico, quizá inspirados en los vidrieros vénetos de Murano.

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LAGUNA VÉNETA

Murano es una isla de la Laguna véneta, en el noreste de Italia, en la región del Véneto. Se encuentra aproximadamente a 1 kilómetro de la ciudad de Venecia y es famosa por su artesanía del vidrio
En un principio, la isla prosperó como puerto pesquero y gracias a la producción de sal. Asimismo, era un centro de comercio.

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Murano está formado por cinco islas conectadas por puentes. También tiene su Gran Canal y numerosos palacios que se reflejan en ella. La más antigua que queda es sin duda la Palazzo da Mula, del siglo XIII, muestra su fachada con rosetones góticos y el balcón que domina la orilla

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Es una isla, de unos 6.000 habitantes, repleta de casas de estilo renacentista en la que, prácticamente, todos los edificios fueron o son fábricas de cristal. De hecho, durante mucho tiempo, a los cristaleros de Murano, se les tuvo retenidos en la isla para que nadie pudiera averiguar el secreto de tanta belleza.

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Como consecuencia de ser conocedores del proceso de creación del cristal, siendo éste muy complejo y económicamente relevante, los vidrieros fueron autorizados a llevar espada y gozar de algunas inmunidades en la época, pero no fueron nunca autorizados a dejar la República precisamente para no difundir los secretos de su arte.

MONUMENTOS

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Palazzo da Mula

Las atracciones de la isla son la Iglesia de Santa María y San Donato, conocida por sus mosaicos bizantinos del siglo XII y porque se dice que alberga los huesos de un dragón que mató San Donato; la Iglesia de San Pietro Martire y el Palacio da Mula

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En Murano solían existir muchas iglesias antes de que la ciudad se dedicara al negocio del vidrio. Sin embargo, cuando se comenzaron a establecer talleres de soplado de vidrio en la isla, prácticamente todas las iglesias fueron derribadas para hacer espacio para casas y fábricas de vidrio.

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Hoy en día quedan cuatro iglesias en Murano, de las cuales dos pueden ser visitadas por el público en general. Las iglesias que se encuentran abiertas son la de Santi Maria e Donato y la Chiesa di San Pietro.

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IGLESIA DE SAN PEDRO MARTIR (San Pietro Martire)

En la Fondamente Vetrai, encontrarás una interesante iglesia que data del siglo XIV, pero que fue reconstruida en 1511. Esta iglesia está muy bien decorada con obras importantes hechas por Tintoretto y Veronese.
Existe en esta iglesia una pintura muy importante hecha por Giovanni Bellini y dos piezas del altar elaboradas también por el mismo personaje.

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IGLESIA DE SANTA MARÍA E DONATO

La iglesia de Santa Maria e Donato se encuentra en el Campo San Donato.
Reconstruida en en el siglo XII y restaurada en el siglo XIX, pero siendo original del siglo VII, esta iglesia es una de las mejores muestras del estilo Veneciano-Bizantino que se pueden apreciar en nuestros días

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IGLESIA DE SANTA MARÍA E DONATO, abside

Además, esta iglesia es la atracción más importante de Murano, después de las fábricas de vidrio.

El interior de la Santa Maria e Donato es famoso por su gran abside con
mosaico de estilo bizantino veneciano, que se remonta al siglo XII.

y su piso, con dibujos hechos con piezas de marmol que forman multitud de criaturas, incluyendo hermosas águilas.

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CANAL DE SAN DONATO, Via principal de la isla

En siglos posteriores, muchos venecianos construyeron casas de descanso en Murano bajo la creencia de que los hornos y el humo que éstos producían eran benéficos para su salud.

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Vista del canal flanqueado por los numerosos comercios

La mayor parte del vidrio de Venecia es hecho en las fábricas de vidrio de Murano, de las cuales, muchas pueden ser visitadas. En la “calle central” de Murano, puedes encontrar muchas fábricas y la mayoría están abiertas para que los turistas las visiten.

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El Canal de San Donato, con San Pedro al fondo

Durante mucho tiempo Venecia tuvo el monopolio de la producción de vidrio en occidente y los métodos para su producción constituían un secreto muy preciado, al grado de que se consideraba alta traición el hecho de que un trabajador del vidrio abandonara la ciudad.

FÁBRICA DE CRISTAL

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Fábrica de Cristal de Murano Acceso a una fábrica de vidrio en la isla de Murano

Debes saber que las fábricas y talleres más interesantes y fascinantes de la isla no están abiertas al público pues estos lugares se dedican al negocio de hacer vidrio y no de entretener a los turistas y también porque los artesanos son muy celosos con sus técnicas y no desean que algún competidor les robe alguna idea.

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En la actualidad, los artesanos continúan pasando generación tras generación el secreto de la fabricación del cristal y siguen investigando en las aleaciones posibles. Además, abrieron la entrada del islote a los turistas para que puedan conocer los talleres y comprar laguna de las preciadas piezas, aunque nunca desvelarán el secreto.

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Seguro que te sorprenderá la increíble habilidad con la que el artesano cristalero, a partir de una burbuja de vidrio fundido a una temperatura de 1.200 grados centígrados, soplando por un tubo, con la sola ayuda de pinzas de hierro y giros a gran velocidad, crean las formas de elementos decorativos como jarrones, copas, etc

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Vasija reproducción antigua de cristal que imita al romano con pátina arqueológica
Estas piezas únicas por su formato y diseño, la gran mayoría de Saguso, con composiciones y formas muy diferentes a las predecesoras de la Antigüedad, que alcanzaron su plenitud de finura y delicadeza en el periodo Art Deco (años 20 y 30 del siglo XX).

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Piezas antiguas de cristal de Murano, época del Neoclasicismo, donde desde finales del siglo XVIII y sobre todo a mediados y finales del siglo XIX, la ciudad italiana de Murano fabricó una selecta cantidad de reproducciones al estilo de las antiguas piezas arqueológicas romanas de la Antigüedad Clásica.

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PALACIO GIUSTINIAN

Donde se localiza el Museo del Vidrio
Todo aquel turista que arribe a sus costas está prácticamente obligado a comprar una de las muchas obras de este increíble cristal: copas, joyas, lámparas, jarrones, etc…Y obligada también es la visita al Museo del Vidrio situado en el Palacio Giustinian.

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EL CRISTAL DE MURANO

Durante siglos y aún hoy, los vidrieros de Murano mantuvieron a salvo el secreto de la producción del cristal y descubrieron nuevas formas como el millefiori, cristallino, esmaltado y lechoso, incluso, dieron con la clave de fabricación de los antiguos cristales romanos, las actuales murrinas.

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Vetro di murano bicchiere,circa 1450-1500
Tradición artesanal que pasa de padres a hijos, hacen del cristal de Murano un símbolo italiano de lujo e historia. Si a esto le sumamos la pintoresca ubicación de las fábricas en una isla rodeada de espectaculares casas renacentistas, el resultado es inmejorable.

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Galanterie di vetro
El proceso de elaboración de este cristal es bastante complicado ya que al estar elaborado con sílice, coger el punto exacto en el que poder moldearlo es muy difícil. Recordemos que el sílice se vuelve líquido a altas temperaturas y su enfriamiento y, por tanto, dureza es muy rápida.

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Tipetto

Copas de cristal soplado a mano y adornados con rayas y decoraciones en el tallo de la copa.

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Queda a elección del artesano el mezclarlo con otros compuestos como el cobre, el oro, el cobalto, etc. que le van a dar al cristal el color tan llamativo que tienen.

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Ejemplo de varias copas de distintos colores, obtenidos con aditamentos especiales a la pasta de sílice

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Desgraciadamente, la belleza inicial del Cristal de Murano se va perdiendo con el paso del tiempo debido a la falta de elementos que permitirían una mejor conservación. Algunas piezas antiguas han perdido transparencia, mostrando un aspecto empolvado, presentan pequeñas gotas de agua, lo que se denomina “vidrio llorón” e incluso se vuelve quebradizo.

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Copas de cistal Retinato, trabajadas en un molde especial para formar este patrón diamante precioso
Definitivamente vale la pena visitar Murano, aún si no deseas comprar ninguna pieza de vidrio, la isla tiene mucho que ofrecerte

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Juego de copas de cristal de murano pintado a mano con oro de 24 k

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Otro hermoso juego, decorado con oro.

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Por lo general, el vidrio fabricado en Murano es de excelente calidad, sin embargo, es posible encontrarse con todo tipo de piezas, incluyendo algunas que muchos considerarían grotescas o mal hechas. Pero debes saber que la gran mayoría de los trabajos en vidrio que encontrarás en Murano durante tu visita, serán hermosas.

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Jarrón de Glass Filigrana tiene filamentos finos de hilo en un patrón o una espiral suave.

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Jarrón con diseño modernista

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Araña de «Crystal Venezio», también conocido como cristal veneciano, de vidrio claro fué el primero creado. Se utiliza para lámparas y esculturas., Esta lámpara se encuentra en el Pałazzo Compagni

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Lampara veneciana de Murano Museo Cerralbo (Madrid) Hacia 1880.
La araña consta de 752 piezas de cristal coloreado opaco y translúcido Un gran jarrón de flores de base sirve de punto de partida al resto de los brazos de luz, de donde surgen un total de treinta. El efecto magistral de esta lámpara lo encontramos en dos largos brazos laterales que recuerdan la figura de una góndola, apareciendo rematados con centros florales en cuyo interior sobresalen unos jarroncillos con asas sobre las que se aplican a su vez pequeños remates en forma de pagoda

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Araña de cristal tipo «Venezio»

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Murano sigue fabricando de manera artesanal todo tipo de lámparas, como esta y las que vienen a continuación. Entre los enlaces que he puesto hay algunos donde se puede ver un catálogo de todas las piezas con sus respectivos y elevados precios.

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Como habreis visto, la fantasía y colorido que ponen en sus diseños es inagotable y a muchos de vosotros os fascinarán y otros serían incapaces de ponerlos en sus casas
Lo del precio que alcanzan, ya sería otro cantar…

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Tambien se continua con la tradición de los espejos venecianos, de los que existen muchos modelos. (ver enlaces)

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Pisapapeles de cristal millefiori.
El cristal millefiori se produce cortando haces de varillas de vidrio
La técnica millefiori implica la producción de los bastones de vidrio o varillas, conocidos como murrine

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Pisapapeles Millefiori
se hacen por la superposición de un número variable de capas de vidrio de varios colores en un molde, y tirando del vidrio blando de ambos extremos hasta que la caña ha alcanzado el espesor deseado. A continuación se corta en segmentos cortos para su posterior procesamiento.

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Piedras de murano utilizadas como abalorios de collares y pulseras.

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«Perlas» de vidrio Millefiori 1920 hecho a mano, en Murano y que puede ser utilizado en la artesanía y joyería

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Vasitos con distintos diseños.

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Cómo llegar a la Isla de Murano
Llegar a Murano desde la parte central de Venecia resulta sumamente sencillo usando los servicios de los vaporetti, o autobuses acuáticos, operados por la autoridad del transporte de Venecia, la ACTV. Una vez en Murano, podrás andar a pie sin problemas.
Desde la Plaza de San Marcos
Cerca de la Plaza de San Marcos se encuentra la parada San Zaccaria. Desde ahí puedetomar el vaporetto 42 que te llevará a Murano, pasando por Fonamente Nuove y el Cementerio San Michele en un viaje que dura aproximademente 40 minutos.Desde Fondamente Nuove

Fondamenta Nuove es el lugar desde donde muchos botes hacen paradas en la costa norte de Venecia.Desde ahí puedes tomar el vaporetto 41 para llegar en tan solo 10 minutos a Murano (a la parada Colonna). También puedes tomar el vaporetto LN que llega a la parada Faro en Murano, antes de seguir hacia Burano y Torcello.

Desde la Piazzale Roma y la Estación de Trenes

La línea Diretto Murano (DM) del vaporetto pasa por la Piazzale Roma y viaja directamente a Murano en un viaje que dura aproximadamente 17 minutos.
También, desde la Piazzale Roma puedes tomar el vaporetto 41 que llega también a Murano pero haciendo varias paradas antes.
Desde el Aeropuerto Marco Polo

Los reyes del cine

El Cine Histórico, siempre resultó atractivo para casi todos, porque en los films se representaban las vidas de reyes, reinas y los personajes que los rodeaban, mas o menos noveladas o reales, con lo que conocíamos, no solo sus biografías llenas de pasiones, mezquindad, crueldad o bondad y justicia sino el entorno histórico en el que se desarrollaba, con sus paisajes, personajes, episodios etc y al menos así, aprendíamos las nociones de lo que en el pasado ocurrió y que pese a carencias o tergiversaciones, nos introdujeron, posteriormente al conocimiento mas profundo del acontecer humano, para que luego pudiéramos completar con su estudio en textos mas serios y rigurosos.
Algunos pueden tacharlas de pesadas, otros de cursis o demasiado increibles, pero todas nos moveran a la curiosidad de saber mas sobre estos reales personajes y a conocer mejor sus historias.
En esta selección, no he incluido a personajes ficticios, aunque algunas historias si lo sean. Al Rey Arturo, lo incluyo entre ellos, porque muy bien pudo existir.y al Rey de Siam, por las mismas razones.
En general son mayoría, las películas inglesas donde aparecen sus reyes, en especial Isabel I, .y he procurado ponerlos en orden cronológico, teniendo en cuenta las fechas en que reinaron.
troya
Troya  Año: 2004
Dirigida por Wolfgang Petersen
Reparto Brad Pitt, Eric Bana, Orlando Bloom
Personajes: la película opta por una aproximación más o menos realista a la guerra de Troya con los personajes del rey Agamenón, Helena, Páris , Ulises, Hector y Aquiles
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Cleopatra año: 1963 Países: EE.UU., Reino Unido, Suiza
Dirección: Joseph L. Mankiewicz
Intérpretes: Elizabeth Taylor, Richard Burton,
personajes: Cleopatra y su relación con Julio Cesar y Marco Antonio
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Los Caballeros del Rey Arturo  Año: 1953 País: Reino Unido
Dirección: Richard Thorpe
Intérpretes: Robert Taylor, Ava Gardner, Mel Ferrer
Personajes: El mítico Rey Arturo,  su esposa Ginebra y el caballero Lancelot.
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El león en invierno  Año: 1968  País: Reino Unido

Dirección: Anthony Harvey

Intérpretes: Peter O’Toole, Katharine Hepburn, John Castle, Nigel Terry, Timothy Dalton, Anthony Hopkins

Personajes. Enrique II Plantagenet y Leonor de Aquitania, reyes de Inglaterra y sus hijos

Cine en casa: “El primer caballero” en Netflix
El primer caballero Año: 1995 País: EE.UU.
Dirección: Jerry Zucker
Intérpretes: Sean Connery, Richard Gere, Julia Ormond
Personajes: El Rey Ricardo Corazón de León, la Reina Ginebra y Sir Lancelot
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Becket  Año: 1964  Países: EE.UU., Reino Unido
Dirección: Peter Glenville
Intérpretes: Richard Burton, Peter O’Toole, John Gielgud
Personajes: El Rey Enrique II Plantagenet, rey de Inglaterra, y Thomas Becket, Arzobispo de Canterbury
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Ricardo III. Año: 1944 País: Reino Unido 

Dirección: Laurence Olivier

Intérpretes: Laurence Olivier, Robert Newton,

Personaje: Ricardo III de Inglaterra: Último monarca de la Casa de York y su derrota y muerte en la batalla de Bosworth, basada en el drama de Shakespeare.

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Enrique V Año: 1989 País: Reino Unido
Dirección: Kenneth Branagh
Intérpretes: Kenneth Branagh, Derek Jacobi Emma Thompson, Paul Scofield,
Personaje: El Rey Enrique V de Inglaterra basada en la obra de Shakespeare
12592486_560360407464538_2435751216668454891_nLa Reina Cristina de Suecia. Año: 1933 País: EE.UU.Dirección: Rouben Mamoulian

Intérpretes: Greta Garbo, John Gilbert

Personajes: La Reina Cristina de Suecia y su amante el Conde de Pimentel , embajador del rey de España en Suecia

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La Reina Santa Año: 1947 País: España

Dirección: Rafael Gil, Aníbal Contreiras, Henrique Campos

Intérpretes: Maruchi Fresno, Antonio Vilar

Personajes: Don Dionis e Isabel de Portugal, de cuyo matrimonio surge la alianza entre Portugal y Aragón. aunque en medio de las intrigas de los cortesanos.
Locura de amor (1948) Película - PLAY Cine
Locura de amor (1948)
Director Juan de Orduña
Interpretes: Aurora Bautista y Fernando Rey
Personajes: La reina Juana de Castilla, apodada la Loca y su esposo  Felipe el Hermoso
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La vida privada de Enrique VIII Año: 1933 País: Reino Unido
Dirección: Alexander Korda
Intérpretes: Charles Laughton, Robert Donat
Personajes: Enrique VIII y sus esposas
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Las hermanas Bolena año: 2008 Países: EE.UU., Reino Unido

Dirección: Justin Chadwick

Intérpretes: Natalie Portman, Scarlett Johansson

Personaje: La Reina Ana Bolena, segunda esposa de Enrique VIII y su hermana, antes de su boda.

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Un hombre para la eternidad Año: 1966 País: Reino Unido

Dirección: Fred Zinnemann

Intérpretes: Paul Scofield, Wendy Hiller

Personajes: El Rey Enrique VIII de Inglaterra y su canciller, Sir Thomas Moro y su ejecución.

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María Estuardo Año: 1936 País: EE.UU.
Dirección: John Ford
Intérpretes: Katharine Hepburn, Fredric March
Personaje: María Estuardo Reina de Escocia, mandada decapitar por traición por la reina Isabel I
Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte: Bette Davis como la Reina  Isabel I
El favorito de la Reina Año: 1955 País: EE.UU.
Dirección: Henry Koster
Intérpretes: Bette Davis, Richard Todd
Personajes: Isabel I de Inglaterra y su amante Sir Walter Raleigh, marino y corsario a las ordenes de la reina.
(La Reina Isabel I , fué frecuentemente representada en el cine)
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La vida privada de Elizabeth y Essex  Año: 1939 País: EE.UU.
Dirección: Michael Curtiz
Intérpretes: Bette Davis, Errol Flynn, Olivia de Havilland
Personaje: Isabel I de Inglaterra y su amante Robert Devereux, segundo conde de Essex
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Elizabeth Año:1998 País Reino Unido
Director Shekhar Kapur
Reparto: Cate Blanchett, Geoffrey Rush
Personaje: Isabel I de Inglaterra y el amor de su vida, Robert Dudley, Primer Earl de Leicester
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Elizabeth I Año: 2005  país: Reino Unido
Dirección: Tom Hooper
Intérpretes: Helen Mirren, Jeremy Irons
Personaje : Isabel I de Inglaterra  ha reinado por cerca de 20 años y rehúsa casarse. Lord Burghley y Sir Francis Walsingham planean concretar un matrimonio con Francisco, duque de Anjou, hermano de Enrique III de Francia, con el fin de hacer una alianza en contra de España.
Los Mosqueteros de la era moderna | Cine para llevar
El hombre de la mascara de hierro Año: 1998 Países: EE.UU., Reino Unido

Dirección: Randall Wallace

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Gabriel Byrne, John Malkovich, Jeremy Irons y Gérard Depardieu,

Personajes: El Rey Luis XIV y los Mosqueteros (a través de la novela de Alejandro Dumas)
Vatel (2000) Película - PLAY Cine

Vatel  Año: 2000  Países: Bélgica, Francia, Reino Unido

Dirección: Roland Joffé

Intérpretes: Gérard Depardieu, Uma Thurman, Tim Roth

Personajes: El Rey Luis XIV de Francia y el cocinero Vatel, que le organiza un banquete por orden de su jefe el Príncipe de Conde, para ganarse la confianza del Rey.

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El Rey pasmado   Año: 1991 Países: España, Francia, Portugal

Dirección: Imanol Uribe

Intérpretes: María Barranco, Joaquim de Almeida, Laura del Sol, Gabino Diego, Juan Diego, Fernando Fernán Gómez, Javier Gurruchaga, Eusebio Poncela

Personaje: El Rey Felipe IV de España (
Se inspira en una novela del escritor Gonzalo Torrente Ballester. )
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Cromwell  año 1970

Director Ken Hughes

Intérpretes: Richard Harris, Alec  Guinness, Robert Morley

Personajes: El Rey Carlos I Estuardo de Inglaterra y  Cromwell

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Matar a un Rey Año: año 2003
Dirección: Mike Barker
Intérpretes: Tim Roth, Dougray Scott, Rupert Everett
Personajes: El Rey Carlos I Estuardo de Inglaterra, y Oliverio Cronwell, que instauró la república tras decapitar al rey
La Favorita": Ana, la reina que “arregló el desastre que los hombres habían  dejado” - BBC News Mundo

La Favorita  año 2018
director: Giorgios Lanthimos

Interpretes : Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz

Personaje: El padre de Ana, Jacobo II y VII de Escocia, fue rey durante 3 años antes de ser depuesto en la Revolución Gloriosa de 1688. En un momento de crisis», Ana vio la unificación de Escocia e Inglaterra, lo que la convirtió en la primera reina de Gran Bretaña de la historia.

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María Antonieta   Año: 2006  Países: EE.UU., Francia, Japón
Dirección: Sofia Coppola
Intérpretes: Kirsten Dunst, Jason Schwartzman

Personajes: La Reina Mª Antonieta de Francia y Louis XVI
12650846_560360684131177_8805785328429316610_nLa locura del Rey Jorge Año: 1994 País: Reino Unido

Dirección: Nicholas Hytner
Intérpretes: Nigel Hawthorne, Helen Mirren, Ian Holm
Personaje: Jorge III de Hannover , rey de Inglaterra y la enfermedad que padeció.

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El Rey y yo Año: 1956 País: EE.UU.

Dirección: Walter Lang

Intérpretes: Yul Brynner, Deborah Kerr

Personaje: El Rey de Siam y la institutriz de sus hijos (basado en la novela de Margaret Landon, donde se muestra la vida en una corte oriental)

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Su Majestad Mrs.Brown Año: 1997 Países: EE.UU., Irlanda, Reino Unido
Dirección: John Madden
Intérpretes: Judi Dench, Billy Connolly
Personajes: La Reina Victoria de Inglaterra y su amigo James Brown, tras la muerte del esposo de la reina
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Sissí Año: 1955

dirección: Ernst Marischka

Intérpretes: Romy Schneider, Karlheinz Böhm, Magda Schneider

Personajes: La Emperatriz Isabel y el Emperador Francisco José de Austria
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Donde vas Alfonso XII? Año: 1958

Dirección: Luis César Amadori

Intérpretes: Vicente Parra, Paquita Rico

Personajes: El Rey Alfonso XII y su esposa Mª de la Mercedes Montpensier en su breve matrimonio
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Nicolás y Alejandra Año: 1971
Dirección: Franklin J. Schaffner
Intérpretes: Michael Jayston, Janet Suzman
Personajes: El Zar Nicolas y la Zarina Alejandra de Rusia, en los años previos a la revolución bolchevique.de 1917
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El último emperador  Año: 1987

Dirección: Bernardo Bertolucci

Intérpretes: John Lone, Joan Chen, Peter O’Toole

Personaje: Aisin-Gioro Pu Yi o Puyi, último emperador de China
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El discurso del Rey  Año: 2010  Países: Australia, Reino Unido

Dirección: Tom Hooper

Intérpretes: Helena Bonham Carter, Colin Firth,Geoffrey Rush Guy Pearce, Michael Gambon,

Personajes: El Rey Jorge VI , su familia y su logopeda (Jorge era tartamudo y tuvo que reinar tras la abdicación de su hermano Eduardo)

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The Queen  Año: 2006

Dirección: Stephen Frears

Intérpretes: Helen Mirren, James Cromwell

Personaje: Isabel II de Inglaterra, en los dias posteriores a la muerte de Diana

El infierno en el arte

El infierno, proviene del latín infernum o inferus que significa “subterráneo” o “inferior”.
Según muchas religiones, el infierno viene de la palabra hebrea (Sheol) y griega hades y según muchas religiones es el lugar donde después de la muerte son torturadas eternamente las almas de los pecadores.

Es equivalente al Gehena del judaísmo, al Tártaro de la mitología griega, al Helheim según la mitología nórdica y al Inframundo de otras religiones.
Sin embargo, de acuerdo a las investigaciones , su origen viene de civilizaciones muy antiguas de Medio Oriente como las sumerias, babilónicas, egipcias y otras.

El infierno de otras civilizaciones

El averno no siempre había sido considerado un lugar de sufrimiento, antes podía ser simplemente un lugar de tránsito indefinido, así lo veían los hebreos con el Sheol, el Arallu babilonio o el Hades de los griegos.

Arallu

Babilonia
Se le daba el nombre de Arallu y hay un personaje destacado en su cultura:

La ramera de Babilonia cabalgando sobre la bestia de siete cabezas (grabado ruso del siglo XIX).

La ramera de Babilonia que aparece en el libro bíblico del Apocalipsis, concretamente en los capítulos 17 y 18.

Beato de Facundo, El Dragón da su poder a la Bestia

Se asocia con el Anticristo y la Bestia del Apocalipsis por su conexión con el reino de las siete cabezas y diez cuernos.

Avici (Infierno del budismo) Reino de los Narakas, uno de los seis reinos del samsara

Budismo
Reino de los Narakas, nombre dado a uno de los seis reinos del samsara de mayor sufrimiento de toda la cosmología budista.

El alma del difunto es llevada por Anubis, que tras el pesaje, lo presenta a Osiris

Egipto
Para los egipcios, su paraiso se llamaba Aaru y para llegar a él, el alma debía atravesar las 12 tierras del infierno, conocido como Duat, donde el espíritu del muerto debía ir y venir de un lado a otro, esquivando seres malignos.

El Duat

Este lugar incluso estaba «cartografiado» y mostraba una tierra dividida por dos caminos, estos estaban separados por un río de fuego
El Libro del Amduat o “Libro de lo que hay en el otro mundo” es una composición religiosa, surgida en el Reino Nuevo, que describe el viaje nocturno del Sol (Ra) por el mundo del Más Allá

Finalmente, al atravesar el Duat, el alma se encontraba con Osiris, el señor del inframundo, frente a quien debía jurar que no había violado las leyes divinas, y era aquí cuando su corazón era pesado en una balanza por Anubis; si era inocente, entraría al paraíso, si no, seria arrojada a la bestia Ammitt.

Valle de Hinom

Judios
Entre los judíos, los fariseos y los esenios admitieron la creencia de un infierno a su modo. Este dogma lo habían transmitido ya los griegos a los romanos, y lo adoptaron los cristianos. Lo llamaron Gehena y estaba en el Valle de Hinom. El valle estaba fuera de la muralla sur de la antigua Jerusalén, y se extiende desde el pie del Monte Sion hasta el valle de Cedrón. Los muertos no pecadores iban al Sheol.

Islam
En cuanto a la estructura del Infierno islámico, el Yahannam, el libro más descriptivo es el de Las mil y una noches. En la Noche 493, este libro habla de un edificio de siete pisos, separados uno de otro por «una distancia de mil años».

Según el Corán, solo Alá sabe quién irá al Yahannam y quién al Paraíso, la Yanna.

El Zaqum  es un árbol que crece en el Yahannam. Los condenados se ven obligados a comer su amarga fruta

Malik es el ángel que guarda el Yahannam, asistido por 19 zabaniya

Cultura grecorromana

Hades y Perséfone con el Can Cerbero


Grecia
Cerca del siglo V a.C. los griegos comenzaron a creer en una parte reservada del Hades como un lugar de castigo. Según la mitología, tras la muerte las almas de los hombres iban a parar a un lúgubre reino subterráneo, gobernado por el terrible dios Hades y su esposa Perséfone.

Orfeo y Eurídice en el infierno, Peter Paul Rubens

Héroes como Orfeo, Heracles o Ulises se atrevieron a visitarlo; el primero de ellos, Orfeo, lo hizo para rescatar a su amada Eurídice, pero no pudo culminarlo.

Hermes guiando a los difuntos Adolf Hirémy-Hirschl (1898) Galería Belvedere, Viena.

Hermes, mensajero de los dioses y guía de las almas hacia el inframundo, aparece rodeado de los espíritus de los difuntos que esperan a orillas del Estigio para ser transportados por Caronte al reino de Hades.

La barca de Caronte, Sueño, Noche y Morfeo, por Luca Giordano
La «geografía» del infierno

Tras entrar por cualquiera de las bocas del infierno existentes, el difunto se dirigía a la orilla del Estigia, el río que rodea el inframundo y que cruzaba a bordo de la barca de Caronte.

El volcán Hekla en el sur de Islandia , ha producido unas 20 grandes erupciones desde el siglo IX. y durante la edad media se le describía como «la prisión de Judas» y una de las entradas al infierno. 
Rubens, «Hércules y el Cancerbero», 1636]

En la otra ribera del Estigia, el alma se encontraba con el guardián Cerbero y con los tres jueces del inframundo

Óbolo de Caronte

Era costumbre colocar en la boca o en los ojos del difunto una moneda (óbolo) para pagar el viaje a Caronte.

Caronte y Psyché de John Roddam Spencer Stanhope

Si el alma no disponía de moneda, se veía obligada a vagar durante cien años por las orillas del rio Estigia

Roma

La llamada Plutonium o Puerta del Infierno en Hierápolis

En los siglos I y II. Hierápolis, una antigua ciudad perteneciente a este imperio, se encontraba en su mejor momento después de haber sido reconstruida tras un terremoto durante el año 17. En este lugar se encontraba el Plutonio, también conocido como «la puerta del infierno»

 Gian Lorenzo Bernini, recrea el rapto de Perséfone por el dios Hades (Plutón), soberano del inframundo, contemplado por el can Cerbero. 1622. Galería Borghese, Roma.

La cueva, que se creía que marcaba el paso hacia el inframundo, estaba gobernada por el dios Plutón, el llamado Hades por los griegos . Fue esposo de Proserpina, a quien raptó para casarse con él. La madre de Proserpina, Ceres, se afligió tanto que provocó el invierno.

Plutón, de Agostino Carracci (1592).

El palacio de Plutón, se ubica en mitad del Tártaro y de los dioses del panteón romano, soberanos que controlan el mundo, él es el único que nunca ha de temer la insubordinación o la desobediencia

En Roma, los primeros que se burlaron de los infiernos fueron los poetas. Virgilio unas veces se ocupa de ellos hablando seriamente en la Eneida, y otras veces se burlaba de ellos en las Geórgicas. Lo mismo hicieron Lucrecio, Horacio, Cicerón y Séneca

El Cristianismo

Las Catacumbas de San Calixto en Roma

El cristianismo es la religión que se ha dado el lujo de añadir características cada vez más temibles a ese lugar de desdicha y sufrimiento, siendo la Edad Media la época en la que se llegó a un punto máximo de miedo por el averno.

Orígenes

Ya en el siglo III, Orígenes sostuvo la hipótesis que lleva por nombre Apocatástasis o Restauración, que implicaba la idea de que, al final de los tiempos y luego de sufrir diversas penalidades, todos los condenados al Infierno -incluyendo a Satanás y a los restantes ángeles caídos serían liberados.

Tormentos a los condenados en el Infierno. Fresco italiano del siglo XIV.
Sainte Foi de Conques, tímpano

Veremos que el tímpano de Conques es un sorprendente presagio de lo que se llamará pronto el Purgatorio, un concepto formalizado en el Concilio de Lyon en 1275 , que aparece además del infierno.

«El angel caído», por Gustave Doré ilustración para «El paraiso perdido»de John Milton

El infierno, de acuerdo con la doctrina católica, designa no solo el estado de los condenados, sino también el lugar donde son eternamente castigados los ángeles rebeldes y los hombres que murieron en pecado mortal.

Los ángeles, fueron enviados a la tierra capitaneados por Azael y Shemhazai a enseñar a los hombres, pero al revestirse de carne, se impregnaron de sus pasiones y perdieron las alas. Son los Nefilim o “Caídos”

Bartolomé Esteban Murillo – La escalera de Jacob durante su sueño

A los que los arcángeles Rafael y Miguel hubieron de encerrar en una cueva por sesenta generaciones, tras regresar al cielo por la escalera de Jacob.

Relación con los Santos

Michel Parcher , los padres de la iglesia latina: San Jerónimo de Estridón, San Agustín de Hipona,  
San Gregorio Magno y San Ambrosio de Milán

Muchos Padres de la Iglesia no creyeron en la eternidad de las penas, mientras que otros, creían no solo en la doctrina de la inmortalidad del alma, sino en la condenación eterna de los pecadores

San Agustín de Hipona

Pero fue el filosofo y teólogo San Agustin, quien estableció permanentemente la idea de que si no seguías el reglamento cristiano, tu alma estaría condenada al eterno sufrimiento hasta el fin de los tiempos.

El diablo ofrece el Libro de los Vicios de San Agustín, Michael Pacher, 1483

Fue en su obra «Ciudad de Dios» en la que justificó el infierno como «reparación infinita del pecado.

San Francisco de Asís durante la practica un exorcismo contra los demonios de Arezzo
fresco de Giotto. Basílica de San Francisco en Asís

San Francisco, durante la guerra civil de Arezzo, exhortó al hermano Silvestre a que expulsara los demonios que habitaban en la ciudad. Mientras que el santo se presenta concentrado en sus rezos y oraciones, Silvestre ejecuta la acción propuesta

El tormento o tentaciones de San Antonio abad

El tormento de San Antonio
Es la pintura más antigua conocida de Miguel Ángel, pintada como una copia cercana del famoso grabado de Martin Schongauer cuando solo tenía 12 o 13 años. Ahora se encuentra en el Museo de Arte Kimbell en Fort Worth, Texas

San Millán luchando con un demonio. Arqueta de marfíl
Monasterio de Yuso (La Rioja)

San Millán

La arqueta de San Millán es de pleno siglo XI, cuando las reliquias del santo son trasladadas de Suso a Yuso

San Miguel mata al dragón, Josse Lieferinxe (1493-1508)

San Miguel

Ha sido el mas representado, venciendo al demonio a sus pies, ya que desde principios de la edad media se pensó que Miguel y sus ángeles arrojaron del Paraíso a Satán y sus secuaces

Iglesia de San Pietro al Monte, Pedale cerca de Civate (Lecco) donde se representa el capítulo XII del Apocalipsis

“Después hubo una gran batalla en el cielo: Miguel y sus ángeles luchaban contra el dragón (diablo); pero no prevalecieron, ni se halló ya lugar para ellos en el cielo. Y fue lanzado fuera el gran dragón, la serpiente antigua, que se llama diablo y Satanás, el cual engaña al mundo entero; fue arrojado a la tierra, y sus ángeles fueron arrojados con él.”( Apo. 12,7-8.) (El dragón que aparece en el Apocalipsis, del apóstol Juan, y en otras tradiciones posteriores, en el arte cristiano del Medievo simboliza el pecado y suele aparecer bajo los pies de los santos y mártires)

San Miguel de Valdés Leal, Convento del Carmen Calzado de Córdoba
San Miguel Arcángel peleando y venciendo al Diablo, en la Basílica de la Merced (Barcelona).

El infierno en los Códices
A comienzos del siglo V, esta doctrina se enseñó en todo el cristianismo occidental y fue reafirmada oficialmente por los papas y los concilios a lo largo de la Edad Media.
La edad media abunda en descripciones de los infiernos y en relatos de viajes infernales, y en su difusión colaboraron entre otros, los codex.

La navegación de San Brandán

Auténtico best seller de la Edad Media, La navegación de san Brendán. relata el viaje oceánico realizado por un monje irlandés en el siglo VI junto con diecisiete compañeros en busca del Paraíso

“La Visión de Tundal”

La Visión de Tundal
Es un interesantísimo y bellísimo texto medieval que tuvo una enorme popularidad en la Edad Media durante al menos tres siglos, escrito en latín en el siglo XII por un monje benedictino irlandés llamado Marcus
En 1484 se imprime en la ciudad de Den Bosch (Países Bajos), y en ella se describe el viaje iniciático de Tondalus, un caballero del siglo XII de origen irlandés, que visita durante tres días el más allá y a su vuelta opta por la vida monacal.

La Babilonia Infernal, de Giacomino de Verona

Giacomino da Verona fue un poeta italiano de la segunda mitad del siglo XIII. Fraile menor, escribió dos poemas en vernáculo veneciano, De Babilonia civitate infernali y De Jerusalem celesti.

El Libro de las tres escrituras, de Bonvesin de la Riva

Dividido en tres partes: «La escritura negra» ilustra la vida del hombre y su caída al infierno, «La escritura roja» ilustra una recreación de la pasión de Cristo y la «Escritura dorada» ilustra las alegrías del cielo

Pseudomonarchia Daemonum 1583, del médico holandés Johann Weyer

También conocido como la Falsa Jerarquía de Demonios, es un gran compendio del siglo XVI que enumera los nombres de sesenta y nueve demonios. Esta lista apareció inicialmente como apéndice del primer libro de Johann Weyer sobre demonología

Otras representaciones infernales:

Beato de Santo Domingo de Silos
Codex De Predis. El´juicio final. el círculo del infierno, el agua fría. 1476. Cristoforo de Predis
«Le trés riches heures du Duc de Berry»
Es un libro de horas profusamente iluminado, realizado por el taller de los hermanos Herman, Paul y Johan Limbourg hacia 1410 por encargo del duque Juan I de Berry, Museo Condé en Chantilly, 
Códice alemán


En todos estos, en Virgilio y probablemente también en la tradición árabe se inspirará Dante para escribir su Infierno, de la Divina Comedia.

El demonio

El libro de Enoch, textos antiguos descubiertos en Etiopía en 1768

La historia de Lucifer, según los Libros de Enoch y del arameo Targum, de donde, la tradición cristiana tomaría la creencia sobre el origen del diablo.

Platón y Aristóteles en «La Escuela de Atenas» de Rafael, Vaticano

Será, sin embargo, el neoplatonismo quien aporte las claves fundamentales sobre la naturaleza y creencia de los “ daimones ” o demonios (hábil, conocedor) y de los ángeles guardianes.

El Juicio Final por Giotto di Bondone

En muchas imágenes se recrea el Juicio Final, donde al lado de los bienaventurados o del paraíso siempre aparece el lugar de los condenados y del infierno, así como en las habituales representaciones de los pecados, tentando a los seres humanos.

Capilla Sixtina: Tentación del diablo y expulsión de Adán y Eva Miguel Angel Buonarroti

El pecado de Satán
Según el cristianismo, el Diablo también conocido como Lucifer o Luzbell, es un ser sobrenatural maligno y tentador de los hombres (un demonio). En el Nuevo Testamento se le identifica con el Satán hebreo del Libro de Job (1:6-8), con el Diablo del Evangelio de Mateo (4:8-10), con la serpiente del Génesis (3:1-5) y con el gran dragón del Apocalipsis (12:9)

«Apartate de mi Satanás!» Duccio Bounisegna.

Tras la aparición del Cristianismo y los Evangelios se le otorga a este ser a ese término un carácter personal como enemigo de Cristo y también como un «anticristo«


Sinónimos de Satanás:

Lucifer, Luzbel. Belcebú, Leviatán, Diablo , Demonio, Satán, Maligno, Mefistófeles, Anticristo , ángel Caído, Pedro Botero y hasta Demontre! y Diantre! que se usan (o se usaban) como exclamaciones

«El Angel Caido» de Ricardo Bellver, Parque de el Buen Retiro de Madrid 1885

La imagen del Diablo, dentro de la cultura cristiana ha sido representado en ocasiones con la imagen de un ángel caído del cielo, un ejemplo de ellos es en el monumento de la Fuente del Ángel Caído en Madrid

En otras culturas, incluida la demonología y las ciencias ocultas, se le denominó y representó de diferentes maneras:

En demonologíaBuer es un demonio, presidente de la 2ª orden de los infiernos. Tiene cabeza de león y cinco patas de cabra dispuestas en una rueda y moviéndose como tal.

El Dragón rojo por William Blake

Belcebú es el “Señor de las Moscas”, porque en los rituales de adoración con sacrificios, la carne de los sacrificados se corrompía y siempre sus templos estaban infestados de moscas. es en cierto modo otra versión del Diablo.

Satán de William Blake (1757-1827) para «El paraiso perdido»

La pintura de Blake, basada en visiones fantásticas de rico simbolismo, tiene cierta influencia de Miguel Ángel, por la musculatura de sus figuras y los escorzos a los que las somete. Aplicó su arte pictórico para ilustrar tanto composiciones propias como ajenas: «el Paraíso perdido» de Milton , fué uno de sus favoritos

Relieve Burney, Babilonia (1800 a. C. – 1750 a. C.).

A Lilith, se la considera la primera esposa de Adán, anterior a Eva. Según la leyenda, abandonó a Adán para irse del edén.

Asmodeo

Luego se instaló junto al mar Rojo, junto a sus hijos, y allí se unió con Asmodeo  ( demonio mazdeista, mencionado en el Talmud y en el Libro de Tobias), convirtiendose en demonio también. 

Algunos expertos, como por ejemplo Emil Kraeling, han identificado a la figura femenina del relieve como Lilith, antiguo demonio sumerio, basándose en una interpretación errónea de una traducción obsoleta del Poema de Gilgamesh


Adramelec es un dios de la mitología fenicia, es el demonio del orgullo excesivo, y se aparece bajo la forma de un burro con las plumas de un pavo real.

Baal

Baal cananeo que fue adorado por los fenicios, cartagineses y sirios.

Moloch o Moloch Baal fue un dios de origen canaanita. Era considerado el símbolo del fuego purificante. Griegos y romanos lo identificaban con Cronos y Saturno, respectivamente.

Mara

En el budismo, se le conoce como Mara, quien intentó evitar que el Buda Siddharta Gautama alcanzara la iluminación

El Tío de las minas

Una representación de la imagen del Diablo en la región andina conocido como El Tío de las minas de los Departamentos de Oruro y Potosí, Bolivia.

Descripción de un exorcismo asirio

El exorcismo
Es la práctica religiosa o espiritual realizada contra una fuerza maligna, utilizando diversos métodos cuyo fin es expulsar, sacar o apartar a dicho ente de la persona, objeto o área que se encuentra poseída por el maligno

André_Brouillet: «El Exorcismo» Museo Bellas Artes de Reims
Ritual en el mundo islámico
San Francisco de Borja realizando un exorcismo con un crucifijo, de Francisco de Goya

Iconografía

En el románico

Satanás induciendo a Herodes a la matanza de los inocentes
detalle de una dovela de Santo Domingo de Soria (foto:Javier Gago)

La figura del diablo ha estado presente en la cultura popular desde tiempo inmemorial y su abundante representación en el arte románico da buena muestra del interés o preocupación que su horripilante imagen despertaba en las gentes del medievo.

Portada de las Platerías Santiago de Compostela

Los maestros del románico, lo reflejaron de forma recurrente en grandes pórticos de monasterios o iglesias, «la mayor propaganda que se podía hacer en esa época»y su importancia fué muy grande.

Calahorra de Boedo, pila bautismal románica de la Iglesia de la Purificación de Nuestra Señora

Lo vemos representado en portadas, en claustros, incluso en pilas bautismales

Iglesia de Arenillas de San Pelayo. (Foto: Garcia Omedes)

Por supuesto tanto en la escultura de las iglesias románicas como en sus pinturas y frescos, se interpretaron escenas infernales, seres demoníacos y representaciones de distintos pecados y sus correspondientes castigos

Sainte Foi de Conques , tímpano de la portada principal.

En casi todas las imágenes se recrea el Juicio Final, donde al lado de los bienaventurados o del paraíso siempre aparece el lugar de los condenados y del infierno, así como en las habituales representaciones de los pecados, tentando a los seres humanos.

Ermita de Santa Eulalia. Barrio de Santa María (Palencia)

Las pinturas del presbiterio sur muestran en dos registros superpuestos los tormentos que sufren los condenados. En el superior varios demonios los arrojan de cabeza a una caldera suspendida con cadena sobre el fuego que atizan con fuelle otros dos personajes diabólicos. En el registro inferior, otro esbirro de Lucifer flagela con látigo de bolas a dos condenados

San Salvador de Cifuentes, Guadalajara
San Salvador de Cifuentes, Guadalajara
(Estas dos fotos han sido aportadas por Javier Gago
)

Iglesia de San Julián y Santa Basilisa de Rebolledo de la Torre, Burgos
(foto: Javier Gago)

Donde se ve a un demonio con aspecto de basilísco, amenazando a un pecador: el avaro.

Y otras dos, también de Javier Gago de la portada de la catedral de Tudela (Navarra)
Capitel románico Colegiata Saint Pierre Chauvigny. SXII Francia

Gótico:

Quimeras neogóticas de Notre Dame de París recreadas por Viollet-le-Duc

Durante el periodo gótico, la fantasia en la iconografía demoniaca, se desató, siendo las gárgolas sus ejemplos mas característicos:

Gárgola de la Catedral de Segovia

En la arquitectura de la Edad Media, especialmente en el arte gótico, son muy usadas en iglesias y catedrales y suelen estar adornadas mediante figuras intencionadamente grotescas que representan además de hombres y animales, monstruos o demonios. Probablemente, tenían la función simbólica de proteger el templo y asustar a los pecadores

Friso de la Catedral de León
Frescos de Santa Eulalia de La Loma, Cantabria. foto de Javier gago
Satanas en el infierno Giotto di Bondone Capilla de los Scrovegni (Florencia)

El Renacimiento
La intención que tuvieron muchos artistas medievales y renacentistas al representar el reino satánico llenándolo de escenas grotescas fue extraordinariamente piadosa, por ejemplo, en el siglo XVII muchos pensaron que El Bosco era atéo.

Cristo desciende a los infiernos, El Bosco

El Bosco
Y es que el mundo de los sentidos está muy presente en las causas que le llevan a uno al Averno, pero no lo estaba menos en las sátiras de Hyeronimus Bosch, un artista especialmente preocupado por la música que opinaba que todo lo que fuesen movimientos descoyuntados, equilibrismos raros, caprichos musculares, era diabólico por necesidad.

El tríptico abierto de Las tentaciones de San Antonio (El Bosco, c. 1501) Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa

Varios de sus cuadros también contienen alusiones a creencias demoníacas y brujeriles con seres imaginarios y movimientos insólitos (así, en una de Las Tentaciones de San Antonio, podemos ver la imagen clásica de la pareja que se traslada por los aires al Sabbat montada en un pez volador).

Pero El Bosco, que era sin duda un místico, pintaba para censurar; y por eso al piadoso Felipe II le dio por coleccionar su obra, de ahí que hoy tengamos en El Prado lo mejorcito de él.

El jardín de las delicias de El Bosco, Museo del Prado

En el tríptico abierto se incluyen tres escenas. La tabla izquierda está dedicada al Paraíso, con la creación de Eva y la Fuente de la Vida, mientras la derecha muestra el Infierno. La tabla central da nombre al conjunto, al representarse en un jardín las delicias o placeres de la vida. Entre Paraíso e Infierno, estas delicias no son sino alusiones al Pecado, que muestran a la humanidad entregada a los diversos placeres mundanos. Adquirida en la almoneda del prior don Fernando, Felipe II la llevó a El Escorial en 1593.

Óleo de Dante Alighieri con una imagen de ‘El Infierno’

La divina comedia, de Dante Alighieri

No podemos dejar de mencionar a Dante el primero que describió un viaje al Infierno.
En la obra de Dante, La Divina Comedia, Virgilio aparece como su guía a través del Infierno y del Purgatorio. Además de la admiración de Dante por Virgilio, está el antecedente del descenso de Eneas al infierno para recibir los consejos de su padre Anquises, en el Canto VI de la Eneida de Virgilio.


Dante describe el Infierno en forma de embudo incrustado como un enorme valle cónico y está dividido en nueve niveles o círculos, cada cual más profundo y estrecho que el anterior y en cada uno de ellos los condenados son sometidos a distintas penas, según la gravedad y el tipo de pecado.

El Mapa del Infierno de Botticelli

Llamado habitualmente El Abismo del Infierno o La vorágine del Infierno, es uno de los pergaminos que el famoso pintor italiano diseñó para ilustrar una edición de La Divina Comedia de Dante Alighieri. Fue pintado entre 1480 y 1490, con la técnica de la «punta de plata»( Material duro y rígido, también llamado stilum o punta metálica, con la que se puede dibujar).

Priamo della Quercia: Dante y Virgilio en el Canto XXXII del Infierno

Virgilio, el más célebre de los poetas latinos, conduce a Dante Alighieri, a través del Infierno, donde las almas pecadoras del mundo son atormentadas sin cesar.

Dante y Virgilio en la entrada del infierno de Edgar Degas

Círculo primero
El círculo primero es el Limbo, donde están quienes, sin haber cometido falta alguna, han muerto sin haber recibido el bautismo.

El rey Minos, Gustave Doré

Círculo segundo
A la entrada del círculo segundo está el rey Minos, y entre ellos se encuentran Francesca da Rimini y Paolo Malatesta, por lujuriosos

Círculo tercero
El círculo tercero está guardado por Cerbero, el perro de tres cabezas. Aquí se castiga el pecado de la gula.

los avaros acarreando piedras como castigo. Gustave Doré

Círculo cuarto
El círculo cuarto está guardado por Pluto, el dios romano de la riqueza, y en él se encuentran los pródigos y los avaros

Eugène Delacroix: Dante y Virgilio en el Infierno (1822)

Círculo quinto
En el círculo quinto está la laguna Estigia, y enfangados en ella, luchando eternamente unos contra otros, a golpes y mordiscos, están los condenados por el pecado de la ira

Círculo Sexto
En el círculo sexto se condena a los herejes. Está sembrado de tumbas en cada una de las cuales arde el jefe de una secta herética.

Círculo Séptimo
El círculo séptimo está custodiado por el Minotauro, en él se castiga a los violentos y está dividido en tres recintos: violentos, suicidas y blasfemos

Círculo octavo
En el círculo octavo se condenan las distintas clases de fraude, y se llama Malasbolsas, porque está dividido en diez recintos o bolsas. Está separado del anterior por el río Flegetonte y a este anillo se accede descendiendo un gran acantilado custodiado por Gerión.

Un gigante, dibujo de William Blake

Círculo noveno
El último círculo está rodeado por los gigantes que forman una muralla humana que sobresale hasta la altura del círculo octavo.

Gustave Doré

En él se castiga a los traidores, sumergidos en hielo y ya en el mismo centro de la Tierra, donde está Lucifer, se encuentran quienes traicionaron a sus benefactores

Lucifer

Dante, queda sorprendido por la presencia de Lucifer, al ver que su cabeza tiene tres rostros, uno por delante, y los otros dos se unen a éste por medio de los hombros y se juntan por detrás en lo alto de la coronilla. Judas Iscariote aparece con su cabeza metida dentro de la boca de Lucifer y agita fuertemente las piernas fuera de ella. De las otras dos fauces salen las extremidades de Bruto y Casio, que provocaron la muerte a Julio César.

En el barroco

Estatua de Asmodeo en Rennes- le- Château, Francia

Ademas de este terrible demonio, que antes mencioné, en general en el barroco. existe abundante representación escultórica de tradición cristiana, suficientemente conocida y en el campo de la mitología, un tema en particular:

Orestes acosado por las Erinias o Furias, de William Adolphe Bouguereau.

Las furias:
Se refiere originalmente a las diosas infernales de la venganza en la mitología griega, que perseguían a los culpables de ciertos crímenes. Las Furias eran, pues, los cuatro moradores del Hades grecolatino, al que habían sido condenados por haber desafiado a los dioses

Pero en España, desde el siglo XVI, se conoció con este nombre a los lienzos que Tiziano dedicó a Ticio, Ixión, Tántalo y Sísifo, utilizándose desde entonces este término para designar esta temática.

(El Museo del Prado expuso ‘Las Furias. De Tiziano a Ribera’ en 2014)

Carlos V en la batalla de Mülhberg . Tiziano Vecellio

Las Furias aparecen como conjunto en la historia del arte en 1548, cuando María de Hungría encargó a Tiziano para su palacio de Binche, a las afueras de Bruselas, cuatro lienzos con los personajes de Ticio, Tántalo, Sísifo e Ixión identificados como los príncipes alemanes que se habían alzado contra su hermano, el emperador Carlos V, y a quienes había derrotado un año antes en Mülhberg.

Colección de Las Furias de José Ribera

Ticio, de Tiziano

Ticio, cuyo hígado devoraba un buitre por intentar violar a una amante de Zeus.

Tántalo, de Ribera

Tántalo, castigado a procurarse en vano alimento por servir a su hijo de festín a los dioses

Sísifo de Tiziano

Sísifo, condenado a portar una enorme piedra por haber delatado las infidelidades de Zeus.

Ixión por José de Ribera

Ixión, castigado a dar vueltas sin fin en una rueda por querer seducir a Hera

Ticio de Miguel Angel

La exposición, incluyó un dibujo de Miguel Ángel procedente de la Royal Collection de Londres, nunca antes expuesto en España


Siglos XVIII al XIX

Oleo de Bouguereau

No sabemos qué pasa en ese círculo del infierno, pero todos se pelean al fondo. Arriba, un demonio sobrevuela la escena con los brazos cruzados y una blanca sonrisa.

Divina Comedia: Muerte de Francesca da Rimini y de Paolo Malatesta, Alexandre Cabanel, 1871

En definitiva, principalmente encontramos representación pictórica (existe también representación escultórica) de los siglos XVIII-XIX, sobre todo de Gustave Doré, Giovanni Stradano, Bouguereau, William Blake y por supuesto de nuestro gran Goya

«El aquelarre o el gran cabrón» de Francisco de Goya. (Pinturas negras) Museo del Prado
Goya con otro oleo representando el aquelarre, que se guarda en al Museo Lázaro Galdeano

Se cree que Goya realizó estas pinturas sobre brujas y el demonio, influenciado por su amigo el escritor Leandro Fernandez de Moratín, que rescató del olvido el escrito del Auto de Fe del Juicio contra las brujas de Zugarramurdi de 1610.

FUENTES:


https://www.europapress.es/cultura/exposiciones-00131/noticia-museo-prado-expone-furias-tiziano-ribera-20140120144733.html


https://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/viaje-las-almas-mas-alla-el-infierno-de-los-griegos_11314/3


https://www.e-torredebabel.com/Biblioteca/Voltaire/infierno-Diccionario-Filosofico.htm


http://www.romanicoaragones.com/3-Somontano/990385-Chibluco1.htm


http://www.arquivoltas.com


http://blogderomanico.es/viaje-al-infierno-cristiano/


http://artebiblica.blogspot.com/2015/08/el-infierno.html


https://www.nationalgeographic.com.es/historia/actualidad/los-moradores-del-infierno_7947/4


https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Personajes_del_Infierno


https://web.archive.org/web/20050313185908/http://www.fortea.us/spanish/teologicos/nombres.htm


https://enciclopediamedieval.wordpress.com/2019/01/07/la-voragine-infernale-de-sandro-botticelli/


https://www.misterica.net/los-nueve-circulos-del-infierno-de-dante/


https://www.elestudiodelpintor.com/2016/10/dante-alighieri-la-divina-comedia-i-inferno/


https://www.taringa.net/+apuntes_y_monografias/10-versiones-del-infierno-interesantes_hiifz


https://hiveminer.com/Tags/g%C3%B3tico,infierno (fotos)


https://www.wattpad.com/188040528-biblia-satanica-los-nombres-infernales

Fotos: de románico y gótico: Javier Gago y de la web.

BIBLIOGRAFÍA:


Dante Alighieri: La Divina Comedia.


Pedro Luís Huerta «A propósito de Satán». Fundación de Santa María la Real de Aguilar de Campoó